Design

Relax est l’un des fauteuils de Lafuma Mobilier les plus iconiques : ce transat dédié à la relaxation sert aussi bien de chaises longues à l’extérieur que de fauteuil de détente à l’intérieur. Compte tenu de son ergonomie, il est depuis plusieurs années utilisées dans des unités de soins, notamment pour la détente complète obtenue avec la position zéro gravité. En cette période de crise sanitaire, Lafuma  Mobilier a décidé de soutenir à sa façon le personnel soignant.

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La première action s’est tenue le 23 mars dernier. En lien avec la Fondation des Hôpitaux de France, Lafuma Mobilier a fait don de 125 fauteuils Relax à quatre hôpitaux de la région lyonnaise. Une action réitérée la semaine suivante pour les hôpitaux de Montélimar et de Grenoble.
“Il nous a semblé naturel de participer et que cela avait du sens pour l’entreprise et l’ensemble de ses salariés puisque nous produisons chaque jour des fauteuils pour des usages professionnels comme la santé ” assure le directeur général de Lafuma Mobilier Arnaud Du Mesnil. Le fauteuil Relax est conçu pour le repos en milieu hospitalier : le matelas est imperméable pour lutter contre les bactéries et classé non-feu.
Le fabricant français a aussi livré des fauteuils Relax Vital. Équipé de la position Zéro Gravité, il permettra au personnel soignant du CHU Saint-Pierre de Bruxelles (Belgique) et de l’hôpital de Lucerne (Suisse) de bénéficier d’une récupération optimale.

Depuis 1967, le Groupe Gainerie 91 fabrique écrins et présentoirs pour les plus grands noms des vins et spiritueux, de la parfumerie, de l’horlogerie et de la joaillerie français et internationaux (Chaumet, Chanel, Harry Winston, Louis Vuitton ou encore Van Cleef & Arpels).

Cette année, les candidats, encore étudiants, sont amenés à créer un packaging qui respectent les codes du luxe. Leurs projets mélangeront donc authenticité, savoir-faire, personnalisation et éco-responsabilité afin d’imaginer le prochain écrin de l’une des catégories du concours : horlogerie & joaillerie, parfums & cosmétiques et vins & spiritueux. Des productions qui devront être accessibles et reproductibles grâce aux choix des bons matériaux et des techniques de fabrication adéquates.

Afin de booster la créativité, le Groupe Gainerie 91 remettra trois prix,
– Premier prix : 2000 euros ou un MacBook Pro
– Second prix : 800 euros ou une imprimante 3D FlashForge PRO
– Troisième prix : 400 euros ou une tablette graphique Wacom
Un “Prix du Public” sera remis cette année aussi, doté de 300 euros ou d’un Smart Writing set Moleskine.

Un planning remis à jour

• Date de clôture de dépôt des dossiers: 30 avril
• Date de lancement prix du public: 25 mai
• Date de sélection des gagnants: 18 juin
• Date de clôture du prix du public: 31 août
• Date de la remise de prix: 10 septembre

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En 2019, c’est Meana Oval qui a été couronné. Afin de répondre à la thématique “Quand le luxe se prend au jeu”, l’étudiante de l’ENSA Limoges a proposé Jacob, une palette de maquillage à double ouverture, lui conférant un aspect ludique. Le jeu s’installe dans la manipulation de l’écrin : en l’ouvrant du côté droit, on accède à deux couleurs de fards ainsi qu’à deux petits pinceaux. Du côté gauche se trouvent deux autres couleurs ainsi qu’un miroir.

Les dossiers d’inscription au concours sont à envoyer par Wetransfer à :
concours@gainerie91.com
Pour toute question, merci de contacter Clara Alvarez :
concours@gainerie91.com / 01 78 75 20 83

La 6e édition de la Biennale Émergence  s’organisera autour de la thématique “Ressources” : “« En écho à cette prise de conscience qui irrigue désormais l’écosystème du design et des savoir-faire, cette 6e édition d’Émergences fait entrer en résonance des créations d’échelles et d’horizons multiples. Révéler d’admirables ressources et donner à voir de nouvelles économies, de nouveaux usages et de nouvelles esthétiques, c’est ce que nous souhaitons partager grâce au commissariat porté par Frédéric Bouchet et Didier Courbot »,explique Gérard Cosme, président du territoire Est Ensemble.

Appels à candidatures

La Biennale Émergence comprendra une exposition centrale et un espace Concept Store.
Pour l’exposition,  l’appel à candidature est ouvert aux designers et aux artisans d’art professionnels. Une centaine d’œuvres seront sélectionnées pour leurs dimensions créatives et leurs capacités à faire écho à la thématique “Ressources” dans le cadre du parcours d’exposition.Le(s) projet(s) soumis lors de la candidature peuvent être déjà réalisés ou en cours de réalisation. Les candidats s’engagent à terminer les projets retenus avant le 14 juin 2020. Les dossiers seront sélectionnés par un jury d’experts.

Pour le Concept Store,  les pièces seront choisies par les commissaires d’exposition et la créatrice du concept store, en écho à la programmation. Cet espace est avant tout l’occasion pour les designers et artisans de commercialiser auprès des professionnels et du grand public leurs dernières créations.

Créée en 1990, basée à louvain, Materialise est une entreprise spécialisée dans l’impression 3D. Mi-mars, elle annonçait  la création d’un accessoire pour les poignées de portes, qui ne nécessite pas de forage de trous et qui permet d’éviter le contact des mains : il permet d’ouvrir et de fermer les portes en utilisant l’avant-bras.

Le fichier qui contient les plans est disponible sur le site de l’entreprise pour ceux qui disposent d’une imprimante 3D, l’accessoire peut aussi bien sûr être commandé en ligne.

“Le Salone del Mobile.Milano suspend son édition 2020, qui est reprogrammée pour le 13- 18 avril 2021. La persistance de l’urgence sanitaire, qui est en train de s’étendre à tous les pays du monde, a décidé les responsables du Salone del Mobile.Milano à choisir le renvoi. Les conditions qui les avaient poussés à reporter la manifestation d’avril à juin 2020, comme annoncé le 25 février, ne sont plus d’actualité. On a essayé de garder jusqu’à la dernière minute la date de juin afin de faire en sorte que la manifestation se déroule de manière normale. Mais le scénario actuel a complètement changé et les incertitudes à moyen terme ne permettent pas de confirmer la tenue du Salone.

L’édition 2021, qui célébrera le soixantième anniversaire du Salone, sera un rendez-vous spécial pour tout le secteur. Pour la première fois, en même temps que Salone Internazionale del Mobile, Complément d’Ameublement, Workplace3.0, S.Project et SaloneSatellite, toutes les biennales seront présentes. Euroluce, Salon International du Luminaire, déjà prévu en 2021, sera accompagné d’EuroCucina / Salon International des Meubles de Cuisine, de FTK – Technology For the Kitchen et du Salon International de la Salle de Bain.

Une seule grande manifestation de système qui sera une nouvelle opportunité de relance pour les entreprises,  pour toute la filière travaillant en synergie avec le Salone et pour la ville de Milan.”

Localisé dans la région portugaise d’Alentejo, la Casa 3000, réalisé par l’agence Rebelo de Andrade, s’étend sur 500 hectares, comme une touche de couleur qui se détache dans le vert environnant. C’est ici que Pedrali a choisi de mettre en scène ses derniers produits. Cet exercice de style,  est aussi l’occasion de revenir sur les différentes collaborations de l ‘éditeur italien avec les designers : la collection Tribeca avec CMP Design, qui réinterprète les assises des sixties, les sofas Reva de Patrick Jouin au confort généreux, qui s’imaginent aussi bien dehors que dedans, les collections Soul et Remind d’Eugeni Quitllet,  le fauteuil indoor Vic de Patrick Norguet, la table Fluxo de Luca Casini, les lampes Giravolta dans différentes déclinaisons…   Une occasion aussi d’imaginer une mise en situation originale des produits,  par la puissance du décor contrasté entre une maison rouge et un cadre végétal fort, et une valorisation des lignes élégantes des assises.

Pedrali : collaboration avec le design Eugeni Quitllet

Dans le numéro 202 d’Intramuros, un tête-à-tête avec Eugeni Quitllet revenait sur cette rencontre entre l’éditeur italien et le designer espagnol. Extrait.

« Les chaises Soul et Remind, fruits de la collaboration entre le plus parisien des designers espagnols et l’éditeur de mobilier italien Pedrali, synthétisent parfaitement la vision du disonador – contraction de « designer » et de « rêveur », dans sa langue natale –, entre respect des contraintes industrielles et envolées lyriques. Décryptage.

Pour cette première collaboration, vous avez dessiné non pas une, mais deux chaises. C’est un objet qui vous inspire particulièrement ?
Avant tout chose, j’essaie de comprendre l’ADN des entreprises avec lesquelles je collabore et d’être à l’écoute de ceux qui les dirigent… Lorsque j’ai rencontré Monica et Giuseppe (les enfants de Mario Pedrali, fondateur de la marque, ndlr), chacun d’entre eux m’a confié sa vision du projet idéal. Pour Monica, il s’agissait de combiner plusieurs matériaux. C’est là que me sont apparues, presque instantanément, les lignes organiques de Soul, dont la structure en polycarbonate injecté et frêne massif joue sur le contraste entre synthétique et ultra-naturel, ce qui est une des caractéristiques de mon langage formel… Guiseppe souhaitait plutôt ajouter une chaise monobloc, à la fois économique, légère et empilable, au catalogue de Pedrali. Remind combine ces qualités avec une esthétique rétrofuturiste, à la fois épurée et familière. En latin comme en anglais, remind signifie « se souvenir », mais par le prisme des émotions… C’est un clin d’œil à ma philosophie, qui est plus intuitive que fonctionnelle.

Quoique très différentes, Remind et Soul revisitent toutes les deux des archétypes du passé. Est-ce une manière de créer de l’émotion pour garantir leur durabilité, du moins affective ?
Non, je ne suis pas nostalgique. Le passé est ce qu’il est et ne me sert pas à grand-chose… Mais il est vrai que mon design est avant tout émotionnel. Et l’émotion crée le respect. J’essaie de rendre chacune de mes créations la plus belle possible afin que son futur propriétaire s’en sente responsable. Car le beau engendre la pérennité.»

Le designer allemand Konstantin Grcic dessine en 2009 le fauteuil Monza pour la marque Plank. Le piètement et l’assise en bois de frêne, inspirés du savoir-faire de la marque italienne, contraste avec le dossier et les accoudoirs en polypropylène qui donnent à l’assise un réel confort et apportent une touche de couleur et de contemporanéité. Le polypropylène se décline en 7 coloris et le fauteuil a la caractéristique d’être empilable. Plusieurs collaborations entre Konstantin Grcic et Plank avaient déjà vu le jour : la chaise Myto (2008) et le tabouret haut Miura (2005) qui sont devenus des pièces incontournables du designer. En 2015, il a dessiné la chaise “Remo”, dont la forme rend hommage au savoir-faire de la marque, malgré un dossier en forme de T fabriqué grâce à une technologie d’attache très sophistiquée.

Caractéristiques

Marque : Plank
Dimensions : L.54 x l.49 x h.76 cm
Matériaux : Frêne, polypropylène
Prix : 444
Acheter

Designer : Konstantin GRCIC

Les harmonies millimétrées de Konstantin Grcic soulignent une humanité fragile en devenir constant. Pour ClassiCon, Driade, Moroso, Authentics…, il essaye, interroge, comprend et trouve pour avant tout réaliser.

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Formée à l’ESAD de Reims, puis à l’Ensci-Les Ateliers, Isabelle Daëron développe depuis une dizaine d’années une réflexion autour de multiples champs du design avec son Studio Idaë :  design produit, scénographie. Engagé, inscrit dans les défis écologiques actuels, son travail se distingue  par une exploration  des ressources naturelles, une optimisation des flux d’un environnement donné. Elle a reçu de nombreux prix, dont le prix Lille Design en 2012, Le Grand Prix de la ville de Paris en 2013, le prix Audi Talent Award en 2015, finaliste du prix COAL -Art et Environnement en 2017, lauréate du FAIRE DESIGN en 2018…

Isabelle Daëron a exposé en France dans des événements majeurs comme la Biennale de Saint-Etienne, mais aussi à l’étranger (Taipei, Helsinki, Japon…). Récemment, outre une scénographie pour l’exposition « Champs libres » pour le Maif Social Club, elle a dessiné des luminaires pour Leroy Merlon tout en menant une expérimentation au long cours sur le design urbain. Lors d’une conférence dans les locaux d’Intramuros, elle présentait ce dernier pan de son travail.

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Tout a commencé en 2006, lorsque Jean-Pierre Blanc, alors directeur de la Villa Noailles à Hyères, fait appel à François Azambourg. Ce dernier a pour mission de penser le réaménagent d’une pièce de la maison, qui doit inclure un objet en particulier : un vase en verre. Pourtant peu attiré par ce matériau, le designer conçoit que « sa transparence est intéressante. » La machine est lancée. Une semaine durant, il travaille étroitement avec les artisans du CIAV sur le décor du verre, plutôt que la texture même du matériau. Très vite, ils se rendent compte que la clé se trouve dans le soufflage. Il en existe trois formes. Le soufflé libre, le fixe avec un moule en métal et le tourné. François Azambourg en propose alors une quatrième : le soufflé fixe dans une matrice en bois. « Le verre est soufflé pendant une minute, à 800°C », explique-t-il, et ressort imprimé des nervures, des nœuds et des crevasses du pin Douglas. Ainsi est né le vase éponyme, première création de François Azambourg et du CIAV.

« Prendre un instantané de ce mouvement en le figeant. »

Aujourd’hui cette collaboration ne se résume pas qu’au Douglas. Sur une des tables de bois de la maison Christie’s, plusieurs dizaines de vases cohabitent. Car dix ans durant, le designer et les artisans verriers lorrains ont pensé à de nouvelles créations, des variations du vase originel. La réflexion s’est d’abord orientée sur le mouvement du verre, et sur la façon de « prendre un instantané de ce mouvement en le figeant. » Chaud, il a  été sorti prématurément de son moule : pas trop tôt pour que l’essence du bois s’imprime sur les parois du vase, mais assez tôt pour que le verrier puisse étirer et le manipuler à sa guise, lui conférant cette sensation de mouvement.

Dans la salle attenante, les murs sont parés de tableaux représentant des fleurs ou des plantes. Des dessins qui sont croquis, réalisés par François Azambourg lui-même, et qui font écho aux créations posées au centre de la pièce.

Avec Brindilles, le designer replace la nature et la notion de territoire au cœur de la réflexion : chaque vase varie en fonction de la saison et du lieu de cueillette. « Habituellement, le décor des vases se fait à froid, mais le verre est plus fragile. C’est plus intéressant de travailler le matériau lorsqu’il est chaud », considère le créateur français. Les plantes et branchages sont plaqués contre les parois du moule, dans lequel est soufflé le verre. L’absence d’air permet à la plante de ne pas brûler et de laisser sa marque le long du vase. Quelques fois, le processus de création a été altéré par des soucis de calandrage. « La plante est imprimée en partie sur le rebord du vase, ce qui le déforme, explique François Azambourg, c’est un accident qui ouvre la question de ce qui peut être fait ou non en matière de création, un nouveau territoire de jeu. »

Puis vient Intouchables.

Cette création qui clôt l’exposition illustre le fait «qu’il n’existe pas d’échec dans la création » pour le designer. « Il y a une partie d’aléatoire avec le verre, si ça n’est pas bon on le casse. » Le verre est soufflé, puis il est laissé à refroidir. Dans un deuxième temps, il est réchauffé dans un four avant d’être roulé sur une tôle ajourée sur laquelle sont placés les éclats des précédentes expérimentations.
Au total, ce sont trois salles de l’immeuble du 9 avenue Montaigne qui sont consacrées au travail de François Azambourg et du CIAV. Loin de la scénographie, le designer français préfère parler de « filiation ». « Chacune des pièces présentées apporte quelque chose à celle qui est autour. Aux murs, les dessins préparatoires affichent la recherche de motifs. »

Au-delà de la créativité artistique, il y a une démarche scientifique dans le travail du designer. Les croquis font office de protocoles pour reproduire les vases sans fin. Il est conscient de la dualité qui existe entre la composition artistique et la rentabilité : « il faut aujourd’hui des objets qui soient faciles à reproduire ».
L’expérimentation demeure cependant la caractéristique principale dans la réflexion de François Azambourg. Selon lui, « la production est comme un instantané d’un objet à la croisée des chemins entre le moment où on la pense et le moment où on la réalise ». Un résultat final qui, dans le cas du verre, surprend souvent l’artisan et le designer.

“Exprimentations” – François Azambourg x CIAV/Meisenthal
Christie’s à Paris – du 24 février au 4 mars 2020

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Créer une lumière poétique

C’est dans son nouveau quartier général de la banlieue de Barcelone que Vibia dévoilait sa nouvelle collaboration avec le studio de design suédois Note Design Studio. Comme un clin d’œil, « Chromatica » était appliquée à la 1re collaboration entre Vibia et Note, la lampe « Musa ». Au cœur du showroom, accrochés sur un mur, se dressent 23 exemplaires de cette lampe, déclinée en 23 coloris qui composent la nouvelle palette.

« Chromatica » est inspirée de la nature et des matériaux utilisés par les professionnels de l’architecture et de la décoration d’intérieur : pierre, ciment, métal ou brique. Autant de surfaces qui leur offrent la possibilité de traduire leurs idées en sensations en associant tons clairs et lumineux, couleurs neutres et mates, ou en produisant des conceptions monochromatiques. Car « Chromatica » rayonne au-delà de ses 23 coloris : « c’est une plateforme qui offre une créativité sans fin », c’est une « boîte à outils à utiliser pour créer un espace » explique Cristiano Pigazzini, directeur de Note Design Studio.

Inspirer les professionnels

Afin de s’approprier les nuances de « Chromatica », Vibia et Note Design Studio proposent « Zoom In Zoom Out ». Une ressource visuelle qui présente concrètement l’utilisation qui peut être faite des 23 nouveaux coloris. Comme l’explique Sanna Wålhin, décoratrice du studio suédois, « les 23 couleurs de Chromatica ont été sélectionnées en vue d’être compatibles avec les matériaux d’architecture actuels, il fait donc sens de présenter ces associations dans un paysage construit ». Car chacune des 24 compositions présentées fusionne 3 nuances de la gamme « Chromatica » et un luminaire Vibia pour former un paysage à la fois réel et artificiel.

Un siège qui rassemble

Depuis décembre 2018, Vibia a pris ses quartiers à 20 minutes du centre-ville de Barcelone. Son tout nouveau siège de 16 000 m² réunit les bureaux, le showroom et l’usine d’assemblage de la marque. Un espace qui prône la collaboration entre Vibia et les professionnels de l’architecture et de la décoration d’intérieur.

Ce bâtiment est à l’image de l’enseigne espagnole puisque la lumière y est omniprésente. Dans l’entrée, le studio de design Fransesc Rifé joue avec la lumière naturelle. Le claustra en bois rosé, balayé par la lumière du soleil catalan enveloppe l’espace d’accueil et guide à l’étage supérieur. Le showroom, d’une superficie de 2 000 m² met en scène la le rôle architectural et décoratif de la lumière artificielle.
Ce nouveau siège catalan prône aussi la collaboration entre les départements. En effet, le cabinet d’architecture Saus Riba Llonch et l’architecte d’intérieur Carlota Portavela rassemblent les bureaux de la marque et son usine d’assemblage. Une proximité chère au directeur général Pere Llonch.

Inédit cette année, Frédéric Hocquard, adjoint à la Maire de Paris, chargé de la vie nocturne et de la diversité de l’économie culturelle a demandé à 3 personnalités reconnues des métiers de la création d’endosser la robe de présidents du jury : India Mahdavi pour le design, Hugo Barrière pour les métiers d’art et Julien Fournié pour la mode.
Parmi les 200 candidats, les jurys ont sélectionné 10 projets dans chaque catégorie. À l’issue de leur délibération, ils ont remis 5 prix du « Talent émergent » à un professionnel dont le projet est particulièrement prometteur et 5 « Grands Prix » à un professionnel confirmé pour la qualité de son projet, sa stratégie de développement, et son engagement dans la transmission des savoir-faire ou l’innovation. En plus de la reconnaissance de leurs pairs, les lauréats des Grands Prix de la Création se voient doter de 15 000 €, dont 8 000 € proviennent de la ville de Paris. Une dotation enrichie par le Fonds de dotation des Ateliers de Paris par des partenaires privés : le Groupe Galeries Lafayette, la Fédération Française du Prêt à Porter Féminin, ESMOD, Roger Pradier, la Fondation Rémy Cointreau et Victoire.

Catégorie Design

Natacha&Sacha désigné « Talent Émergent 2019 »

Le studio de design natacha&sacha repense l’usage de certains objets afin de répondre aux besoins sociaux et environnementaux. Le duo souhaite changer la façon dont on conçoit, produit et perçoit les objets technologiques et électroniques afin de les rendre plus désirables et donc durables.
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www.natachasacha.fr / @natachaetsacha

Jean-Baptiste Fastrez lauréat du « Grand Prix »

Basé à Paris, le designer diplômé de l’ENSCI – Les Ateliers repense aussi les usages des objets en transférant les savoir-faire. Il travaille sur différents projets de produit et d’espaces, de la série limitée à l’édition industrielle pour des maisons telles que Kvadrat, Sèvres / Cité de la céramique ou Moustache. En 2019, il signe sa première exposition personnelle avec la Galerie kreo et présente une rétrospective de ses dix premières années de travail à Mayenne.

‍www.jeanbaptistefastrez.com / @jeanbaptistefastrez

Catégorie Métiers d’art

Le « Talent émergeant » William Amor

À travers ses compositions florales, William Amor se mue en conteur d’histoires. L’artiste réinvente le métier de parurier floral. Il spécialisé dans la valorisation des matières délaissées : ses ornements floraux nés de la pollution plastique visent à faire des déchets une matière noble du luxe. À sa démarche artistique, s’ajoute une dimension sociale, l’artiste s’entoure pour ses productions de personnes handicapées les petites mains d’or à qui il transmet son savoir-faire.

‍www.creationsmessageres.com / @william.amor

Le « Grand Prix 2019 » pour Cécile Feilchenfeldt

Cécile Feilchenfeldt est Suisse, a grandi à Munich, a fait ses études en design textile à Zürich et s’est installée à Paris en 2007. L’artiste utilise les techniques traditionnelles de tricot et de tissage pour expérimenter la matière. Des créations en nylon, rafia, lycra, coton ou cashemere qui racontent une histoire en 3D.

‍www.cecilefeilchenfeldt.com / @cecilefeilchenfeldt

Catégorie Mode

« Talent émergeant 2019 », Marianna Ladreyt

Fascinée par la toge grecque et la mythologie, l’artiste française joue avec les drapés pour les adapter à la modernité. Finaliste du Festival International de la Mode à Hyères en 2017, elle lance en 2018 une collection de sacs, aventure qui la conduit à lancer sa marque éponyme de prêt-à-porter et accessoires en février 2019.  Ses deux premières collections sont présentées durant la Fashion Week de Paris dans le showroom Designers Apartment au Palais de Tokyo.

‍www.mariannaladreyt.fr / @mariannaladreyt

« Grand Prix 2019 », Valentine Gauthier

Directrice artistique d’un concept store de lifestyle puis grande gagnante du Festival International des Jeunes Créateurs de Mode de Dinard juste avant le lancement de sa marque éponyme en 2007 et l’ouverture de sa première boutique en 2009, le parcours de Valentine reflète son état d’esprit : créatif, volontaire et passionné. En 2018, elle ouvre un flagship dans le Haut Marais à Paris, composé de deux boutiques et d’un appartement.

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www.valentinegauthier.com / @valentinegauthierofficiel

Les Grands Prix de la Ville de Paris récompensent les professionnels et jeunes créateurs depuis 1993. À partir de 2003, le palmarès est scindé en 3 catégories distinctes : design, métiers d’art et mode. Chaque année à la rentrée, de nombreuses candidatures sont examinées par des personnalités qualifiées qui sélectionnent une dizaine de candidats dans chaque catégorie. Les finalistes sont invités à venir présenter leur parcours et leurs oeuvres lors d’une audition devant un jury d’experts (acheteurs, éditeurs, galeries, organisateurs de salons, architectes d’intérieur…) qui débattent et choisissent le lauréat. Outre la dotation, les lauréats bénéficient d’une visibilité offerte par les partenaires médias et associés, certains ayant fait partie du jury d’experts comme Intramuros.
Les 6 lauréats seront exposés à la Joyce Gallery du 4 au 19 février 2020 – 168 Galerie de Valois (75001).

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À travers cette exposition, les deux commissaires invités Catherine Sabbah et Olivier Namias interrogent sur le devenir des hôtels au regard des nouveaux enjeux environnementaux. Un travail tout d’abord historique qui dévoile le lien intrinsèque qu’il existe entre l’hôtel, les modes de vies et les époques dans lesquels il évolue. Une réflexion ensuite appuyée par 4 projets qui placent les enjeux environnementaux en leur cœur.
À ce jour, l’Ile-de-France compte 2 450 hôtels et 15 000 chambres. Chacun est le reflet des besoins et attentes de l’époque dans laquelle il a évolué. Le Meurice, à son ouverture en 1818, accueillait simplement les voyageurs venant de Calais. Puis des hôtels aux ambitions plus mondaines ont vu le jour, comme le Ritz en 1898. Plus tard, les Trente Glorieuses marquent le début du tourisme de masse. C’est à la même époque que fleurissent les premiers hôtels standardisés à l’image du Hilton Suffren en 1966. Enfin, l’hôtellerie s’est vue dans l’obligation de répondre aux besoins du tourisme d’affaires. Ainsi, de nombreux hôtels ont été construits à proximité de pôles de connexions tels que l’aéroport Roissy-Charles de Gaulle.
L’hôtel se devait de proposer un confort climatique (chauffage, climatisation et eau chaude) à ses clients, sans pour autant prendre en compte l’environnement. Aujourd’hui, l’exposition interroge sur le changement de mentalité de la clientèle, notamment en matière environnementale. Et si le respect de l’environnement devenait un critère dans le choix d’un hôtel ?

L’environnement au cœur de la réflexion

En lien avec l’exposition, 4 projets intègrent les enjeux environnementaux à leur réflexion : le lobby, le corridor et la chambre sont repensés pour être plus responsables.

La marquise – Jean-Benoît Vétillard, architecte

La marquise est un lieu de transition entre l’extérieur, la ville, et l’intérieur, le lobby. Elle marque donc le passage d’un monde à un autre. Ici, elle est en fibres de lin et de résine naturelle, et éclairée par des LED qui sont activées par les visiteurs lorsqu’ils passent la porte-tambour de l’entrée.

Une pièce capable – Lina Ghotmeh, architecte

La chambre s’adapte aux flux qui s’intensifient et répond à la pluralité des besoins. Ainsi, elle devient une pièce de vie, de travail, d’accueil et de sommeil, et répond aux enjeux environnementaux : les murs sont en bois et fibres naturelles, les carreaux de douches sont issus de la transformation du sable et le revêtement du lit est en linge recyclé.

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Un voyage, pas une destination – Nicolas Dorval-Bory, architecte

Le couloir d’hôtel est pensé comme un vecteur d’usage : il irrigue les chambres de réseaux et guide le client vers celles-ci. Afin d’être éco-friendly, il répond aux enjeux de durabilité et de salubrité. Les matériaux utilisés, comme le bois, ont une empreinte carbone faible et le confort lumineux est au rendez-vous : l’intensité lumineuse est variée ce qui la rend plus agréable que l’uniformisée que l’ont roule actuellement.

La chambre de demain – Ciguë architectes

Cette chambre questionne l’usage qui est fait de l’eau. Alors qu’une chambre consomme en moyenne 150 litres par jour (pour un hôtel 4 étoiles), ce projet propose d’économiser 70% de l’eau utilisée grâce à un système de bouclage. Sur le toit, des réservoirs permettent de collecter l’eau de pluie et de stocker l’eau filtrée par phytoépuration et charbons actifs.

Après avoir obtenu la démission du directeur de l’ENSCI – Les Ateliers Rémy Fenzy le 20 novembre dernier, c’est l’occasion pour les élèves de faire un premier bilan de leur mobilisation. Une démarche nécessaire notamment en prévision d’une première échéance importante : le 9 décembre prochain, les élèves-élus rencontrent le conseil d’administration de l’école pour discuter de leur future gouvernance.
Pour rappel, Rémy Fenzy est nommé au poste de directeur de l’ENSCI – Les Ateliers le 13 novembre dernier par le ministre de l’Économie Bruno Le Maire et le ministre de la Culture Frank Riester. À l’encontre des inquiétudes prononcées par le conseil d’administration de l’école parisienne quelques mois auparavant, cette nomination n’est pas concevable pour les élèves et les membres du personnel. Ils votent un blocage de l’école de design dans la foulée. La contestation massive qui s’en suit aura raison du nouveau directeur puisque Rémy Fenzy présente sa démission la semaine suivante, le 20 novembre.

‍Un premier rendez-vous crucial

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Le 25 novembre dernier, les élèves-élus rencontraient la direction générale de la création artistique (DGCA) et décidaient de faire tomber le mur qui bloquait l’accès à la cour de l’école. Exit le blocage, les élèves entraient dans une phase de mobilisation. Bien que les cours soient toujours annulés, le travail sur les projets partenaires a repris.
Depuis, entre deux projets, les élèves se retrouvent autour d’ateliers de discussion. En effet, le 9 décembre prochain marque le premier rendez-vous à ne pas manquer pour les futurs designers. Les élèves-élus s’entretiendront avec le conseil d’administration de l’ENSCI – Les Ateliers au sujet, notamment, de la gouvernance de l’école et ce au regard des derniers mois de contestation. Cette réunion vise à proposer un nouvel organigramme en accord avec l’identité de l’école parisienne : une école de design et non une école d’art.

Le lissage des spécificités inquiète

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Les élèves de l’ENSCI – Les Ateliers, ainsi que les membres du personnel, sont inquiets de la tendance de l’administration publique à formater les écoles nationales de création. Par le lissage de leurs spécificités, ces écoles proposeront, à terme, les mêmes programmes que les écoles traditionnelles d’art.Parmi ces outils de lissage se trouve Parcoursup, la plateforme web qui recueille et gère les vœux d’affectation des futurs étudiants de l’enseignement supérieur public français.Certains étudiants lui reprochent d’interférer dans le processus de recrutement des promotions futures, puisqu’une inscription sur la plateforme amputerait une partie du concours d’entrée à l’ENSCI – Les Ateliers. Étant donnée que l’école de design est sous tutelle des ministères de l’Industrie et de la Culture, son inscription sur les tablettes de Parcoursup lui a été imposée. « Le débat a été éliminé » concède Erik Anspach, directeur des études des Ateliers, qui souhaite toutefois tempérer les inquiétudes de ses élèves : « cela n’est pas complètement mauvais puisque ça procure de la visibilité pour l’école » avoue-t-il. Même s’il déplore l’idée « d’aplanir les concours » et de voir toutes les écoles d’art et de design convoquer les candidats aux mêmes dates, il souhaite rassurer les élèves. En effet, Erik Anspach confesse que l’école bénéficie « d’une dérogation de calendrier » : l’entrée sur concours sera maintenue entre mai et juin 2020 malgré la présence de l’ENSCI – Les Ateliers sur les listes de Parcoursup. En somme « rien n’est définitif » quant au lissage affirme le directeur des études.

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Une réflexion sur l’identité de l’école

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L’identité de l’ENSCI – Les Ateliers se dessine au-delà du concours d’entrée. C’est autant ses étudiants que ses membres du personnel ou ses diplômés. Dans le cadre de cette mobilisation, ou plus régulièrement dans l’année, tous se retrouvent afin de discuter de ce que sont Les Ateliers, ce qu’ils apportent et ce vers quoi ils amènent.
Au cours du mois de novembre, Aurélien Fouillet, qui enseigne la philosophie du design, animait une discussion autour du rôle du design dans la société. Hier, Antoine Camus, diplômé en 2019, invitait à la réflexion sur l’identité de l’ENSCI – Les Ateliers. De plus, fort de son expérience de militant au sein du mouvement social écologiste Extinction Rebellion, il présentait des points-clés de médiation afin de faciliter l’agora dans ce contexte de mobilisation. Fréquemment, d’anciens élèves de l’école sont conviés à faire part de leur « après-ENSCI », à l’image de Frédéric Lecourt, cofondateur du studio Sismo Design. Diplômé en 1997, il a récemment pris part aux « Petits-Déjeuners de Margot ». Cette initiative de Margot Casimir, coordinatrice « Atelier de projets » à l’ENSCI – Les Ateliers, invite les anciens élèves à faire part de leur parcours personnel et des bénéfices d’une formation rue de Saint-Sabin (75012).

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La centaine de pièces tirées de ces caisses en inox qui ont sillonné l’Ile-de-France pendant 50 ans est réunie à Ground Control (75012) jusqu’au 1er décembre prochain. Le lendemain, elle sera mise aux enchères, au profit de l’association des Restos du cœur. Comme Airbus en avril dernier, Transilien SNCF mise sur l’upcycling pour donner une seconde vie à ces pièces de l’iconique train aux banquettes en skaï orange.

Lier vintage et design

Transilien SNCF et les studios partenaires ont une volonté commune de transformer certaines pièces des « Petits Gris » en objets du quotidien. Tandis que certains se sont concentrés sur les pièces iconiques, comme Rémi Perret qui repense l’utilisation des banquettes, d’autres, à l’image du Studio BrichetZiegler, ont souhaité révéler les pièces invisibles telles que les phares du train tôlé.

Le duo Formel effectue un travail historique autour de ces pièces et décortique les charnières des strapontins des « Petits Gris ». Les deux designers Timothée Concaret et Nicolas Mérigout adoptent une approche rationnelle quant à la création de leur objet et proposent ainsi des tablettes murales rabattables qui usent de ces charnières encore fonctionnelles.

Une 2e vente au profit des Restos du Cœur

Après 2012, Transilien SNCF organise sa 2e vente aux enchères solidaire, dont l’intégralité des profits sera reversée aux Restos du Cœur. Une démarche qui résonne chez les 5 studios partenaires puisqu’ils présentent des objets non seulement esthétiques,  mais aussi utilisables.
Les 125 pièces des « Petits Gris » sont exposées jusqu’au 1er décembre 2019. La vente aux enchères se tiendra le 2 décembre prochain à 18h30 et simultanément à Ground Control (75012).

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Un processus de nomination opaque

Le feuilleton prend racine au mois de février 2019. Yann Fabès, alors directeur de l’ENSCI – Les Ateliers, présente sa démission au motif d’un « désaccord avec le ministère de la culture sur [son] statut administratif ». En poste depuis 2016, il est temporairement remplacé par la secrétaire générale de l’école Anne Nouguier, le temps que la procédure de recrutement se concrétise.
Une décision qui ne manque pas de surprendre et qui fait naître des inquiétudes dans les rangs des élèves. Dans un communiqué du 19 février, ils pointent du doigt les raisons de cette démission qui marque « un dysfonctionnement dans le dialogue entre la direction de l’école et ses tutelles » et « un manque de volonté de la part [des] tutelles d’assurer la pérennité du projet pédagogique porté par l’école ».

Le processus de recrutement du nouveau directeur de l’ENSCI – Les Ateliers est lancé au cours du mois de mars. Trois profils sont alors retenus : Jeanne Gailhoustet, directrice de l’ENSA Limoges, Emmanuel Mahé, directeur de la Recherche à l’EnsAD et Rémy Fenzy, directeur de l’ENSP d’Arles.
À titre consultatif, le conseil d’administration de l’ENSCI-Les Ateliers, composée d’élèves et de membres du personnel, de représentants des ministères de tutelles et de professionnels du design, soutient les candidatures des 2 premiers et émet des réserves quant à celle de Rémy Fenzy. Au vote, il totalise 4 voix « pour » qui ne sont autres que celles des représentants des ministères et d’un professionnel.
Malgré ce résultat, les ministères de l’Industrie et de la Culture entérine sa nomination au poste de directeur de l’ENSCI – Les Ateliers le 13 novembre.

Bien que l’avis du CA de l’école de la rue Saint-Sabin (Paris 11e) ne soit que consultatif, la nomination de Rémy Fenzy démontre une « une certaine opacité dans le processus de consultation » estime Émile, élève de 3e année à l’ENSCI – Les Ateliers.

Un candidat au projet peu convaincant

Début juillet, les entretiens par visioconférence avec les 3 candidats aboutissent à la découverte du projet pédagogique de Rémy Fenzy. Une candidature pauvre qui reflète « une mauvaise connaissance de l’école » selon les élèves.
Dans la journée du 20 novembre, le désormais ex-directeur a de nouveau présenté son projet. Alors que les élèves et les membres du personnel présents s’attendent à un projet enrichi comparativement aux précédents, ils constatent que rien n’a changé. “La forme convient mais le fond ne présente rien de convaincant” résume Émile, membre du bureau des élèves-élus. Il est reproché à Rémy Fenzy de s’appuyer sur un projet universitaire miroir de celui qui existe aujourd’hui. En proposant par exemple une année de césure déjà existante, ou des doubles cursus actuellement offerts, l’ex-directeur marque son manque d’ambition pour amener l’école dans une autre dimension et surtout sa méconnaissance de l’entité ENSCI – Les Ateliers.
À cela s’ajoute les polémiques qui le suivent depuis sa nomination au poste de directeur de l’ENSP d’Arles. Il a été reconduit en 2016 contre l’avis d’une majorité du personnel et des étudiants. Il lui est notamment reproché son attitude autoritaire envers les membres du personnel, ainsi que son manque d’investissement pour le futur de l’école. En juillet dernier, il a organisé une fausse inauguration des nouveau locaux de l’ENSP comme en témoigne les élèves du l’école arlésienne dans un communiqué : « Nous sommes toujours dans notre ancienne école, le matériel emballé dans des cartons, privés des ateliers qui font notre dynamisme ».

Une crise qui dure

Face à l’inaction des ministères de tutelles, les élèves passent à la vitesse supérieure. Le 24 septembre, les étudiants de l’école parisienne manifestent devant le siège de direction générale de la création artistique (DGCA), qui soutient la nomination arbitraire de Rémy Fenzy au poste de directeur de l’ENSCI – Les Ateliers. À la fin du mois d’octobre, une assemblée générale étudiante décide la mobilisation pour le mois suivant. Cette mobilisation prend la forme d’actions symboliques. Le premier week-end du mois de novembre, un mur de parpaings est construit dans la cour de l’école parisienne et le bureau du futur directeur est condamné à l’aide de planches.
La semaine du 4 novembre est marquée par une succession d’agora, d’ateliers et de conférences qui ont pour but d’affirmer le positionnement collectif des acteurs de la mobilisation. Patrick Bouchain, co-fondateur de l’ENSCI – Les Ateliers, discute des fondements de son école. Aurélien Fouillet y évoque le design et la politique. La mobilisation prend une tout autre tournure lorsque, le 13 novembre, la nomination de Rémy Fenzy est entérinée. Le blocage de l’école est voté, à l’unanimité, par les élèves et les membres du personnel présents, pour la semaine suivante. Et ce, jusqu’à ce qu’une réelle alternative soit proposée par les ministères de Bercy et de la rue de Valois.

Le mouvement de contestation est caractérisé par une solidarité entre les élèves et les membres du personnel de l’ENSCI – Les Ateliers, qui s’opposent à l’unisson à la nomination de Rémy Fenzy. À l’’instar du designer français Stéphane Villard qui enseigne rue de Saint-Sabin et affirme sa « solidarité au mouvement étudiant car leurs revendications sont très légitimes, et qu’entre autres éléments, la nomination de Mr Fenzy s’est faite en opposition avec les recommandations du CA et des membres du personnel qui ont pourtant été consultés pour avis ».
Un soutien qui dépasse les murs de l’école parisienne, puisque les élèves et les membres du personnel  de l’ENSP d’Arles expriment officiellement leur soutien à travers un communiqué, le 15 novembre. Tout comme l’Alliance France Design (AFD) qui déplore que « la voix des professionnels du design, des enseignants et des étudiants [n’ait] pas été entendue à sa juste valeur ».

Replacer l’école au coeur du projet

Ce cri d’inquiétude des élèves et du personnel de l’ENSCI – Les Ateliers traduit un mal plus profond, à savoir la tendance de l’administration publique à formater les écoles nationales de création. Le lissage des spécificités de chacune mène, à terme, à proposer les mêmes programmes que les écoles traditionnelles d’art. Ainsi, Émile déplore « l’entrée de l’ENSCI sur Parcoursup » et donc la disparition d’une partie de son concours d’entrée, qui fait l’identité et le rayonnement de son école.

L’école parisienne, qui a formé des designers de renom comme Matali Crasset, Constance Guisset ou Mathieu Lehanneur, est classée au second rang des écoles et universités d’Europe et d’Amérique dans le Red Dot Design Ranking 2016. Elle « est censée être le fleuron des écoles de design en France » avance Émile. À cette fin, élèves et personnel doivent construire un projet qui replace la création industrielle au premier plan. Un projet qui bénéficiera d’une qualité d’enseignement qui a fait la réputation de l’ENSCI – Les Ateliers, et que l’AFD explique « en partie [par] les rapports équilibrés et bienveillants construits entre la direction, les personnes enseignants et les étudiants ».
Pour le moment, le blocage est le mot d’ordre. Si bien que l’exposition « Terre et verre », qui devait débuter aujourd’hui, est reportée à une date ultérieure, encore inconnue. Issue de deux workshops encadrés, l’exposition sur les arts du feu et de la terre devait exprimer la rencontre entre de jeunes élèves designers de l’ENSCI – Les Ateliers et des artisans d’exception.

Placer l’humain au coeur du processus de designnu

Depuis 1957, la WDO, anciennement International Council of Societies of Industrial Design (Icsid), promeut le design industriel comme vecteur de croissance économique, sociale, culturelle et environnementale. Composée à l’origine de 12 associations, la WDO, dont le siège se trouve à Montréal (Canada), regroupe aujourd’hui 140 organisations réparties dans 40 pays qui ont une vision commune : placer l’humain au centre du design.
Parmi les outils de promotion du design industriel, la WDO dispose du programme World Design Capital (WDC). Tous les 2 ans, l’organisation internationale récompense les villes pour leur utilisation du design dans une démarche de développement économique, social, culturel et environnemental. La ville française de Lille a été désignée capitale mondiale du design pour 2020. Pendant 1 an, la ville du Nord mettra en avant les politiques urbaines et les innovations durables qui améliorent la qualité de vie.

Intégrer le design dans les usages de demain

Toute sa carrière, Anne Asensio s’est ingéniée à aller là où on ne l’attendait pas, avec toujours un coup d’avance : chez Renault, elle participe à l’invention de la voiture à vivre ; recrutée par General Motors, elle crée un brand center et redonne du sens aux marques en travaillant les leviers émotionnels du rétro-design. Vice-présidente Design Experience de Dassault Systèmes, elle accompagne la transformation technologique et numérique des industriels en les plaçant au coeur des usages et des besoins de demain, dans une démarche de design thinking empathique et systémique. Aujourd’hui, avec la même énergie communicative, elle définit des expériences comme elle dessinait hier des objets. Son parcours fait partie de ceux que l’on cite volontiers en exemple, avec ce penchant bien français de souligner l’exception qui vient confirmer la règle : après les Beaux-Arts, puis l’Ensaama, elle intègre dans les années 1980 le groupe Renault et réussit, en 1997, à être nommée Femme de l’année de l’industrie automobile. En 2000, General Motors vient chercher l’experte pour prendre la tête du département design et redynamiser ses marques. Et c’est la visionnaire que Dassault Systèmes recrute en 2008 pour conforter le design au coeur d’enjeux stratégiques. Rencontre avec une femme d’expériences.

Qu’est-ce qui a motivé ce virage du design industriel au design d’expérience ?

A. A. : C’est un vrai choix, lié à une rencontre. J’étais designer automobile, j’ai dessiné des voitures pourdifférentes marques dans divers pays. Avec le recul, je trouve que c’était un travail fin, magnifique, focalisé sur la forme extérieure, l’expérience intérieure, les couleurs, les matières : l’objectif était d’offrir quelque chose de beau dans lequel on allait avoir du plaisir. Puis les années 2000 ont vu l’arrivée du numérique de manière exponentielle, il y a eu la bulle et, surtout, une accessibilité et une démultiplication qui ont, pour certains, transformé leur vision du monde, et j’en faisais partie…

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