Au cœur de Brera se tient un défilé pas comme les autres. Initié par le French Living in Motion, l’événement regroupe, jusqu’au 26 avril, 53 créations françaises, dont 38 pièces de mobilier. Parmi elles, 28 marques se mobilisent pour défendre un ensemble ancré dans les enjeux contemporains de durabilité. « Derrière l'appellation French Living, il faut bien comprendre que c’est une alliance entre l’ameublement français qui regroupe plusieurs marques pour les accompagner dans la mutation de la société, et le french design qui a pour vocation d’impulser l’innovation dans le secteur du meuble par le prisme du design. En d’autres termes, cette union, initiée en 2024, a pour vocation de faire rayonner le meuble français durablement. Et c’est tout le sens d’« In Motion » qui incarne cet esprit de dynamisme », explique Catherine Vereecke, directrice de la communication et des marchés pour l’Ameublement français.

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Le collectif a ainsi puisé dans un large éventail de PME et d’ETI, actives aussi bien dans l’hôtellerie que dans le résidentiel. La sélection se déploie en deux espaces. Pensé comme un premier aperçu de la création design, le French Design présente 15 pièces de mobilier, indoor et outdoor, signées notamment par Andrée Putman, Elliott Barnes ou OUD Architecture, et éditées par des fabricants français tels qu’Airborne, Atelier Sumbiosis, Maison Pouenat ou Siegeair. Cette sélection est complétée par une seconde, mettant en lumière 13 maisons françaises, patrimoniales ou contemporaines, chacune présentant trois pièces emblématiques de son identité. Une manière, pour des maisons comme Franck Genser, Mercœur Édition ou Sokoa, d’exposer l’étendue de leurs savoir-faire et la créativité qui les caractérise. Selon Catherine Vereecke, « au-delà de la dimension patrimoniale, cette sélection a surtout été pensée pour envisager le mobilier comme une création en mouvement, en lien avec le corps, le geste et le temps ».

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Une scénographie à la mode

Véritable fil conducteur de l’événement, la durabilité des pièces, tout autant que celle des entreprises et de leurs process, a incité les initiateurs de ce projet à faire de nouveau appel à l'agence JAKOB+MACFARLANE. Après avoir déjà collaboré à de nombreuses reprises avec le French Design, l’agence réinterprète cette fois-ci les codes de la mode. Reprenant l’idée d’un podium réalisé en bouleau et jouant avec la lumière, le duo s’est aussi et surtout penché sur la notion fondamentale du collectif : le mouvement. « L’idée qui nous a guidé pour cette scénographie était la volonté d’interroger le design. Comment les gens le perçoivent-ils, qu’en retiennent-ils, qu’en attendent-ils dans un monde complexe de polycrise ? Mais l’enjeu était également celui de l’évolution. » Considérant que le mobilier est bien plus que fonctionnel et qu’il influe également sur le lieu, les designers ont imaginé mettre en scène le pouvoir des meubles sur l’espace et sur l’homme. Le visiteur est ainsi invité à cheminer le long du podium, qui traverse l’espace de la cour extérieure vers l’intérieur. « Ici, rien n’est cloisonné. L’idée est de vivre le lieu au gré des éléments, en laissant libre cours à l’expression des savoir-faire. » Une manière de faire dialoguer les pièces et les savoir-faire, dont certains n’ont pas évolué depuis le XVIIIe siècle, mais qui se retrouvent aujourd’hui plus que jamais sous les projecteurs, à une époque où le sourcing local importe tout autant, sinon plus, que le geste traditionnel.

Il est souvent plus facile d’engager une discussion lorsque tout le monde parle la même langue. Et quand ce n’est pas le cas, reste à trouver un dialecte commun. Pour l'exposition Dialogues, la Carpenters Workshop Gallery située au 54 Rue de la Verrerie, dans le quatrième arrondissement de Paris, a choisi de réunir un corpus d'œuvres hétéroclites, mais toutes (ou presque) très contemporaines. Une articulation autour de laquelle se retrouvent une douzaine de designers et d’artistes dont les frères Campana, Nacho Carbonell, Rick Owens Furniture ou encore Wendell Castle. Des personnalités différentes dont les univers parviennent néanmoins à communiquer grâce à une scénographie valorisant les correspondances, notamment chromatiques, au gré des trois niveaux de la galerie. De quoi laisser entrevoir, à défaut de techniques communes, l'omniprésence de savoir-faire particuliers.

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Une discussion hors du temps

Au rez-de-chaussée de l’exposition, c’est une autre forme de dialogue que la galerie a souhaité instaurer. Plus abouti que les autres, celui-ci ne conjugue plus les esthétiques, mais les fusionne, et ce, par-delà les époques. Ainsi, Ingrid Donat, spécialiste du bronze, ouvre un dialogue avec les pièces de Pierre Jeanneret. Parmi elles, deux Committee chairs et un Lounge Set ont pour l’occasion été retapissés par l’artiste contemporaine. Outre la nouvelle expression stylistique donnée par la toile de jute, elle propose une lecture plus contemporaine de l’objet tout en conservant, de par le choix de ce textile connoté industriel, l’âme de ce mobilier dessiné au milieu du siècle dernier. À cela s’ajoute également un bureau revetu en cuir et décoré des motifs signatures de l’artiste. Un langage pictural et ornemental que l’on retrouve sur de grandes compositions tapissant les murs de la galerie. Une manière de démontrer que l’art contemporain peut encore faire évoluer ces icônes modernistes déjà bien assises.

Du 21 au 26 avril 2026, le Salone del Mobile déploiera sur la capitale lombarde son lot de créations au cours d’une édition réunissant plus de 1 900 exposants dans les vastes allées du plus grand centre d’expositions d’Europe. Mais outre l'immensité de cette grand-messe, la 64e édition se distingue surtout par l’ouverture de nouveaux paradigmes. Dans un contexte géopolitique et économique changeant, l’événement revoit son positionnement d’événement global. Avec le lancement de Salone Contract pensé avec OMA, l’ouverture de Salone Raritas dédié au design de collection, ou encore l’expérience immersive Aurea, le Salone élargit son champ d’action et renforce son approche transdisciplinaire. À la croisée des enjeux économiques, culturels et expérientiels, le Salone s’impose comme un point de convergence entre industrie, création et nouveaux marchés. Une vision stratégique défendue par sa présidente, Maria Porro.

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Pour commencer, pourriez-vous nous expliquer le nouveau positionnement du Salone ?

Le Salone a été fondé il y a plus de soixante ans. Comparé au marché de l’époque, nous vivons aujourd’hui dans un contexte totalement différent, marqué par le choc du COVID et l’accélération des transformations alors déjà en cours. Parmi les grands changements, il y a le retail dans le mobilier. Autrefois, peu d’entreprises disposaient de showrooms monomarques alors qu’il s’agit aujourd’hui d’une tendance de plus en plus répandue. Plus généralement, la marque et sa communication deviennent centrales. En parallèle, le secteur du contract prend une importance croissante dans le développement des entreprises. Des zones géographiques qui n’étaient pas habituées aux projets résidentiels contract s’y mettent désormais. C’est un univers très important en termes de chiffre d’affaires et un domaine fortement international. Le Salone se transforme afin de rester une plateforme stable et fiable. Il devient de plus en plus une infrastructure économique mais aussi culturelle, et ces deux dimensions sont étroitement liées.

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Et du côté du design, comment évolue-t-il ? On observe une évolution importante entre le design industriel et le design de collection, notamment avec le Salone Raritas.

Oui, on constate une demande croissante pour des intérieurs sur mesure. À l’extrémité de cette demande se situe le collectible, avec une attention accrue aux techniques artisanales et à la redécouverte de savoir-faire anciens. Cela s’accompagne d’un intérêt pour la production dans des lieux éloignés des centres industriels. Et j’ajoute qu’on observe aussi un engouement global pour des pièces iconiques ou vintage. C’est la raison pour laquelle nous ouvrons le Salone Raritas. Et ce secteur n'est pas en marge du Salone mais il accompagne véritablement la production industrielle. Si l’on prend l’exemple d’un grand hôtel, la production industrielle répond à tous les besoins pratiques comme les chambres, les espaces communs… mais il existe toujours un ensemble de pièces spécifiques, conçues spécialement pour le lieu. Dans le contract, la forte collaboration entre production industrielle et production unique n’est pas nouvelle. Ce dialogue a toujours existé, comme chez Andrea Branzi ou William Morris, avec ce besoin de combiner industrie et artisanat.

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Parallèlement vous proposez aussi Aurea, une expérience immersive autour du luxe réalisée par Oscar Lucien Ono. Peut-on dire qu’avec le contract, le B2C et l’hospitality, le Salone devient une plateforme globale ?

Nous avons près de deux mille exposants, très divers en termes d’esthétique, de prix, de techniques et de matériaux. Mais notre public s’intéresse aussi à des expériences plus larges. Les entreprises construisent de fait des architectures et des environnements. Ce n’est pas une foire centrée sur le produit, mais sur le projet. Avec Aurea, comme avec Pierre-Yves Rochon l’an dernier, nous créons des expériences immersives où l’architecte mobilise l’ensemble des offres du Salone. Il y a une cohérence dans notre démarche, mais cela passe aussi par des prises de parole et du dialogue entre les différents acteurs. Les visiteurs peuvent découvrir des entreprises, vivre des expériences immersives, participer à des moments d’échange ou écouter un grand maître de l'architecture comme Rem Koolhaas. C’est une expérience complète pour les professionnels. Nous n’oublions pas non plus les étudiants avec le Satellite, essentiels car ils représentent les acteurs de demain.

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Justement, vous accueillez environ 700 jeunes designers de moins de 35 ans. Pensez-vous pouvoir encore révéler les prochains Patrick Jouin ou les frères Bouroullec, comme l’a fait le Satellite de Marva Griffin il y a des années ?

Oui, c’est très important. Il y a aussi le fait que ces jeunes designers sont en contact direct avec l’industrie, et cela est fondamental. C’est pourquoi, cette année, nous organiserons une journée où plusieurs entrepreneurs visiteront le Satellite, rencontreront les étudiants et les jeunes créatifs, et partageront leur expérience. Nous voulons encourager ces échanges en face-à-face. J’ai moi-même été jeune designer et envoyer des projets par email ne donne souvent aucune réponse. En revanche, présenter un prototype en personne crée un dialogue différent et capte l’attention des entrepreneurs. C’est essentiel pour nous.

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Aujourd’hui, la diversification du Salone est-elle également une manière de se réinventer face à d’autres foires comme Collectible à Bruxelles ou 3daysofdesign à Copenhague ?

Ce n’est pas une stratégie de concurrence. Les entreprises combinent déjà production industrielle, retail, contract et parfois pièces expérimentales. Cette diversité correspond à une évolution naturelle du marché. Les foires de design de collection s’adressent surtout aux collectionneurs, tandis que le Salone offre aux galeries un public différent comme des développeurs, des chaînes hôtelières, des distributeurs... Nous agissons comme un accélérateur. De même, les événements dédiés au contract sont souvent très techniques. Notre objectif est de proposer un événement centré sur le projet et les relations, avec une réflexion sur la manière d’habiter. Dans le monde actuel, il n’y a pas de place pour deux événements identiques. Nous cherchons donc à proposer une approche différente, sans chevauchement avec ce qui existe déjà.

Figure devenue incontournable dans le monde du design textile, Giulio Ridolfo collabore depuis 2007 avec Kvadrat. Issu du monde de la mode, celui qui habille aujourd’hui les meubles est à l’origine de plusieurs best-seller de la marque danoise parmi lesquels Canvas 2, Remix, Steelcut ou encore Zulu. Avec une approche basée sur la couleur mais très liée à la dimension technique du fil, le designer développe un langage coloré, vivant et résolument contemporain dans lequel l’innovation occupe une place centrale. Son processus créatif est souvent décrit à mi-chemin entre l’intuition, l’anthropologie et une forme de botanique autodidacte. Et c’est justement guidé par des inspirations florales qu’il s’est intéressé à une archive de Frans Dijkmeijer repensée et déclinée en 21 coloris. Un travail technique et stylistique dont nous parle Giulio Ridolfo à l’occasion de l’exposition “In Rainbows”. Et pour découvrir la collection mise en scène par l’architecte Lorenzo Bini, rendez-vous au showroom Kvadrat de Milan, Corso Monforte 15.

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À l’occasion de la Design Week de Milan, Kvadrat présente l’exposition “In Rainbows” où l’on pourra découvrir la collection Twisted Flowers. De quoi s’agit-il ?

Twisted Flowers est une histoire de composition entre mon travail et celui de Frans Dijkmeijer. Cette collection est une reprise d’un tissage du designer - disparu en 2011 - que nous avons repensé avec une véritable attention à l’aspect tactile et visuel. Comme souvent, et c’était une passion commune avec Frans, j’ai travaillé la couleur en m’inspirant des fleurs. Nous avons collaboré avec une entreprise pour sélectionner des plantes de saison, pas exotiques, mais liées à notre environnement. On retrouve par exemple le rouge de la Fritillaria imperialis, le bleu du Ceanothus thyrsiflorus et le jaune du Gossypium qui composent presque un bouquet. J’ai cherché à traduire en couleurs l’expérience même de cueillir des fleurs, en les observant attentivement et en m’immergeant dans des peintures florales comme Le Rêve d’Odilon Redon que j’ai vu à Berne il y a des années. J'ai été frappé par un sentiment de suspension. Ce n’était pas vraiment onirique, mais suspendu, avec des couleurs indéfinies et une figure méditative. Bien sûr, ce que nous avons fait n’est pas une traduction littérale, le bleu n’est pas simplement bleu, et le rouge n’est pas rouge. Ce n’est pas comme utiliser un nuancier Pantone, ce que je n’aime pas du tout. Mais nous avons sélectionné des couleurs capables de créer une sorte d’interférence, une belle vibration, une pixellisation de la peau de l’objet.

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Et vous présentez cela dans une mise en scène particulière…

Absolument. La partie showroom est habituellement plutôt celle des commerciaux, mais pas ici. Au début, j’avais pensé faire appel à un fleuriste mais j’ai finalement préféré travailler avec le bâti grâce à l’architecte milanais Lorenzo Bini. L’idée était d’envahir la structure, la transformer avec un effet plus fantaisiste, un peu magique. Je ne voulais pas d’un espace propre et minimal, mais créer un passage agréable où l’on peut rester et apprécier la qualité des couleurs. Dans cette cabane, il y a aussi du mobilier, que ce soient des standards comme le design danois ou italien contemporain, mais aussi des grands noms comme Carlo Scarpa, Cecilie Manz, Finn Juhl ou Jean Nouvel. Et puis comme je suis très attiré par la musique, j’ai collaboré avec un programmateur musical à Milan. Nous avons prévu quatre performances avec une approche basée sur la vibration, l’intuition, et le phasing qui est une technique utilisée par Steve Reich. En fait, cette installation tient presque du manifeste.

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Précédemment vous évoquiez le travail de Frans Dijkmeijer à qui Kvadrat consacre une exposition biographique à la Triennale. Quelle relation entreteniez-vous avec lui ?

La relation avec Frans a commencé par un grand respect mutuel. Il pensait en noir et blanc pour révéler les défauts et la beauté de la construction, tandis que je travaillais librement la couleur. Ça a été le point de départ de notre relation. À l’origine, je viens de l’industrie de la mode où j’ai été habitué à manipuler des textiles pour des robes, et puis depuis une quinzaine d’années je travaille pour des pièces de mobilier. Je suis devenu coloriste progressivement, avec une longue pratique dans la sélection des teintes, des textiles et des matérialités pour des entreprises du secteur du meuble. D’une certaine manière, mon occupation première était d’aider le projet à être vu, du prototype jusqu’à la solution industrielle, et c’est ce que j’ai fait avec Vitra ou Moroso avec qui j’ai commencé. Lorsqu’on m’a proposé de travailler avec la marque, je connaissais le design textile mais je ne voulais pas devenir designer textile. En revanche, je voulais bien intervenir sur la couleur, à condition d’instaurer un dialogue avec le créateur, et il se trouve que intervenir sur la couleur, à condition d’instaurer un dialogue avec le créateur, et il se trouve que c’était Frans Dijkmeijer. L’un de mes premiers exercices à ses côtés a été de réaliser une coloration sur un tissu avec un grain très marqué, un pinpoint ce qui ressemble à des grains de riz. C’est comme ça qu’est né Steelcut dont le nom vient de « Cut Steel » qui était est une technique de l’époque victorienne, où l’on découpait le fer en forme de diamant pour rappeler l’éclat des pierres précieuses. Ça a été un projet fondateur qui a défini ma position.

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Vous êtes coloriste mais votre regard sur le textile est aussi empreint de technicité notamment avec le tissage à trois fils ?

L’idée que je travaille avec trois fils est devenue célèbre, mais en réalité je peux travailler avec cinq, six ou un seul. Tout dépend de la situation. Je suis très attiré par la gouache des artistes du XXe siècle, comme Paul Klee, ou par une certaine musicalité, comme chez Sibelius. Pour moi, la complexité d’une construction donne une qualité supplémentaire à la couleur. Il m’est arrivé de voir Frans utiliser un fil blanc avec deux noirs pour révéler les erreurs éventuelles dans le tissage et comprendre l’élément perturbateur. C’était une manière artisanale d’enrichir ses créations. Mais en parallèle, travailler avec Kvadrat m’a appris une grande rigueur. Leurs textiles doivent durer, être reproductibles, et l’approche en est presque scientifique. On ne peut pas avoir de variations incontrôlées. Dans ce contexte, l’idée de travailler avec trois couleurs est née comme une intuition. Je voulais comprendre quelle vibration pouvait apparaître en ajoutant un troisième fil. Quand on a mis au point Steelcut Trio, les résultats étaient étonnants car il y avait un effet changeant, comme dans la soie ou le taffetas, mais avec une différence essentielle. Là où le taffetas a deux faces, ici, il y en a trois. Ça crée une profondeur, une relation d’ombre et de lumière, une sorte de perspective. Cette recherche, nous l’avons poursuivie en nous inspirant de textiles différents, jusqu’à créer un fil composé de trois couleurs distinctes. Chaque fil devenait lui-même un mélange complexe. Deux fils ainsi construits donnent une impression d’infini où la couleur n’est jamais fixe. C’est le savoir-faire technique qui a donné Remix, et que nous continuons de développer aujourd’hui.

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La vibration des couleurs, la notion d’instabilité, de mouvement… il y a un côté vivant qui ramènerait presque à la mode, non ?

Le mouvement est inhérent à la mode car les textiles sont sur des corps et ils bougent. On a une sorte de troisième dimension qu’il faut prendre en compte. Quand je travaille avec un textile pour le mobilier, c’est davantage sculptural. On peut tourner autour. Et puis le mobilier a la particularité de pouvoir se doter d'accessoires ou d’ajouts qui peuvent modifier les impressions et les ressentis. Le tissu en fait partie. Avec certaines fibres comme celles de Kvadrat, la structure doit être robuste, mais l’étoffe peut donner une autre impression, de légèreté par exemple. Ça c’est propre au mobilier.

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De ce point de vue là, considérez-vous le textile comme une sorte de filtre ?

Si vous faites référence à la sémiologie comme Roland Barthes, c’est un filtre. Mais en réalité, ça n’en est pas un. Le tissu est la première chose que vous touchez, c'est la peau d’un objet. Et en ça, c'est très sensuel, puisque quand vous voyez un meuble, vous le touchez d’abord, puis vous dites « quel beau canapé », « quel bel objet »… C’est, disons, en synchronie avec la forme de l’objet. Le filtre intervient quand vous filtrez l’information, quand vous commencez à considérer si c’est le bon textile, le bon canapé pour un usage donné ou la bonne couleur… enfin il me semble. Mais je suis coloriste et être coloriste signifie que l’on commence par le fil, et non par la coloration finale.