Les candidatures des Bolia Design Awards 2023 viennent d’ouvrir. Comme chaque année, trois prix seront remis, en alignement avec le positionnement affirmé New Scandinavian Design de l’éditeur. Les inscriptions sont ouvertes jusqu’au 1er mai 2023.
Depuis 2005, Lars Lyse Hansen est CEO de Bolia, marque danoise fondée en 2000. Il a changé la stratégie de l’entreprise en développant une vision éditoriale, baptisée New Scandinavian Design. Créés en 2007, les Bolia Design Awards sont des piliers significatifs de ce positionnement. Les prix récompensent des nouveaux talents du design, valorisant une démarche créative et une approche durable du processus de conception. Les candidats ont la possibilité de proposer jusqu’à trois projets différents, sous forme de dessins, croquis, modèles 3D… « En 2006, nous n’étions qu’une compagnie qui vendait du mobilier en ligne, employant à peine 10 personnes. Nous avons décidé de grandir et de porter des yeux nouveaux sur le design scandinave en attirant les jeunes générations et ses nouveaux talents. Aujourd’hui, une cinquantaine de designers, la plupart du Danemark, collaborent avec nous. Et une vingtaine d’intégrés veillent à la faisabilité des projets. Pendant les 3daysofdesign in Copenhagen, nous avons mis en avant cette fluidité de la créativité. »
Une marque reconnue à l’international
Bolia propose deux collections par an, un challenge énorme pour approvisionner 78 magasins dans le monde, au Danemark, en Suède, en Norvège, en Allemagne, aux Pays-Bas, en Suisse, en Autriche, en France et au Luxembourg et travaille avec 600 revendeurs dans plus de 50 pays. Une fois dessiné, le produit a à peine 18 mois pour naître mais 35 manufactures en Europe assurent la mise au point des prototypes. Le service marketing se charge de les faire passer par le bureau Veritas qui valide sa possibilité de vente dans le monde entier, à travers des showrooms comme ceux de Paris, Boulevard Saint-Germain ou Boulevard Sébastopol. « Nos collections sont populaires mais de grande qualité. En un an, nous réalisons quatre nouveaux canapés grâce à cinq manufactures qui assurent la production de 1000 canapés par semaine. Le Northampton propose 3 sièges et un pouf très facile d’usage dans des dimensions raisonnables et ajustables. Le Hilton se démarque à peine et une collection de printemps est prévue pour le mois de mars. »
Trois prix décernés à chaque édition
À la clé, trois récompenses : un premier prix d’une valeur de 7000€, un prix du public avec une dotation de 3500€ parmi huit finalistes choisis par le public et le prix de la circularité, qui récompense à hauteur de 3500€ un design se démarquant par son approche durable et circulaire. Les trois lauréats seront annoncés en juin à Copenhague à l’occasion de 3daysofdesign. En 2022, le premier prix a été attribué à Ségolène Pla-Busiris pour la table d’appoint Fragment, le prix du public à été donné à Sara Ullvetter Norman pour la chaise Dune, tandis que le prix de la circularité a été remis au duo Fischer&Mordrelle pour le tabouret Moon.
Pour le lancement de la première édition des Trophées du Meuble, Dantès Presse, éditeur du Courrier du Meuble, Cuisine & bains magazine et Concept Bains, avec le magazine Intramuros, a noué un partenariat avec Maison&Objet, qui se traduira notamment par l’organisation d’une grande cérémonie de remise des prix sur le salon le 14 janvier 2027. Frédéric Marty, directeur général de Dantès Presse et rédacteur en chef d'Intramuros, et Vincent Lhoste, directeur général de la Safi, passent en revue les tenants et aboutissants de ce nouvel événement.
Dantès Presse lance en 2026, avec Intramuros, la première édition des Trophées du Meuble. En quoi consiste cet événement, et pourquoi cette initiative ?
Frédéric Marty : Le positionnement de nos différents magazines, Le Courrier du meuble qui est le magazine B to B historique de la filière meuble, Cuisine & bains magazine et Concept Bains, qui sont des titres leaders sur le secteur de la cuisine et du bain, en association avec le magazine Intramuros, référent dans le domaine du design, nous offre une vision globale du marché du meuble. Nous avons fait le constat que ces différents univers, tous positionnés dans l’équipement de l’habitat et l’architecture d’intérieur, ont leur propres concours et prix, mais manquent d’accointances et de passerelles entre eux. L’idée majeure des Trophées du Meuble est de remplir un vide sur le marché en créant un concours transversal, qui permet de récompenser les savoir-faire d’excellence de toutes ces entreprises, industrielles ou artisanales, sans lesquelles les créations des designers ne pourraient pas voir le jour.
Quel accueil avez-vous reçu de la part des acteurs du marché, où en sommes-nous du calendrier au début novembre ?
Frédéric Marty : Nous avons tout de suite reçu un accueil très positif, qui nous a encouragés à aller au bout de notre démarche. On parle aujourd’hui beaucoup de design collectible, de séries limitées, de créations exclusives, mais pas assez de design industriel, et de l’expertise des fabricants et artisans, remarquable en France et en Europe, qui est à la base de la qualité de nos produits et de leur diffusion à grande échelle. Nous devons rendre hommage et soutenir toutes ces entreprises qui investissent, innovent et prennent des risques. Pour remplir ce rôle, les Trophées du Meuble sont déclinés en 11 catégories – salons, mobilier outdoor, éco-meuble, contract, etc – dans lesquelles trois récompenses – Premier Prix, Prix spécial du jury et Prix du public, soit 33 prix au total – seront décernées par un jury indépendant et composé d’experts de chaque secteur, pour supprimer tout risque de connivence ou d’entre-soi. En ce qui concerne le calendrier, les inscriptions sont ouvertes jusqu’au 15 décembre 2026, ce qui permettra aux jurys de délibérer avant la fin de l’année, pour une remise des prix qui fera l’objet d’une grande cérémonie, le 14 janvier 2027 sur Maison&Objet.
On ne présente plus Maison&Objet, un événement majeur de notre secteur, mais le concept a beaucoup évolué ces dernières éditions. Pouvez-vous nous le présenter dans ses grandes lignes ?
Vincent Lhoste : Maison&Objet est aujourd’hui bien plus qu’un salon. C’est un écosystème qui accompagne les professionnels tout au long de l’année, à travers nos rendez-vous physiques, notre plateforme digitale MOM et les événements qui font vivre le design à Paris, la Paris Design Week en septembre, et In the City en janvier. Notre ambition est restée la même : créer des rencontres utiles entre les marques, les prescripteurs, les distributeurs et les acheteurs, et leur donner les moyens de faire émerger de nouveaux projets. Nos deux rendez-vous parisiens ont des identités complémentaires. En septembre, Maison&Objet Pulse met l’accent sur le mouvement, l’innovation et les nouvelles façons d’habiter et de créer. C’est un temps d’exploration, ouvert aux tendances et aux futurs possibles. En janvier, Maison&Objet Premier affirme une dimension plus premium, avec une attention particulière portée à l’excellence, aux savoir-faire et aux signatures d’exception. Cette édition élargit aussi le regard, de l’objet à l’espace et aux nouveaux usages, notamment dans la décoration haut de gamme et le Contract.
Le compagnonnage de Maison&Objet et des acteurs du meuble est une longue histoire. Quel est le profil des marques de meuble qui exposent sur le salon, et en quoi ce rendez-vous est-il intéressant pour elles ?
Vincent Lhoste : Le salon réunit des profils variés : des maisons établies comme des marques plus récentes, des éditeurs, des fabricants et des créateurs. Ils partagent une même exigence de conception, de qualité et de différenciation, avec des propositions qui vont du mobilier aux solutions d’aménagement et aux projets destinés à l’hospitality ou au Contract. Pour ces marques, Maison&Objet est un lieu de visibilité et de développement commercial. Elles peuvent y présenter leurs collections, rencontrer des acheteurs internationaux, des distributeurs et des prescripteurs, mais aussi confronter leurs propositions aux évolutions du marché. Le salon crée les conditions d’échanges qui peuvent se prolonger en projets concrets, en référencement et en commandes.
Frédéric Marty, directeur général de Dantès Presse et rédacteur en chef d'Intramuros
La remise des premiers Trophées du Meuble aura lieu en janvier prochain sur Maison&Objet Premier, qui aura lieu du 14 au 18 janvier. Pourquoi avoir choisi ce rendez-vous ?
Frédéric Marty : Dès le lancement de notre concours, Maison&Objet a manifesté sa volonté d’être notre partenaire, et nos équipes se sont réunies pour travailler ensemble à l’élaboration du meilleur projet possible. Maison&Objet est effectivement le partenaire idéal, en raison de sa vision transversale du marché : le salon couvre presque tous les secteurs de l’habitat, en accueillant de nombreux profils de mobilier pour le domestique et le contract, qui sont couverts par nos différents magazines. Nos titres et le salon sont complémentaires : les lauréats des Trophées du Meuble, mais aussi l’ensemble des participants, vont bénéficier d’une couverture rédactionnelle dans nos colonnes, mais aussi de la caisse de résonnance de Maison&Objet, et de toute la couverture médiatique de l’événement, par les publications papier ou web françaises et internationales. Notre volonté est de donner la plus vaste audience possible à la créativité, et aux savoir-faire des acteurs de nos marchés.
En quoi Maison&Objet Premier, dont la première édition aura lieu en janvier, est-il le bon rendez-vous pour accueillir les Trophées du meuble ?
Vincent Lhoste : Maison&Objet Premier est un cadre particulièrement juste pour accueillir ces Trophées, parce qu’il met en lumière l’excellence, l’innovation et les savoir-faire qui font évoluer la filière. Le meuble a toujours eu une place importante dans l’histoire de notre salon, et le nouveau concept Maison&Objet Premier, qui a lieu au mois de janvier, offre aux marques de meuble un terrain d’expression privilégié. Les Trophées du meuble, organisés par Le Courrier du Meuble avec Intramuros, Cuisines & Bains Magazine et Concept Bain, distinguent des entreprises, des innovations et des savoir-faire dans les univers de l’ameublement, du design et du Contract. Leur présence à Maison&Objet Premier donne une visibilité à celles et ceux qui font avancer ces secteurs. Elle traduit aussi notre volonté de faire dialoguer les différents métiers de l’aménagement et de célébrer les initiatives qui contribuent à leur transformation.
Avec ses finitions Noir Mat et Raw, Elica explore les possibilités esthétiques et techniques du noir mat dans la cuisine. Des hottes aux plaques de cuisson, en passant par les fours et les luminaires, la marque italienne développe un langage esthétique commun, où design, innovation et fonctionnalité se rencontrent.
Longtemps privilégié pour son élégance et sa sobriété, le noir mat s'impose aujourd'hui comme une finition à part entière dans l'univers de la cuisine. Une tendance dont Elica s'empare à travers deux propositions complémentaires : Noir Mat et Raw. Pensées comme un fil conducteur esthétique, ces dernières habillent différentes typologies de produits, des hottes aux fours, jusqu'à sa lampe Luna, permettant de créer une continuité visuelle entre les équipements. Une approche qui accompagne l'évolution de la cuisine, désormais envisagée comme une véritable pièce de vie, où les équipements techniques participent pleinement à l'aménagement intérieur.
Au-delà de ses qualités esthétiques, le noir mat est devenu un terrain d'innovation pour Elica. Avec Raw, la marque développe une finition en verre noir mat qui associe recherche sur les matériaux et praticité. Appliquée notamment aux plaques aspirantes NikolaTesla, aux plaques à induction et au système de cuisson Lhov, cette finition se distingue par son aspect texturé et ses propriétés techniques. Conçue pour répondre aux contraintes d'une utilisation quotidienne, Raw sophistiquée facilite grandement le nettoyage et l'entretien : sa surface résistante contre les rayures causées par casseroles et ustensiles et les traces de doigts. La surface Noir Mat offre également une simplicité de nettoyage au quotidien.
À travers Noir Mat et Raw, Elica dépasse ainsi la simple question de la couleur pour envisager la finition comme un véritable élément de conception de la cuisine. Une manière de repenser les équipements, où la matière ne se contente plus d'habiller l'objet, mais participe pleinement à son usage et à son identité.
Spécialisée depuis plus de 30 ans dans la conception et la fabrication de produits en acier inoxydable, la marque basque Didheya ouvre un nouveau chapitre de son histoire avec Urban Furniture. Une nouvelle ligne de mobilier développée en collaboration avec Iratzoki Studio, composée de cinq collections pensées pour les espaces publics comme privés.
Fondée en 1994 à Irun, au Pays basque espagnol, Didheya a construit son expertise autour du travail de l'acier inoxydable. D'abord spécialisée dans la quincaillerie et les accessoires architecturaux, la marque s'est progressivement diversifiée vers le secteur des transports, développant notamment des équipements pour les trains, métros et bus. Aujourd'hui, elle souhaite mettre ce savoir-faire industriel au service du mobilier à travers Urban Furniture, une ligne imaginée en collaboration avec Iratzoki Studio, qui marque une nouvelle étape de son développement.
Cinq collections à la croisée du design et de l'industrie
Fruit d'une relation de longue date entre Didheya et le designer basque Jean-Louis Iratzoki, cette collaboration se dévoile autour de cinq collections intitulées Hanka, Hodi, Aroa, Ingude et Luze. Au-delà du dessin des pièces, le projet repose sur une réflexion commune autour des matériaux, des procédés de fabrication et des usages, avec la volonté de proposer un mobilier à la fois fonctionnel, durable et capable de s'intégrer à différents environnements.
L'acier inoxydable, matériau de prédilection de Didheya, constitue le fil conducteur des collections, parfois associé au bois massif, au béton ou à la pierre. « Notre travail s'est articulé autour de l'acier inoxydable, avec une ouverture vers le mobilier extérieur, destiné aussi bien aux espaces publics que privés. Nous avons cherché à concevoir des produits durables, résistants, faciles d'entretien et respectueux de l'environnement », explique le designer.
Initialement pensées pour l’outdoor, ces collections se distinguent par leur polyvalence et la diversité de leurs finitions, leur permettant de trouver leur place également dans des espaces intérieurs. Des places urbaines aux campus universitaires, en passant par les espaces communs des hôtels, elles témoignent d'une volonté de dépasser la seule fonction du mobilier pour en faire un élément à part entière de l'architecture des lieux.
Jusqu’au 23 décembre, le collectif londonien JAM présente Lampposts à la galerie kreo. Une collection de lampadaires en verre réalisés en collaboration avec le Cirva de Marseille.
Fruit d’une collaboration de deux années entre le collectif londonien JAM et le Cirva de Marseille, Lampposts s’expose à la galerie kreo. Composée de cinq lampadaires, la collection défie la gravité. Cousines éloignées de leurs archétypes de rue, ces compositions totémiques repoussent les limites structurelles du verre, qu'il soit moulé ou soufflé. Hauts de 2,2 à 3,5 mètres, ces géants colorés invitent le visiteur à la contemplation dans la pénombre du 31 rue Dauphine, à Paris. Un rassemblement étonnant, à découvrir jusqu'au 23 décembre prochain, dont nous ont parlé Joe Halligan, Dan Waterstone et Adam Willis, leurs créateurs.
Pouvez-vous nous parler de vos deux années passées à Cirva et des recherches qui ont débouché sur le projet « Lampposts » ?
Pour être honnête, nous sommes arrivés au Cirva avec un cahier des charges assez ouvert. En tant qu’architectes, nous nous intéressons à la manière dont les choses sont fabriquées, au comportement des matériaux et à la façon dont on peut pousser des procédés familiers vers des horizons inconnus. Pour explorer ces questions, le Cirva est un lieu assez extraordinaire car il est conçu pour l’expérimentation plutôt que pour la simple production d’un objet prédéterminé. Donc le début a été exploratoire. Nous avons commencé par découvrir les différentes qualités du verre et les procédés à notre disposition. Il y avait du soufflage, du moulage, de la découpe, mais aussi de l’assemblage et de la réutilisation des matériaux. Plusieurs projets différents ont émergé de ces recherches, certains plus aboutis que d'autres, mais ce sont les lampadaires qui sont progressivement devenus le projet le plus ambitieux. Ce qui était particulièrement passionnant, c’était la relation avec les verriers. Nous avons mis au point un procédé consistant à réaliser des moules en plâtre que les souffleurs de verre utilisaient pour produire les cylindres de verre individuels qui composent les lampadaires. Il s’agissait d’une collaboration très directe entre nous et les artisans du Cirva. C’est aussi ce qui a permis au design d'évoluer au fil du processus de fabrication, des essais et des ajustements.
À quel moment ce style de dessin très « filaire » est-il devenu la caractéristique principale de vos structures colorées ?
Les lampadaires ont souvent une esthétique graphique très simple : un poteau, un bras et un globe. De notre côté, nous aimions l’idée de réduire ces objets familiers à leurs lignes les plus élémentaires. Le verre offrait un moyen intéressant d’y parvenir, car il a une présence physique tout en pouvant presque disparaître. Les tubes transparents dessinent donc le contour de l’objet sans lui conférer la solidité à laquelle on s’attendrait normalement. Pour ce qui est de la couleur, ça a été une autre découverte. Là où le verre se superpose, où son épaisseur augmente, la couleur devient plus intense. Ainsi, ce qui semble assez simple de loin devient beaucoup plus riche et complexe à mesure que l’on se déplace autour. Par ailleurs, il existe une tension entre la précision du dessin d’ensemble et l’irrégularité du verre fait main. Et nous nous apprécions beaucoup ce rapport.
La notion d’échelle et le caractère « improbable » de la création de luminaires aussi hauts étaient au cœur de votre démarche. Pourquoi cela ?
Nous souhaitions créer quelque chose à une échelle qui ne semblait pas tout à fait raisonnable pour ce matériau. Le verre est généralement associé à des objets relativement petits et délicats, alors qu’un lampadaire est un élément d’infrastructure urbaine robuste. La réunion de ces deux éléments donne lieu à une proposition légèrement absurde. L'échelle modifie également la façon dont on perçoit un objet. Une lampe de table classique s'intègre dans une pièce comme un meuble, mais à deux ou trois mètres de haut, ces lampadaires prennent une dimension architecturale. Ils occupent l'espace différemment et deviennent presque des personnages avec lesquels on partage la pièce.Il y avait également quelque chose de passionnant à tenter un projet dont nous n’étions pas tout à fait sûrs de pouvoir assurer la réalisation. Les difficultés techniques sont devenues partie intégrante de la recherche, plutôt que de simples problèmes à éliminer. Travailler à cette échelle nous a poussés, ainsi que l’équipe du Cirva, à développer de nouvelles méthodes de fabrication et d’assemblage des pièces.
Vous parlez d’un « élément d’infrastructure urbaine ». Quel lien entretenez-vous avec la ville et les éléments qui la compose ?
Nous nous intéressons aux éléments ordinaires qui confèrent à une ville son caractère et son atmosphère propres. Les lampadaires, les garde-corps, les bornes, les bancs et autres éléments du mobilier urbain sont souvent négligés, mais, pris dans leur ensemble, ils contribuent énormément à notre perception d'un lieu. Cela est particulièrement évident au cinéma, où un élément aussi simple qu’un lampadaire peut immédiatement définir le lieu, l’époque ou l’ambiance d’une scène. Pensez aux lampadaires caractéristiques de Paris ou de New York. Ces objets font partie intégrante de notre image collective d’une ville, presque comme s’ils étaient des personnages à part entière.
Vous dites travailler vos lampadaires en verre « car c’est le mauvais matériau ». Qu’entendez-vous par là ?
Un lampadaire est censé être solide, durable, économique et résistant aux intempéries ainsi qu’à tout ce qui peut lui arriver en ville. Le verre est presque tout le contraire. Il est fragile, difficile à travailler et, dans ce cas précis, sa fabrication demande un travail de main-d’œuvre considérable. Cette contradiction a vraiment été le point de départ. Nous aimions l’idée de prendre quelque chose associé à la solidité et à la pérennité et de le réinventer dans un matériau qui semble délicat et vulnérable. Il y a quelque chose d’intéressant à utiliser un matériau à l’encontre de sa logique habituelle. Cela vous oblige à repenser l’objet, mais aussi à explorer des qualités du matériau qui, autrement, pourraient passer inaperçues.
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