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Après avoir lancé avec succès l’Atelier Jespers, le galeriste Jean-François Declercq propose un lieu inédit la Bocca della Verità entre design et architecture.
Bruxelles offre sans cesse des découvertes à qui sait flâner, révélant ainsi l’histoire de son architecture singulière, de l’art nouveau et du modernisme. La capitale belge est le territoire de prédilection de Jean-François Declercq, à l’affut de nouveaux bâtiments empreints d’histoire à réhabiliter. Sa récente galerie La Bocca della Verità présente les œuvres de jeunes pousses du design dans le contexte particulier de bâtis historiques préservés. Derrière la Maison van Dijck classée, de Gustave Strauven, construite en 1900, se cache un bâtiment postmoderne, de 1989, édifiée par le jeune architecte Michel Poulain. Avec sa géométrie aux faux airs d’Ettore Sottsass, la façade de la Bocca della Verità s’inscrit dans une cour coiffée d’une lumineuse verrière. Dans une dynamique et une mouvance propres au travail de Jean-François Declercq, la galerie a pour ambition de soutenir les talents de la jeune création du design, avec trois expositions par an.
Le rez-de-chaussée et l’étage sont consacrés aux expositions collectives et individuelles. Le premier étage accueille la salle de projet du collectif Stand Van Zaken, qui invite un commissaire différent à chaque exposition et trois designers, artistes ou architectes. Le principe repose sur un concept de travail collectif visant à explorer des formes d’expressions émergentes, une référence au procédé initié par le « Cadavre exquis » des Surréalistes. Pour sa première édition, le collectif a choisi le jeune couple d’artiste et designer, Chloé Arrouy et Arnaud Eubelen, qui ont cogité ensemble autour de leurs univers personnels, composés d’assemblage de matériaux pour l’un et de reproduction d’objets pour l’autre.
L’exposition inaugurale montre également le travail de deux créateurs, plus confirmés. Le français, Thibault Huguet designer industriel de formation, explore les connexions entre les divers matériaux, et applique ses recherches à du mobilier épuré entre artisanat et technologie, comme la console en aluminium Plane, d’une simplicité déconcertante. Hélène del Marmol, quant à elle, est belge, expérimente la cire végétale, sous forme de grosses bougies totémiques, conçues dans une rigueur géométrique évoquant l’aspect subversif d’Ettore Sottsass et la poétique Constantin Brancusi. Pour un dialogue émotionnel avec les objets.
La Bocca della Verità, Boulevard Clovis 85 Clovislaan 1000 Brussels
Visite des expositions du 17.09.2021 au 17.12.2021
Table de l’architecte Theo de Meyer, du collectif Stand Van Zaken
L’histoire de l’art retient d’Ettore Sottsass son anticonformisme et sa contribution majeur au mouvement Memphis. Artiste designer protéiforme, il était aussi poète, voire gourou. Depuis le 13 octobre le Centre Pompidou dévoile une autre facette de cet humaniste génial à travers « Ettore Sottsass, l’objet magique ».
53,3 x 17 x 18,5 cm
© Adagp, Paris 2021
Si l’exposition retrace les quarante premières années de la carrière d’Ettore Sottsass, elle a surtout vocation à présenter son œuvre sous un nouveau jour. De Memphis on ne retiendra ainsi que la dernière salle, comme une ode aux possibilités novatrices et déconcertantes offertes par la collaboration avec Abet Laminati.
Meuble avec éclairage, placage en laminé Print d’Abet Laminati. Structure en multiplis.
© Adagp, Paris 2021 © Centre Pompidou, MNAM-CCI/Service de la documentation photographique du MNAM/Dist. RMN-GP
Au gré du parcours, on retrouve un Sottsass enchanteur explorant tous les champs de la création avec une infinie liberté. Depuis ses débuts, on perçoit sa force créatrice qui s’assouvit dans autant de médiums – qu’il s’agisse du dessin, de la peinture, de la sculpture. Affranchit, il conçoit rapidement l’objet dans sa dimension symbolique faisant fi de sa fonctionnalité. Il dote ses créations d’énergies, composant une cosmogonie de formes, matières et couleurs comme autant d’éléments mystiques qui trouveront à s’incarner dans sa pratique de la céramique. Totémiques, les pièces monumentales présentées par Pontus Hulten en 1969 au Nationalmuseum de Stockholm sont une expérience spatiale à part entière comme autant de « montagnes impossibles à faire, à monter ou à déplacer » raconte Marie-Ange Brayer, empruntant les mots de Sottsass.
La culture anthropologique du designer transalpin est aussi largement mise à l’honneur. On le découvre à travers ses images filmées en Inde ou grâce à sa pratique compulsive de la photographie. Architectures vernaculaires, rites, sociétés de consommation, de l’Inde aux États Unis en passant par l’Égypte, rien n’échappe à son œil. En tout, ce sont près de 100 000 clichés, donnés à la Bibliothèque Kandinsky par Barbara Radice en 2013, qui composent ce paysage intime et délicieux offert à la vue du visiteur. Que dire de la nomenclature composée par Sottsass lui-même, si ce n’est qu’elle raisonne comme un doux poème et laisse entrevoir sa pratique quasi-ritualisée de l’archivage.
De l’exposition « Ettore Sottsass, l’objet magique », on ressort donc nécessairement envoûté par sa vision quasi-métaphysique des êtres et du monde, autant que des objets et des formes.
« Ettore Sottsass, l’objet magique », Paris, Centre Georges Pompidou, 13 octobre 2021-3 janvier 2022, Commissaire : Marie-Ange Brayer.
Etagère de rangement avec casiers et tiroirs encastrés.
Bois laqué et laiton, 250 x 200 x 50 cm.
Don de la Société des Amis du Musée national d'art moderne, 2010 .
© Adagp, Paris 2021 © Centre Pompidou, MNAM-CCI/Philippe Migeat/Dist. RMN-GP
Armoire Bois, plastique peint, maquette d’armoire conçue pour Poltronova (Italie).
Don du designer, 1999.
© Adagp, Paris 2021
© Centre Pompidou, MNAM-CCI/Jean-Claude Planchet/Dist. RMN-GP
Strutture tremano, 1979 .
Haut guéridon à plateau en verre carré supporté par 4 colonnettes torses en métal laqué rose, bleu, vert et jaune, reposant sur une base parallélépipédique plaqué de mélaminé blanc Verre, acier laqué, stratifié
119 x 60,2 x 60,2 cm / Plateau : 60,2 x 60,2 x 0.5 cm
Fabricant : Bitossi & Figli, Italie, commande d'Irving Richards
Assiette plate Céramique, hauteur : 0,5 cm diamètre : 31 cm
© Adagp, Paris 2021 © Centre Pompidou, MNAM-CCI/Jacques Faujour/Dist. RMN-GP
Photographie n°13, épreuve gélatino-argentique, 42 x 32 cm © Adagp, Paris 2021.
© Adagp, Paris 2021
Photography Erik and Petra Hesmerg/Courtesy The Gallery Mourmans
À chaque édition de « Genius Loci », c’est une expérience unique du lieu et du design que propose Marion Vignal, la curatrice de l’exposition à l’Ange Volant, à Garches. L’occasion de découvrir une vingtaine d’œuvres singulières dans l’unique maison en France imaginée par le génial architecte Gio Ponti.
Parmi les pavillons de cette banlieue paisible à l’ouest de Paris se niche un joyau de l’architecture, une maison signée de l’architecte italien de Gio Ponti. Construite en 1927, pour Tony Bouilhet, le propriétaire de la maison d’orfèvrerie et d’arts de la table Christofle, la villa l’Ange Volant, nous livre une lecture tout à fait personnelle de l’architecture. À première vue, une maison à échelle humaine, aux proportions justes et équilibrées de la façade, inspirée de l’architecture italienne palladienne et de ses jardins. Puis l’intérieur révèle le séjour à double hauteur d’une modernité stupéfiante qui est aussi un décor magistral, où le regard se perd un peu, tant il y a de beautés à voir. Si l’on s’arrête sur les courbes élégantes des fauteuils, les détails du plafond, le raffinement des teintes ou bien les poignées de porte, on constate que l’œuvre architecturale est totale ! Gio Ponti savait tout dessiner avec légèreté et théâtralité ! L’Ange Volant révèle aussi une ode à l’amour, puisque la villa a donné naissance au couple formé par Tony Bouilhet, le commanditaire du lieu, et par Carla Borletti, nièce de Gio Ponti, et ils s’y marièrent en 1928 un an après l’inauguration…
Genius Loci, l’esprit du lieu
Chaque édition de « Genius Loci « propose un programme dans un lieu privé, et offre à voir des œuvres d’artistes, de designers, d’architectes, dans une expérience immersive. « J’ai sélectionné les artistes intuitivement, afin qu’ils résonnent avec l’œuvre de Gio Ponti et, particulièrement, avec cette maison pour laquelle j’ai eu un coup de coeur », explique Marion Vignal, commissaire de l’exposition. On peut ainsi retrouver les sculptures de Nao Matsunaga dans le vestibule, le lampadaire de Michael Anastassiades, les tableaux miroirs de Maurizio Donzelli, ou encore la grande table en verre de la salle à manger de Studio KO, le banc en résine transparent de Studio Nucleo. On note ce choix judicieux du banc en pierre bleue de Hainaut, présenté sur la terrasse, des architectes belges Bas Smets et Éliane Le Roux, renvoyant à la passion de Ponti pour les ponts. La paire de fauteuils de trains de première classe en velours bleu du designer italien de1950 converse avec la table basse du salon en miroirs soudés et taillé comme un bloc de cristal, de l’artiste anglais Julian Mayor. L’une des commandes spéciales réalisées pour cet évènement.
À découvrir jusqu’au 24 octobre 2021, entrée libre sur réservation, toutes les informations sur www.geniusloci-experience.com
Le 2 octobre 2021 était inauguré à Dubaï, le Pavillon France, chargé de représenter le design, l’architecture et les savoir-faire français au cœur d’une Exposition Universelle de plus de 4 km2. Cette première exposition universelle à se construire dans la zone MEASA, (Moyen Orient, Afrique et Asie du Sud-Est) se tient sous le thème « Connecter les esprits, connecter le futur » aux Emirats Arabes Unis et le Vice-Président et Premier Ministre Sheikh Mohammed bin Rashid accueillait Jean-Yves Le Drian, Ministre des affaires étrangères et de l’Europe, pour visiter les espaces du pavillon français.
Sous une température « ressentie » de 48°, les délégations officielles se sont succédé pour se féliciter d’une construction en un temps record, de 180 pavillons qui devaient faire preuve comme à chaque fois de leur performance et diligence à construire, dont 13 ont eu recours au savoir-faire du groupe français Serge Ferrari pour couvrir leur structure. Le pavillon français, partenaire privilégié, avec une journée nationale offerte le premier jour de l’ouverture, déployait derrière un mur de 21 m de hauteur, avec 2500 m2 de tuiles solaires photovoltaïques en Alubon, 1160 m2 de jardins. Conçu par l’Atelier Perez Prado et Celnikier & Grabli Architectes, avec une mise en lumière de BOA Light Studio, et une structure , il hébergeait tous les savoir-faire français les plus pointus et les institutions les plus cotées : CNES, Engie, Orange, Alcatel Lucent, Schneider Electric, EDF, Kearney, Lacoste…
Expo universelle : des espaces meublés France au Pavillon français
Les espaces étaient meublés de fauteuils, canapés et causeuses de la collection « Hémicycle » de Philippe Nigro pour Ligne Roset et Le Mobilier national ; le salon Georges Sand déployait la collection « Elsa » des canapés Duvivier signée Guillaume Hinfray en association avec la Tannerie Remy Carriat pour les sangles couture. Dans les couloirs et en extérieur, les luminaires Sammode rythmaient l’espace. Lafuma Mobilier équipait la terrasse du Belvédère avec sa collection outdoor « Horizon » design Big-Game. Au rez-de-chaussée, la scénographie de la boutique et ses vitrines étaient assurée par le Studio 5.5 pour la RMNGP, et l’on pouvait y acheter indifféremment des T-shirt Lacoste, des posters géants à colorier OMY ou des Bijoux Brodés dessinés par Macon&Lesquoy réalisés à la main par des artisans spécialisés au Pakistan.
Erik Linquier, CEO de la COFREX, directeur du Pavillon France et Franck Riester, Ministre délégué auprès du ministre de l’Europe et des Affaires étrangères, chargé du Commerce extérieur et de l’attractivité ont arpenté des espaces virtuels à la gloire de l’industrie, du design et de l’artisanat d’art français pour assurer que la France était au cœur des grands enjeux contemporains.
Cinq expositions temporaires doivent se succéder pendant les six mois de l’Exposition universelle : « Notre-Dame de Paris, l’expérience » par Histovery et L’Oréal, « Art de vivre à la française et modernité, un rêve à partager » par le groupe Chalhoub, la « Chambre de chromosaturation » par Carlos Cruz-Diez, « Le Pavillon du Grand Paris Express » par la société du Grand Paris et Dominique Perrault, ou « Jean-Paul Gaultier de A à Z », concurrencées par « Planète Art, La culture pour tous » avec Art Explora, un bateau musée conçu par Axel de Beaufort et Frédéric Jousset qui naviguera de port en port pour apporter la culture à ceux qui en sont le plus éloignés.
Expositions en catamaran
Les projections en 3D des œuvres des musées seront une expérience sans nulle autre comparaison pour les enfants qui pourront embarquer sur ce bateau de 250 à 300 tonnes, un catamaran à deux coques en aluminium qui s’autorise une capacité de 200 personnes au port, dans l’esprit du Tara, le bateau de Jean-Louis Etienne ou le bateau en fibre de jute recyclée de Corentin de Chatelperron élaboré en 2016 en partenariat avec le designer Joran Briand.
Partout, dans tous les pavillons, les questions sur le futur restent toujours les mêmes : s’il y a de l’eau sur Mars, y-a-t-il aussi des vagues ? Et chacun de déployer ses techniques et ses savoir-faire pour broder sur le sujet en 3D ou en naturel et théoriser sur l’autosuffisance énergétique de chaque pavillon. Montable et démontable, le pavillon France sera déconstruit à la fin d’Expo 2020 et reconstruit à Toulouse sur le site du CNES à côté d’Ariane, la célèbre fusée française qui achemine régulièrement dans l’espace les satellites qui permettent les connexions les plus extraordinaires. Et Expo 2020 qui s’est tenue avec seulement une année de retard est visible jusqu’au 31 mars 2022 à Dubai, avant que la prochaine ne se tienne à Osaka en 2025 au Japon.
Depuis 2018, les équipes de Constance Guisset planchent sur la création d’un espace d’exposition dédié aux enfants à la Philharmonie. Ce lieu d’exploration du son et de la musique, qui a nécessité plus de 200 intervenants pour sa conception, vient d’être dévoilé.
La Philharmonie de Paris au logo si engageant, dessiné par l’agence BETC, vient d’ouvrir un espace réservé à l’éveil musical des enfants. Ce projet, en gestation depuis l’ouverture de la Philharmonie de Paris en 1995, a pour ambition de mettre « l’innovation technologique au service d’une éducation musicale d’un genre nouveau, affranchie d’une relation exclusive aux écrans » comme l’affirme Laurent Bayle, le Directeur général de la Philharmonie de Paris et Président de la Philharmonie des enfants.
Cette institution publique bénéficie d’une longue expérience en matière de pédagogie musicale et la place prépondérante du numérique à la Philharmonie était un atout supplémentaire pour initier un tel projet. Manquait l’espace dans ce gigantesque bâtiment signé Jean Nouvel. Thibaud de Camas, Directeur général adjoint, spécialiste dans l’offre des ateliers éducatifs, a eu la bonne idée de dégager un plateau de 1000m2 resté vacant pour imaginer un nouvel espace où les enfants de 4 à 10 ans pourraient s’initier seul à toutes les cultures musicales dans un univers poétique. Sous l’égide de Mathilde-Michel Lambert, l’actuelle directrice, les équipes se sont fédérées – artistes, musiciens, créateurs…- pour aboutir à un parcours d’une trentaine d’installations originales mises en espace par Constance Guisset. Ce projet ambitieux a pu voir le jour grâce au soutien du Ministère de la Culture, de Ville de Paris, de Région Ile de France, et de nombreux partenaires, parmi lesquels on reconnaîtra les revêtements de Tarkett.
La Philharmonie à hauteur d’enfants
L’aventure de la découverte des sons et de la musique est accessible à tous dans cet univers où chacun peut déambuler en capitalisant sur la sagacité et la capacité intuitive des enfants à s’approprier l’espace. Une mappemonde-cabane réalisée en collaboration avec l’artiste Brecht Evens permet de découvrir les expressions vocales du monde entier avec une localisation lumineuse au moment où les sons sont émis. Pierrick Sorin, BabX, Kaori Ito, Wladimir Anselme, Emmanuelle de Héricourt, Florent et Romain Bodart, Dom La Nena, Davide Sztanke… offrent chacun à leur manière un appel vers l’imaginaire. Sans aucun besoin de connaissance musicale préalable, tel que solfège ou rythmique, les enfants sont invités à « trouver leur place dans la beauté du monde ». La salle « Plein les oreilles » propose une appréhension organique du discours musical dans sa durée.
Ce processus créatif, lancé en 2018 suite à la victoire de l’équipe de Constance Guisset, a mis trois ans à se mettre en place. Un temps record quand on sait qu’il a fallu coordonner les efforts de 300 personnes pour aboutir à ce résultat exceptionnel où le choix du low-tech a été essentiel. L’installation Maestra, maestro ! qui aurait pu placer les enfants dans un jeu video a choisi de les installer eu sein d’un orchestre de son et de lumière. Ils s’y sentent chez eux.
Dès son ouverture, en 1999, la Galerie kreo présentait Marc Newson. Trois expositions personnelles ont suivi en 2000, 2002 et 2004, offrant au public français le meilleur de ses créations, jusqu’à l’iconique Carbon Ladder, datée de 2008. Depuis 13 ans donc, Marc Newson n’avait plus produit de nouvelles pièces pour kreo. C’est dire si il était attendu et combien l’exercice pouvait se révéler périlleux.
Avec « Quobus », Newson interroge la typologie de l’étagère offrant à l’usager de composer sa propre variation. 1, 3, 6 et 2, 4, 6 permettant autant de déclinaisons en fonction du nombre et de la taille des modules concernés.
On retrouve la franchise habituelle de Newson : tout est visible, du système constructif aux matériaux employés. Le rythme vient de la récurrence des rails composant la structure des modules en acier émaillé maintenus par des vis rondes en laiton. Les lignes courbes adoucissant les coins de chaque module viennent en écho aux coloris créés par Newson, qu’ils soient graphiques ou pastels. Renouvelant son exigence de technicité, il a fait apposer un émaillage traditionnel vitrifié et coloré sur des feuilles d’acier courbé.
Disponibles en éditions limitées (8 + 2 E.A. + 2 Prototypes) on envisage volontiers qu’aucune commande ne ressemblera à la précédente, sans même parler des deux pièces uniques proposées par kreo.
Si la révolution formelle que l’on attendait n’a pas lieu, la collection « Quobus » est empreinte d’une poésie propre à Newson. Elle fait l’effet d’un bonbon à la fois satisfaisant et réconfortant, notamment pour son public de collectionneurs qui patientait religieusement de longue date.
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« Quobus » by Marc Newson est présenté simultanément à la galerie kreo Paris (11 septembre – 20 novembre 2021) et à la galerie kreo London (15 septembre – 20 novembre 2021).
Galerie kreo Paris, Marc Newson © Cléa Daridan
Pour leur soixantième anniversaire, Diptyque nous transporte dans cinq villes (Paris, Venise, Athènes, Tokyo, Byblos) marquantes du parcours de ses fondateurs, à travers le regard poétique et parfumé de neuf artistes, à la Poste du Louvre.
À l’image du « Grand Tour » effectué autrefois par les jeunes aristocrates pour parfaire leur éducation, l’exposition « Voyages immobiles » conçue comme un « cadavre exquis », s’appréhende comme une promenade plurielle, au doux parfum d’exotisme plastique. Dès l’entrée, le Malgache Joël Andrianomearisoa nous plonge dans un Paris littéraire d’un autre temps, grâce, entre autres, à ses poèmes mélancoliques en hommage à la maison, et à sa splendide cascade de papiers de soie, tandis que l’Allemand Gregor Hilsdebrandt évoque une Venise musicale à travers ses peintures de bandes magnétiques. En outre, la plupart des plasticiens ont également créé des éditions limitées avec des parfumeurs de la maison. Notons celle de la jeune Anglaise, Zoë Paul, « The cave of Chiron » évoquant une main comme un fin rideau de perles en céramique, dont la couronne émet un délicat effluve d‘immortelle, de figuier et de cyprès.
« Voyages Immobiles, Le Grand Tour », Espace d’exposition de la Poste du Louvre, 52, rue du Louvre, Paris 1er – du lundi au dimanche de 11h à 19h. Jusqu’au 24 octobre 2021 – www.diptyqueparis.com
Pour cette 8e édition du concours Gainerie 91, les étudiants ont planché autour du storytelling des marques de luxe. Ils ont été invités à créer : « un moment unique et surprenant permettant à une marque de se dévoiler plus intimement à son client mais aussi d’intensifier le lien émotionnel entre l’utilisateur et son objet ». Plus de 300 candidats ont ainsi déposés des projets autour du packaging ou d’une PLV offrant une expérience client nouvelle.
Le concours Gainerie 91 est destiné aux étudiants en design, jeunes diplômés depuis moins d’1 an et résidant en France, il a pour objectif de stimuler la créativité des étudiants dans le domaine du packaging du luxe. À savoir, les propositions les plus innovantes et créatives sont bien sûr récompensées, mais aussi prototypées dans les ateliers du Groupe Gainerie 91. Comme ont pu en témoigner d’anciens lauréats lors de la remise de prix, c’est un atout important pour leur parcours professionnel ultérieur.
Les lauréats ont reçu cette année un trophée nouvellement désigné par le studio Noir Vif , à la croisée du stylo d’un designer et du plioir en os, outil à tout faire de l’artisan gainier. Il est réalisé en inox et décliné en 4 versions : or, argent, bronze et or rose mat.
1er prix « Galets de papier » GUILLAUME BRISSOT - École Condé Lyon
« Une boîte blanche qui lors de son ouverture révèle un motif protecteur. Une surprise que réserve la marque à sa cliente, une petite attention qui témoigne de l’importance qu’a la marque pour elle. Cette attention se manifeste au moment où le parfum devient véritablement celui de la cliente et rentre dans sa vie. »
RÉCOMPENSE : 1 PC ASUS Pro Art ou un chèque de 2500 €
2e prix « Kabuki » ROMANE GAULTIER & CATHELLE DENOUE- École de design Nantes Atlantique
« Ce packaging renferme un paysage japonais typique des décors Kabuki. Cette scénographie monochrome, invite l’usager à créer sa propre narration théâtrale. Ce packaging se présentant aussi comme une PLV, nous invite à vaporiser et sentir l’odeur du parfum directement sur les parois du packaging. »
RÉCOMPENSE : 1 chaise Eames Plywood group DCW o u un chèque de 1500€
3e prix « Message in a Bottle » BENOÎT CHARRIÈRE –École de design Nantes Atlantique
« En ces temps de doute et où la solitude a pris une nouvelle dimension à cause des confinements, j’en suis venu à imaginer la joie des gens pouvant recevoir un message d’une manière originale dans une bouteille. »
RÉCOMPENSE : une imprimante 3D Résine + recharge ou un chèque de 1000€
Prix du Public : « ParcheVin » RAPHAËL COUSTRE-MIANNE- Ecole d'architecture de la ville & des territoires Paris-Est
« Le parcheVin se matérialise par l’assemblage de bandes de liège rigide, liées par le cuir extérieur et ce de façon à donner au liège toute sa noblesse, tout en convoquant l’univers de l’oenologie. »
RÉCOMPENSE: un abonnement annuel Adobe Creative ou un chèque de 800 €
La sélection
Après un premier examen et accompagnement par les équipes de Gainerie 91, les finalistes ont exposé oralement leur projet devant un jury de professionnels, attentifs aux critères suivants : qualité du dossier (forme, contenu), respect du marché du luxe, faisabilité technique (notamment par Gainerie 91), innovation, design et pour cette édition : originalité de l’expérience proposée.
Cette année, le jury était composé de :
– Guillaume Lehoux, et André Fontes, Designers et co-fondateurs du Studio Noir Vif
– Alexandra Lefebvre, Chef de groupe achats développement PLV uniformes – Cartier
– Aurélien Szpunar, Responsable des études Mobilier sur Mesure – Hermès
–Stéphane Lefondeur, Responsable Pôle Développement – Pernod Ricard
– Nathalie Degardin, Rédactrice en chef, Intramuros
– Leonard Pallardy, Designer technique – Gainerie 91
– Delphine Eschasseriaux, Directrice Commerciale – Gainerie 91
– Coraly Caponi, Designer Création et innovation – Gainerie 91
A St-Germain-des-Prés, l’hôtel la Louisiane a laissé place à Bienvenue Design, un évènement imaginé par Olivier Robert et Jean-François Declercq, dénicheur de talents belges et internationaux.
Un dédale de chambres au style vintage
La Louisiane, hôtel historique, un peu confidentiel, n’a pas été choisi par hasard. Souvent comparé au Chelsea Hotel de New York par ses résidents et fidèles voyageurs, les murs de La Louisiane sont chargés d’histoire. Ce bâtiment labyrinthique, à peine retouché, dans son jus, a été le lieu de rencontres et de pauses privilégiées des écrivains, peintres, plasticiens, musiciens, cinéastes, photographes. Depuis Verlaine et Rimbaud, de célèbres personnalités y ont séjourné, Juliette Gréco, Miles Davis, Nan Goldin, Lucien Freud, les Pink-Floyd, Quentin Tarantino. En 1943, Jean-Paul Sartre et Simone de Beauvoir en firent le QG des Existentialistes, un véritable refuge… De tous temps, l’établissement est un chez-soi à part, participant aux libertés artistiques, festives et amicales. C’est aussi l’hôtel, des fidèles clients et artistes tels que Picasso, César, le couple Dali, Amanda Lear, Giacometti, Takis, Cy Twombly ou encore le critique d’art Michel Leiris, Keith Haring qui dessinait sur les serviettes.
JEAN-FRANÇOIS DECLERCQ, DENICHEUR DE TALENTS, chambre 19
Pour le galeriste belge fondateur de l’Atelier Jespers à Bruxelles, ce lieu mythique de La Louisiane, où il séjourne régulièrement, résonnait comme une évidence. C’est un hôtel resté authentique, mystérieux, son histoire se mêle aux évènements éphémères, proche de mon travail de design historique et création contemporaine. Dans sa scénographie, il présente le collectif français Ker-Xavier et le designer belge Arnaud Eubeleun, les Chaises du Soir dessinée par Benoit Maire, rééditées en 100 exemplaires par WE DO NOT WORK ALONE, produites par Fermob. En1988 j’ai acheté ma première pièce vintage. Aujourd’hui j’ai absorbé le design historique, pour révéler les talents d’aujourd’hui. Ma sélection de de pièces de designers est une proposition personnelle hybride entre art et design. Ainsi, au sein du parcours sinueux des couloirs de l’hôtel, les créateurs invités ont investi quelques chambres, pour y installer des univers à la fois contemporains et poétiques étroitement liés à la nostalgie des lieux. Particularité de La Louisiane, on y refait la déco, on repeint les murs, on change la moquette le temps d’une exposition, en témoignent le travail de ces quatre artistes et designers.
LOU VAN’T RIET, DES TRIPTYQUES TACTILES, chambre 20
Cette jeune artiste bruxelloise est partie du constat suivant : dans les musées ouverts à tous, on pourrait transgresser le regard habituel du spectateur face aux œuvres. J’ai toujours été attirée par la perception des œuvres d’art, briser la règle du « ne pas toucher », rapprocher le spectateur, introduire une action. J’en ai même fait une thèse en observant tout simplement les gens, leurs attitudes, leurs comportements face à un tableau, une sculpture…. Son œil s’exerce dès ses études d’architecture et de design à Bruxelles, puis dans la mégapole de New-York où elle débute à la Chamber Gallery et en collaboration avec l’artiste pluridisciplinaire Katie Stout. Devant les œuvres de Lou van’t Riet, on est conquis par la plénitude des couleurs, l’évocation des grands espaces inspirés de ses voyages, l’acier laqué découpé à la perfection que l’on manipule aisément. Ces Triptyques, ultra résistants en acier émaillé, changent de formes, de couleurs, selon l’ouverture ou la fermeture des panneaux articulés sur des charnières. Avec du recul, on a une autre perception… A travers ses créations, l’artiste fait un pas de côté ; le spectateur est appelé à s’engager lui-même à interférer, avec l’œuvre et de changer son regard et son appréhension.
MARC BAROUD, CONFLUENCE DES FORMES, chambre 36
On ne présente plus ce designer inclassable, transdisciplinaire, aussi bien architecte d’intérieur que designer de produits ou de marque, oscillant entre deux cultures, libanaise et française. Bien qu’il soit plus habitué aux murs neutres des galeries qu’au décor vintage, Marc Baroud investit les lieux de la Louisiane en remodelant l’espace dans son intégralité. On a pu y découvrir ou re-admiré la collection Dot to Dots conçue entre 2021 et 2020. Les pièces, bibliothèque et étagères Intersections, tables ou bancs Segments, lampes Articulations, confirment l’étendu et l’éclectisme de ses recherches sur des structures souples ou des principes constructifs d’inspiration moderniste. Sa méthode de conception suit le passage de l’état d’idée à l’état d’objet et ouvre le champ des possibles vers des créations plus libres, évoluant vers des typologies de formes et de matériaux singulières. On plonge dans son univers organique et voluptueux. On est absorbé par la matière sophistiquée savamment polie, d’une bibliothèque en aluminium dont les modules non standardisés s’adaptent aux livres que l’on y place, ou d’un groupe de tables modulables et informelles, qui invite au toucher.
TIM LECLABART, INFLUENCE BRESILIENNE, chambre 38
Ce jeune créateur dessine depuis peu, après une première vie professionnelle à la galerie James, qui fut spécialisée dans le design brésilien. Si Tim Leclabart assume pleinement ses références à l’architecture et au design historique, c’est aussi pour mieux les comprendre les admirer et un jour, s’en éloigner. Représenté à Paris par la galerie Mouvements Modernes dirigée par Sophie Mainier-Jullerot qui installe ses collections dans des lieux invités, il créé de petites séries en autoédition, telles que les lampes Totems Axis, en bois brut de récupération, résine et verre soufflée. Se passionne pour l’histoire du design brésilien des années 70, dont il assure la continuité avec une sensibilité contemporaine. En témoigne le prototype d’assise, subtil mélange de noyer américain, de cannage à maille carré, fait main. J’ai conçu ce fauteuil avec la contrainte technique du triplis, pour la rigidité, du bois massif tourné et du cannage, pour rappeler l’esthétique des assises de Pierre Jeanneret. De même, s’inspire-t-il de la maison des Canoas, conçue par l’architecte Oscar Niemeyre en 1951 pour sa famille, en reprenant les plans de la forme du toit.
PALOMA GONZALEZ-ESPEJO : NAISSANCE D’UNE COLLECTION, chambre 40
Ce que l’on aime chez Paloma Gonzalez-Espejo, c’est sa volonté farouche d’aller à l’essentiel, sans détour. Sa voix douce et volubile, son léger accent espagnol, on est sous le charme ! Pourtant, sa vocation de designer est tardive. Après une carrière d’avocate, il y a dix ans, elle choisit la voie de la reconversion, suit son rêve et entreprend de créer des pièces de mobilier. S’en suivent ses études au CAD (College of Art and design) de Bruxelles, et à la clef, une table de chevet en guise de projet de fin d’études. Avec beaucoup d’humilité, d’enthousiasme, elle sait se montrer reconnaissante envers Jean-François Declercq, qui l’a soutenue sans réserve. Ainsi a débuté la collection Yume. Je voulais que ce chevet épouse la forme du lit, à droite ou à gauche, avec des tiroirs secrets pour certains modèles. Découvrant les beaux savoir-faire du bois et de la pierre des artisans, je sors de ma zone de confort, cela me fait grandir. Le mobilier en bois a été réalisé par Casimir Ateliers en Belgique, entreprise qui soutient les designers dans la fabrication de leurs prototypes ou petites séries. Le concept évolue sur le principe de l’élastique : le meuble s’étire d’un côté et de l’autre, se transforme ainsi en console. J’ai en tête déjà un banc et un bureau, qui vont compléter la famille Yume. Bientôt aboutie, cette collection déclinant le chêne européen, le noyer américain, le travertin, le marbre de Carrare, Calacatta Viola, Nero Marquina, est en quête d’éditeur…
Du 5 au 7 octobre, Workspace Expo se tiendra à la Porte de Versailles. Entre solutions proposées par les 275 marques exposantes et un programme de conférences pointues, le salon annuel du mobilier et de l’aménagement d’espace de travail place la question « facteur humain » au centre de cette édition 2021. Intramuros est partenaire de l’événement.
Le télétravail a-t-il changé la donne durablement ? Depuis quelque temps, les annonces se multiplient : certains groupes confirment une mise en place d’un télétravail « total » (à raison de deux à trois jours de présentiel par mois, cf Le Monde du 28 septembre) et réorganisent leurs sièges, des hôtels expérimentent la reconfiguration de chambres et suites en bureaux temporaires (cf Intramurosn°209 « Bureaux et hôtels : convergences post-covid »), les salariés sont de plus en plus nombreux à demander des raisons motivées de se rendre sur un lieu de travail, au regard de ce qu’ils peuvent exercer depuis leur domicile. Ils sollicitent moins de déplacements inutiles, plus d’efficacité et de confort psychologique, et sont désireux d’un meilleur accueil au bureau dans des espaces pensés pour encourager le lien, l’intelligence collective et la créativité. Partant de ces constats, le salon WorkSpace Expo a dégagé 7 tendances fortes des mutations de l’espace de travail, qui participent de ce confort essentiel au travail (cf Intramuros n°209 « le confort et la santé au travail »).
Les 7 tendances fortes présentées à Workspace Expo
1. Mieux s’entendre / des bruits atténués :
Le bruit et nuisances sonores sont la cause de fatigue et de stress, impactant la qualité de vie. Il est donc important d’aménager les espaces pour pouvoir s’entendre et se concentrer. De nombreuses solutions existent pour réduire les nuisances comme des cabines, mobilier avec cloisons, plafonniers, revêtements muraux, écouteurs et luminaires…
2. Mieux respirer / un air plus sain :
Les Français passent 7 à 8h par jour au bureau, l’air est un enjeu de santé publique, car celui-ci est pollué en raison notamment des produits de déco, des matériaux composant le mobilier, de l’air conditionné, machines…des solutions existent : des appareils d’analyse qui permettent de mesurer en continu le taux polluant.
3. Mieux voir / un éclairage adapté :
70% des bureaux ne disposent pas d’un éclairage permettant d’atteindre les 500 lux préconisés. La lumière joue un rôle essentiel dans notre équilibre. Des solutions existent : éclairage artificiel, variateurs d’intensité et de tonalité…
4. Mieux configurer / une technologie bienveillante :
Des solutions aux besoins des usagers pour répondre aux besoins et attentes des salariés.
5. Mieux innover / des espaces ludiques :
Favoriser la déconnexion et l’échange, le mobilier coloré, récréatif, des balançoires, des poufs géants, des tableaux écritoires…pour favoriser la créativité et l’expression individuelle.
6. Mieux s’adapter / un mobilier évolutif :
A l’ère du flex office, l’espace de travail doit se reconfigurer et se transformer vite. Il doit être léger, modulable, à roulettes…
7. Mieux s’évader / ré-humaniser :
Tout un espace dédié pour remettre au centre le bien-être émotionnel et ré-humaniser les échanges vs la surinformation et les RS.
2. Erard Pro, Kross © Erard Pro.
3. Arrow Group, Alto © Arrow Group.
4. Cider, Flexcab © Cider.
5. Eol, Oscar © Eol.
6. Cider, Layout © Cider.
7. Bralco, Polare © Bralco.
8. Kettal, Phone Booth Single © Kettal.
Cette nouvelle édition 2021 de Workspace Expo se mobilise plus que jamais pour aider les professionnels à appréhender ces “nouveaux bureaux”. Véritable tremplin d’aide à la réflexion pour les professionnels confrontés à ces nouveaux enjeux, il leur donnera l’opportunité de rencontrer des experts et découvrir des solutions concrètes présentées sur les stands et de partager des réflexions et engagements au cours d’ateliers et de conférences (programme complet ici).
À noter, le mardi 5 octobre sera dévoilé le palmarès des Trophées de l’Innovation 2021.
WORKSPACE EXPO, du 5 au 7 octobre, Paris Porte de Versailles, Hall 7.2
Fortement sollicités ces dernières années pour les enjeux environnementaux, les départements R & D des fabricants proposent aujourd’hui des solutions et des nouveaux matériaux, à partir d’éléments recyclés ou biosourcés.
Intervenants :
Céline Baudouin, directrice marketing France, IVC
Amandine Langlois, designer chez Premices and co, co-fondatrice de Pierreplume
Bérengère Tabutin, architecte d’intérieur, fondatrice de BBonus, membre du Pôle Action et du CFAI
Avec la participation vidéo de Lucie Koldova, directrice artistique de Brokis (en anglais)
Modération : Maëlle Campagnoli, journaliste
Une conférence donnée le vendredi 10 septembre, à l’Intramuros Café, dans le cadre de la Paris Design Week 2021. Les échanges réunissaient la vision industrielle de IVC, les expérimentations matériaux de Brokis et PierrePlume, et l’expérience de terrain autour de l’aménagement de la résidence de coliving Ecla par l’agence BBonus.
Entre traçabilité, enjeux économiques locaux et circuits courts, les filières se repensent bien au-delà d’un principe de labellisation.
Intervenants :
Marc Bayard, Responsable du développement culturel et scientifique du Mobilier national
Jean-Louis Brun, Directeur de Brun de Vian-Tiran
Laurent Corio, Designer et chercheur, fondateur des Nouvelles
Modération : Nathalie Degardin, rédactrice en chef
Une conférence donnée le samedi 11 septembre, à l’Intramuros Café, dans le cadre de la Paris Design Week 2021. S’interrogeant sur la question de la préservation de la ressource, les échanges abordaient la mise en place de programmes de soutien aux filières par le Mobilier national, l’écosystème développé par la manufacture Brun de Vian-Tiran autour de la laine exceptionnelle du Mérinos d’Arles Antique, et la double approche de la valorisation de la filière bois, dans le cadre d’une double approche, scientifique au cœur de la Chaire Innovation, et sensible dans le développement d’une narration issue d’une approche design.
Avant-gardiste par essence, le secteur du luxe s’adapte aux enjeux environnementaux pour répondre aux questions sociétales et inventer de nouveaux positionnements, dans l’objet et l’expérience.
Intervenants :
Bénédicte Epinay, déléguée générale du Comité Colbert
Maurille Larivière, directeur de la Sustainable Design School (en visio)
Chafik Gasmi, designer et architecte, fondateur de Chafik Studio
Modération : Nathalie Degardin, rédactrice en chef
Une conférence donnée le dimanche 12 septembre, à l’Intramuros Café, dans le cadre de la Paris Design Week 2021. Les échanges abordaient le « Carnet d’inspiration » du Comité Colbert, qui présente la première étude identifiant les actions des membres inscrites dans les objectifs de développement durable de l’ONU, la pédagogie centrée sur ces enjeux au cœur de la Sustainable Design School, le témoignage de Chafik Studio sur l’évolution du secteur et le partage d’expérimentations en cours.
Que ce soit pour trouver un nouveau positionnement ou relancer un marché, la démarche propre au design permet de valoriser des savoir-faire, que ce soit au sein d’une entreprise, d’un atelier, voire à l’échelle d’un territoire.
Intervenants :
Élise Daunay, Cheffe de projet incubateur, Le FRENCH DESIGN
Mathilde Brétillot, Designeuse, Cofondatrice de l’International Design Expeditions (en visio)
Manon Royer, Directrice de l’Accompagnement, Les Canaux
Modération : Nathalie Degardin, rédactrice en chef
Une conférence donnée le dimanche 12 septembre, à l’Intramuros Café, dans le cadre de la Paris Design Week 2021. Les échanges conjuguaient la présentation de programmes d’accompagnement très expérimentaux (avec le témoignage en direct depuis la Pologne de l’International Design Expeditions), de programmes confirmés comme les Incubateurs du French Design, et de programmes conjuguant design et économie circulaire avec Les Canaux.
Acheter du mobilier en leasing ou trouver une seconde vie aux produits, de nouvelles voies sont explorées pour répondre aux aspirations des consommateurs, et définissent de nouveaux marchés.
Intervenants :
Catherine Colin fondatrice et PDG de Made in Design
Monica Born, cofondatrice de Superfront
Franck Mallez, co-fondateur de Yourse.co
Modération : Cléa Daridan, historienne de l’art, de l’architecture et du design, collaboratrice d’Intramuros
Une conférence donnée le dimanche 12 septembre, à l’Intramuros Café, dans le cadre de la Paris Design Week 2021. Les échanges réunissaient les expertises de Made in Design, qui développe un nouveau marché de la seconde main et valorise les engagements dans la circularité, de Yourse.Co qui multiplie les propositions sur le marché en proposant des clés d’accès au design diversifiées ( leasing, seconde vie…) dans un modèle économique très novateur, et Superfront qui s’est positionné sur un marché de seconde vie très engagé.
Dans quelles mesures le réseau Women in Design peut-il être un moteur pour un design inclusif ?
À travers sa table ronde, la nouvelle association Women in Design réunit des experts pour croiser leurs regards sur le monde actuel du Design. Enjeux et constats initient les échanges pour penser ensemble et autrement les nouvelles solutions de demain pour un design inclusif, à destination de toutes les structures (écoles, entreprises, politique publique).
Intervenants :
Frédérique Pain, Directrice de l’ENSCI Les Ateliers -Bénévole Women Rights & Gender Parity chez LVN
Katie Cotellon, Head of Design and User Experience chez Saint-Gobain recherche – Participante au réseau Win Saint Gobain
Juliette Damoisel, Chief Strategy Officer chez Extreme Agency, Bénévole chez Les Lionnes
Rose Rondelez, Étudiante à Sciences Po & Strate Ecole de Design en design d’interaction
Makan Fofana, Designer, romancier et fondateur du laboratoire L’HYPERCUBE
Modération : Johanna Rowe Calvi, fondatrice de Women in Design
Une conférence donnée le mercredi 8 septembre, à l’Intramuros Café, dans le cadre de la Paris Design Week 2021.
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