Design
Inspirée des dîners aristocratiques victoriens du XIXe siècle, l’installation « Monobloc Dinner Party » de Pierre Castignola pose question. Scénographie ironique en clin d’œil à une époque révolue ou réflexion sur un banal fauteuil en plastique ? Derniers jours pour la découvrir à la galerie Atelier Ecru à Gand (Belgique).
A la fois artiste et designer, Pierre Castignola n’en n’est pas à sa première expérimentation. Il poursuit ses recherches autour de ce fauteuil emblématique, depuis ses études à la Design Academy de Eindhoven, dont il est diplômé Cum Laude en 2018. Pour cette installation « Monobloc Dinner Party », créée à la galerie Atelier Ecru, il compose, assemble, des typologies du mobilier néobaroque, lustres, chaises et tables, étagères, tabourets avec un matériau unique, le plastique récupéré des fauteuils en plastique d’extérieur.
Dans un joyeux démantèlement de formes, il joue avec les formes archétypales des objets, dans un contraste saisissant, audacieux, entre l’approche brute et intuitive de la série Copytopia enrichie de nouvelles pièces, et les codes de la bonne société. Remettre en question la hiérarchie des matériaux et valoriser ce matériau pauvre, en plastique de récup, c’est aussi en filigramme le propos de son travail. Dans le prolongement de l’orientation conceptuelle, il s’interroge également sur les bénéfices du brevet dans le cadre du système de la propriété intellectuelle en utilisant l’un des objets les plus reconnaissables, le fauteuil en plastique. (Pour en savoir plus, lire son portrait dans Intramuros n° 207).
« Monobloc Dinner Party, » une installation de Pierre Castignola, jusqu’au 27 février, à l’Atelier Ecru Gallery, à Gand.
Plus d’informations sur www.weareatelierecru.com et www.pierrecastignola.com
Pour cette 2e édition du concours Ecole Camondo-Intramuros, les partenaires Adagio, Serge Ferrari et Lafuma ont respectivement sélectionné les lauréats Thomas Delagarde, Léna Micheli et Clémentine Doumenc. En attendant de découvrir les parcours de ces trois jeunes créateurs dans le prochain numéro d’Intramuros, la rédaction fait le point sur chaque «duo». Retour de Bergamote Dubois Mathieu, Brand & PR Manager, et de Constance Kocher, chef de marché mobilier chez Serge Ferrari.
Comment s’est passé pour vous le choix de votre lauréat parmi les différents projets de diplôme ? Comment Léna Micheli s’est-elle démarquée ?
Après avoir étudié les dossiers de diplôme de l’ensemble des étudiants, nous avons fait une première sélection des trois dossiers qui nous paraissaient pertinents et répondants aux valeurs de notre entreprise et à notre métier.
Léna s’est démarquée de par le professionnalisme de son dossier, la clarté de sa présentation et la didactique de son exposé ; son sujet faisant écho aux préoccupations de notre entreprise.
Quelle est la mission qui lui a été confiée ?
Nous avons demandé à Léna de développer le concept qu’elle avait travaillé pour son mémoire de diplôme en l’adaptant à nos process industriels. Ainsi, Léna mène une réflexion globale en terme d’upcycling.
L’objectif de cette approche vise à créer un produit nouveau à partir des déchets et rebuts engendrés par nos processus de production. À terme, cette logique pourrait être intégrée de façon systématique à toute notre chaîne de fabrication, créant ainsi une nouvelle valeur pour nos matériaux de production initialement perdus.
Cette démarche fait écho à l’un de nos objectifs RSE.
Comment s’est organisé son travail ?
Sur le dernier trimestre 2021, Léna a été intégrée chez Serge Ferrari en tant que stagiaire. Depuis le 1er janvier, elle est à son compte et nous sommes liés par contrat pour ce projet. Léna dédie une journée par semaine à ce projet et vient dans nos locaux dès que le besoin s’en fait ressentir afin de pouvoir collecter des matériaux pour le prototypage, échanger avec les différents services sur des problématiques de faisabilité et de sécurité sanitaires. Nous sommes encore à l’étape étude de faisabilité.
Globalement que retirez-vous de cette collaboration ? Est-ce ce que vous attendiez ?
Nous sommes ravies de pouvoir accompagner Lena dans ce projet qui a beaucoup de sens pour Serge Ferrari. Léna apporte de nouvelles perspectives sur nos problématique et un regard neuf sur le sujet de l’upcycling.
Z Ⓢ ONAMACO, a hub of art in Latin America, has just closed its doors. From February 9 to 13, this event, which is now one of the most important on the world stage, came back in force for its 18thE editing. By using its quadripartite format combining antiques, contemporary art, modern art, design and photography, from all continents.
Au Citibanamex Center from Mexico City, Z Ⓢ ONAMACO has returned to its quarters, after more than a year of absence due to the pandemic. Welcoming more than 200 galleries and exhibitors from more than 25 countries around the world, the fair with the stylized skull logo, founded in 2002, offers amateurs, museums, curators, architects, national and international collectors the best of contemporary and modern art, as well as design, photography and antiques. For this last edition, it therefore returned to a broad and international formula that had proved its worth before the crisis, thus abandoning the “Zona Maco Art Week” which urged, between April 27 and May 2, 2021, local galleries to offer unique or collaborative exhibitions, in the heart of the gigantic megalopolis.
Z Ⓢ ONAMACO: Four for one
Its specificity? Offer four fairs in one, namely “Zona Maco Arte Contemporaneo”, “Zona Maco Arte Contemporaneo”, “Zona Maco Disěno”, “Zona Maco Salon” and “Zona Maco Foto” -, coupled with rich satellite events, such as its “Conversations” program inviting discussions on current issues and the establishment of parallel activities in a number of institutions and galleries in the city.
Most important of all, the general sector of “Zona Maco Arte Contemporaneo” this year housed around 70 leading international galleries offering pieces using all mediums, with global signatures. Among these brands, the Italian Continua with two addresses in France, but also Gagosian Gallery, the American one with two galleries in Paris, which is no longer presented. Loyal among the faithful, the Mark Hachem gallery, which specializes in the modern art scene in the Arab world and in kinetic art, is, this year, the only Frenchy to be part of the general section. Indeed, leading companies, such as the Lelong Gallery, present in 2019, which was joined, in 2020, by Perrotin Gallery, Almine Rech, Italian Gallery, Opera Gallery, seem to have, for the time being, deserted Mexican territory.
A new section created by the fusion of “Nuevas Propuestas” and “Foro”, “Zona Maco Ejes” welcomes around thirty young or established galleries that are particularly sensitive to current challenges. Within it, the Franco-Peruvian Younique, known for defending, among other things, the South American scene, has returned for the second time. A new exhibitor, the very young 193 Gallery, dedicated to multicultural contemporary scenes (Southeast Asia, Africa, Caribbean, South America, Europe, Oceania), in Paris, defended its artists there. Once again this year, on the stands of Hispanic galleries — many of them from South America —, the section entitled “Zona Maco Sur” highlights dialogues between two visual artists, where “art, nature and imagination meet”. With around sixteen brands, including Diptych Fine Arts and the prestigious Marlborough Gallery, “Arte moderno” celebrates the art of the first half of the 20th century.
The French Touch of Design celebrated in Mexico City
For its part, the twenty-five galleries of “Zona Maco Disěno”, a show active since 2011 and organized this year by the curator, artist and industrial designer, Cecilia León de la Barra, offer furniture, jewelry, textiles, textiles, textiles, decorative objects, but also limited editions and historical pieces. For its first participation, the Mobilier National, a symbol of French excellence since the 17th century, responsible for the conservation and restoration of national collections, presents “On a pixel cloud”, one installation composed of a carpet, a sofa, two armchairs and a table, created by the French artist, a pioneer of virtual and digital art Miguel Chevalier, and the Franco-Japanese Design Studio A+A Cooren (Aki and Arnaud Cooren). A very metaphorical work evoking “the quantitative explosion of digital data forcing us to find new ways to store data and to see and analyze the world”, and therefore combining new technologies with the refined forms of minimalist design.
Made by the Manufacture de la Savonnerie, the rug represents a refined and graphic alphabet of black, gray and white pixel patterns. The sofa and the two armchairs were made by the Atelier de Recherche et de Création (ARC), upholstered by the tapestry decoration workshop, and covered with a Dedar cotton fabric cover, printed by the Prelle company. As for the coffee table made of polymethyl methacrylate (PMAA) by the company Dacryl, in association with ARC, it is in the shape of a magnifying glass and tinted and polished.
Photographs and antiques for a complete offer
Finally, the ten Latin American galleries of the “Zona Maco Salon”, a fair created in 2014 and specialized in art before 1960, as well as the fifteen “Zona Maco Foto”, including the Parisians Lou & Lou Gallery and Gregory Leroy Photographie, have completed a resolutely complete and diversified offer of 2022 art. Despite a global context still febrile by health uncertainties and a European scene shaken up by the arrival, next autumn, of the Swiss juggernaut Art Basel, in the country of Fiac, the one that is purposely nicknamed “Hispanic Art Basel” will, we hope, be able to reinvigorate the market at the beginning of the year. And to attract visitors again through the quality of its exhibitors, the plurality of its proposals, such as the promotion of a local scene, rich, although still too confidential on a global scale.
ZⓈMONACO, Centro Citibanamex, Av. del Conscripto 311, Lomas de Sotelo, Hipódromo de las Américas, Miguel Hidalgo, 11200, Mexico, Mexico.
www.zsonamaco.com From February 9 to 13, 2022.
Si le virtuel évacue pas mal de tracas du quotidien, il a aussi tendance à effacer certaines connaissances que les générations précédentes à l’ère industrielle avaient acquises. « On n’a plus d’emprise sur le monde matériel, depuis l’avènement du jetable, racheter coûte finalement moins cher que d’apprendre à réparer », nous explique David Enon. Dans son livre, il nous invite à appréhender la matière pour mieux la comprendre et donc l’utiliser à meilleur escient.
Designer indépendant et enseignant à l’Ecole supérieure d’art et de design TALM à Angers, David Enon démontre que nos connaissances sur notre environnement sont assez pauvres. Et c’est par le biais de 11 cas pratiques très didactiques que le lecteur peut envisager le monde qui l’entoure. Du cylindre réalisé à l’aide d’une feuille A4 et d’un morceau de ruban adhésif qui peut supporter plus de 400 fois son poids à l’emploi du sens de la matière ou encore à l’importance de la lecture des notices de montage et des modes d’emploi, l’auteur nous fournit des clefs pour poser un autre regard sur les matériaux pour se les réapproprier.
Son propos met en avant certaines aberrations, évidentes une fois expliquées : « L’aggloméré comme le MDF a été imaginé pour recycler les copeaux de bois jusque-là mis au rebus. Aujourd’hui, on ne les recycle plus puisque l’on produit directement du MDF au vu de son succès. » Ce matériau aurait donc perdu son sens initial. Cet ouvrage intelligent et pragmatique est à partager et à lire sans modération.
Plus d’informations sur le site de Premier Parallèle.
Plus d’informations sur le site de Premier Parallèle.
Design Miami/ vient annoncer le lancement de sa toute première édition parisienne en octobre prochain, pour coïncider avec le lancement de la foire sœur Art Basel au Grand Palais. En outre, Design Miami/ a annoncé la nomination de Maria Cristina Didero, conservatrice, consultante et auteure de design, à la tête du commissariat de l’événement.
Ce vendredi 28 janvier, Jennifer Roberts, PDG de Design Miami/, a annoncé : « La décision de présenter un événement à Paris en octobre prochain est la prochaine étape naturelle de l’évolution de Design Miami. » Pour l’organisation, la ville s’inscrit parfaitement dans l’engagement de Design Miami/ à présenter le meilleur du design de collection pour des pièces tant historiques que contemporaines.
Elle souligne le rôle de la capitale sur le marché, par son rôle dans le domaine des arts décoratifs, mais aussi par la présence de galeristes spécialisés dans le design. Les exposants français fondateurs et de longue date, dont la Galerie Patrick Seguin, Laffanour – Galerie Downtown, la Galerie kreo, Maria Wettergren, Jousse Enterprise et la Galerie Jacques Lacoste, parmi beaucoup d’autres, ont en effet constitué la base du programme renommé de la foire au fil des ans, et pour beaucoup depuis sa création en 2005. Depuis lors, Design Miami/ s’est transformé en une plateforme multidimensionnelle, opérant à l’intersection du design, de l’art, de l’innovation et de la technologie, à travers les mondes réels et virtuels.
Maria Cristina Didero, commissaire de l’événement
Jennifer Roberts a également annoncé l’arrivée de Maria Cristina Didero au commissariat de l’événement parisien : « Maria Cristina jouit d’une réputation exceptionnelle parmi ses pairs et, en tant que collaboratrice de longue date de Design Miami/, nous apprécions déjà profondément sa vision créative. Nous sommes impatients de voir comment ses idées uniques vont façonner nos événements à Bâle et à Miami, et maintenant à Paris ».
Conservatrice, consultante et auteure de design indépendante, basée à Milan, Maria Cristina Didero a été commissaire de nombreuses expositions pour des institutions, des galeries et des marques du monde entier, notamment au National Building Museum de Washington DC, au Design Museum Holon, en Israël, et au Museum of Applied Arts de Dresde… Elle a été commissaire d’expositions pour des foires internationales telles que la semaine du design de Milan, Design Miami/, The Armory Show à New York, miart à Milan, Maison&Objet à Paris et Experimenta Design à Lisbonne.
En tant que consultante, elle a travaillé avec des marques internationales telles que Vitra, Fritz Hansen, Lexus, Fendi, Louis Vuitton, Valextra et Diesel, entre autres. Elle a mené également des projets avec des designers internationaux de renom tels que Campana Brothers, Philippe Malouin, Michael Young, Bethan Laura Wood, Richard Hutten, Snarkitecture…
Ànoter, elle prépare actuellement un projet pour le MK&G de Hambourg, intitulé Ask Me if I Believe in the Future (ouverture le 1er juillet 2022) avec Objects of Common Interest, Erez Nevi Pana, Zaven, Carolien Niebling, ainsi qu’une série d’autres collaborations en cours : une exposition intitulée VELENI (Poisons) avec Lanzavecchia + Wai à l’ICA de Milan, et un projet de Mathieu Lehanneur pour la prochaine MDW22.
« L’âge d’or »
Pour Design Miami / à Paris, Maria Cristina Didero inscrit sa programmation dans une approche multidisciplinaire, sous le thème de « L’âge d’or ».« L’âge d’or est une idée partagée par différentes cultures à travers le temps et l’espace. Qu’il soit projeté sur un passé idéalisé ou sur un futur utopique, l’Âge d’or envisage un monde en paix, dans lequel les progrès des arts et de la technologie précipitent une facilité, une coopération, un plaisir et une beauté sans précédent ; une époque où chaque créature vivante sur Terre coexiste en harmonie ».
La première foire sous la direction de Didero sera Design Miami/ Basel, qui se tiendra du 14 au 19 juin à Bâle, en Suisse ; elle sera également présentée simultanément en ligne sur designmiami.com.
D’autres détails sur les événements de Design Miami en 2022 seront annoncés dans les mois à venir.
À l’ère du « monde d’après » et de l’envie de changement perpétuel des intérieurs depuis la crise, Christian Lacroix Maison signe « Utopia », le dernier volet d’une trilogie. Sous la direction de Sacha Walckhoff, directeur artistique depuis 2010, la collection joue à la fois sur les couleurs, les motifs et l’aspect de profondeur. En parallèle, la maison sort également « Fête vos jeux », une collection toute en porcelaine en partenariat avec Vista Alegre.
« On a beaucoup entendu parler du monde d’après mais on ne savait finalement pas trop à quoi ça correspondait ». Le point de départ de la collection est là. Après « l’Odyssée » et « Atlantis », « Utopia » vient fermer le livre de trois chapitres animés par de ces envies de liberté et de créativité ressenties depuis bientôt deux ans. Sacha Walckhoff confie s’être largement inspiré de la minéralogie pour ces créations et particulièrement du musée de minéralogie de Paris : « C’est un lieu vraiment fascinant que je n’aurais jamais imaginé être aussi riche. Nous sommes restés des heures dans ces salles à observer tous les détails des minéraux exposés. »
Christian Lacroix Maison : l’art de mélanger les matières et les savoirs-faire
Paravents, broderies sur coussins et meubles, tapis… « Utopia » est une collection hautes en couleur, en savoir-faire et en matières. En témoigne « Aglae Bloom », un motif entre fleurs et coraux qui se décline sur velours, papier peint ou satin de coton. Un décor qui a été dessiné spécifiquement à l’occasion d’une collaboration avec Schmidt. Contemporain et léger, il a été pensé de manière à pouvoir se décliner et s’adapter à tous les intérieurs et chaque espace de la maison. Cette dominance fleurie est par ailleurs retrouvée dans les motifs « Feather Park », « Darius Green » ou encore « Atlantis ».
Pour cette collection Sacha Walckhoff a accordé une importance particulière à l’aspect de profondeur et surtout au détail. « Si vous prenez le motif Persian Night qui représente le cosmos, si l’on ne s’approche pas suffisamment on ne se rend pas forcément compte qu’il y a des notes nacrées. Celles-ci ne se dévoilent que si l’on prend le temps de regarder attentivement ». De la même manière « It’s Paradise » qui représente un paysage coloré et féérique, se décline à la demande du client, qui peut ainsi jouer avec les motifs « J’aime l’idée que les gens puissent jouer avec nos motifs et les personnaliser. Il y a une infinité de possibilités ».
Les motifs pensés pour la collection peuvent être déclinés sur paravents, tapis, fauteuils, brodés sur coussins et même sur couverture (une première pour la maison). Une diversité de possibilités et de mélange de techniques qui traduisent ainsi la qualité et la technique de la maison Christian Lacroix.
Fête vos jeux, et tout ira mieux
Hormis cette collection spécifique à la décoration de la maison, Christian Lacroix Maison propose de compléter son intérieur à travers la sortie de trois jeux tout en porcelaine (dés, domino, memory) réalisés en collaboration avec la manufacture portugaise Vista Alegre. Des réalisations qui se veulent esthétiques mais surtout ludiques, de quoi ravir petits et grands. À manier certes avec précaution, mais sans modération !
Après son exposition inaugurale, en septembre dernier, à sa seconde adresse, avenue Matignon, « Perrotin second marché » explore les relations entre l’art contemporain et le design avec des pièces de designers historiques, mises en regard d’œuvres des avant-gardes et du Pop art.
Sur les trois étages de l’immeuble, dans une scénographie très élégante, aux points de vue démultipliés, de Cécile Degos, réputée pour ses mises en scène en musée, « Perrotin Second marché » crée des « affinités électives » entre des « Totems » d’Ettore Sottsass, des sculptures animalières de François-Xavier Lalanne, deux meubles de Jean Royère et des toiles, gouaches, dessins de Matisse, Dali, Magritte, Giacometti, le Douanier Rousseau mais aussi d’Andy Warhol, Alain Jacquet, ainsi qu’un mobile de Calder. Au rez-de-chaussée, celles de Sottsass et des artistes Pop évoquent leur amour commun du quotidien et des coloris éclatants.
Dans une niche aux tons acidulés, les formes épurées et arrondies du totem « 5A » dialoguent paradoxalement avec « Usuyuki », toile de Jaspers John aux lignes géométriques, tandis que la pièce en verre et laiton « Maia Bowl » du chef de file du groupe Memphis et l’« étude pour nature morte avec jarre bleue et cigarette » de Tom Wesselmann nourrissent un même amour du bleu et des objets du quotidien. Ainsi l’expliquait Sottsass : « Ce qui m’a passionné, c’est que les artistes [Pop] prenaient pour thèmes les sujets du quotidien, la vie de tous les jours. La banalité était leur univers. À la place des madones, des christs, ils s’intéressaient à une coupe de fruits, à une boîte de soupe, à une voiture. Leur écriture était le langage de la rue. »
Les animaux, la nature et les hommes
Le second étage qui ressemble à une basse-cour très chic, parle d’amitié, d’inimitié et d’animaux. Là deux oies, un brochet, un « mouton transhumant » et un pacifique bélier en bronze conversent en silence, surveillés de près, sur les murs, par l’image en atelier du surréaliste Dali, très ami dans la vie avec le couple Lalanne, mais aussi par la délicate colombe semblant s’échapper d’un dessin de Magritte. Contre point à cette basse-cour idéale d’un autre monde, les gouaches et crayon aux lignes âpres et écorchées d’Alberto Giacometti, figure majeure de la sculpture, que n’appréciaient pas du tout les Lalanne, s’opposent à la rondeur de leur carpe en résine et feuille d’or.
Enfin, au troisième, dans une ambiance paisible où le naturalisme raffiné du « Cosy corner » de Royère en marqueterie de paille renvoie à la forêt luxuriante du « Nu au bain » du Douanier Rousseau, l’on apprend que le grand décorateur français réalisait également ses meubles en fonction de leurs ombres portées sur le sol ou les murs, comme Alexander Calder le faisait avec ses mobiles. Art & design, une affaire d’influences mutuelles ? A travers des pièces aux signatures prestigieuses, en « consignement », c’est-à-dire prêtées à la galerie, mais aussi achetées par Emmanuel Perrotin et ses associés Tom-David Bastok et Dylan Lessel, l’exposition « Tout n’est qu’influence » interroge la frontière ténue entre ces deux disciplines, par leurs regards communs sur les sujets, matières, couleurs et effets de lumière. Et remet quelque peu en question leur sacrosainte hiérarchie.
« Tout n’est qu’influence », exposition chez Perrotin Second Marché jusqu’au 19 mars 2022 (www.perrotin.com) au 8, avenue Matignon, Paris 8e.
D’une lointaine passion pour l’astronomie, Florent le Scornet en a fait son activité principale. Il a fondé Cassiom, après avoir quitté une carrière beaucoup plus terre à terre chez Sony Electronics. Aujourd’hui, il propose des objets en lien avec le cosmos tous plus étonnants les uns des autres.
C’est au cours d’un voyage sur un porte conteneur baptisé le Cassiopeia, entre Fos sur mer et Dubaï que le déclic se fait. « Du Cassiopeia à la constellation de Cassiopé, le chemin vers Cassiom était tout tracé ! Cette attirance que j’ai pour les étoiles depuis l’enfance a ressurgit et j’ai commencé à faire des prototypes fonctionnels, mais le résultat esthétique n’était pas au rendez-vous ». Le projet de Florent le Scornet soutient un propos scientifique et les premiers croquis sont tout de même validés par l’Association Française d’Astronomie. Florent tend à partager cet amour pour les planètes à un public plus large, parfois néophyte, mais leur concrétisation sous forme d’objet n’est pas des plus simples. L’intervention d’un designer devient alors essentielle. Et c’est après plusieurs entretiens avec différents designers que la rencontre se fait. Ludovic Roth entre en scène et son appétence évidente pour l’astronomie séduit Florent. « J’ai tout de suite perçu son attirance pour la beauté du cosmos, ce qui est essentiel ! Il m’a présenté un book de formalisation du prototype de la lampe Lux Tempora ainsi que d’autres objets que je souhaitais développer et cette maquette correspondait à mes attentes ».
Le concept de cette lampe est la représentation scientifique simplifiée de notre système solaire et la vitesse de la lumière. Huit disques encastrés sur une base linéaire symbolisent les planètes. La base électrifiée matérialise la vitesse de la lumière qui évolue à une allure exacte. Cassiom propose aussi une version sans astre.
Design céleste
En dehors des globes ou des représentations astrologiques, peu d’objets décoratifs matérialisent le ciel. A la fois esthétique et pédagogique, les collections de Cassiom offrent une approche didactique quasi mystérieuse quand elle n’est pas expliquée. Reproduire les distances stellaires sur des objets était un des objectifs de Florent le Scornet. Je suis parti des étoiles composant les constellations du zodiaque pour la série Constellation. Comme chacun connait son signe astrologique, le personnifier en volume, que ce soit en porcelaine de Limoges avec Data Sculpture, en bois peint avec Data Structure ou encore en résine et poudre de charbon avec Data Constellation (by Ludovic Roth) permet une nouvelle façon d’appréhender la disposition des planètes vue de son salon.
Cassiom et l’art
Florent le Scornet et Ludovic Roth ont mis un point d’honneur à sélectionner des matériaux nobles pour une production made in France. Porcelaine, marbre et bois sont travaillés sur le territoire. La lune du sculpteur Erol a également été réalisée grâce à des données altimétriques fournies par la NASA. Proposé en résine ou en bronze, en édition limitée et numérotée, ce satellite de la Terre est hyperréaliste. C’est avec ce type d’objet exceptionnel que le fondateur de Cassiom développe son activité d’éditeur d’art avec des artistes. Eta Carinea, une étoile géante (1000 fois la taille de notre soleil) a été réinterprétée par l’artiste Sébastien Crêteur, inventeur du Monyalos, une structure de superposition de lamelles en verre et de peinture.
Non seulement ces réalisations donnent plus de sens à l’astronomie pour un public non avisé, mais elles sont aussi très bien accueillies par des astrophysiciens qui saluent l’art appliqué à la matière qu’ils étudient professionnellement.
S’il avait déjà abordé la salle de bains du point de vue de l’éclairage, pour sa première collection d’éléments, le Britannique Tom Dixon a collaboré avec un expert en la matière : VitrA. La collection Liquid est ainsi le fruit d’une collaboration très complice entre le designer et le studio de création interne de la marque.
Reconnu sur la scène internationale pour ses créations de mobilier, de luminaires, et d’accessoires, Tom Dixon s’investit cette fois dans l’univers de la salle de bains avec une première collaboration avec VitrA. Très sobrement baptisée Liquid, – en référence à l’univers de l’eau – la collection reprend ainsi la valorisation de la matière qui est au cœur du travail du designer, à travers l’utilisation de la céramique, du verre teinté, de la laque brillante et du laiton chromé. Pour ce travail, le designer a conçu les éléments d’une collection complète : de la pièces de mobilier à la robinetterie.
Liquid, une collection à dominance ronde
Comme un fil directeur, le designer joue avec les courbes, les formes, les reliefs, dans l’ensemble des pièces présentées et s’amuse des contrastes noirs et blancs. Il en résulte une collection à l’esprit ludique, aux formes joyeuses, généreuses, rassurantes, que l’on s’approprie rapidement. Le designer et le studio ont en effet souhaité proposer des pièces simples: “L’astuce est de créer un objet qui soit simple pour s’assurer que les gens comprennent instinctivement à quoi cela sert”.
En s’inspirant des volumes des salles des bains victoriennes, Tom Dixon a décliné avec Liquid une collection à la grammaire ludique et pratique, qui vient dynamiser l’espace, dans les formes et le rapport à la matière. Une première association réussie, donc, entre VitrA et le Britannique.
C’est au cours de la remise des prix French Design 100 organisée dans la salle des fêtes du palais de l’Elysée qu’Emmanuel Macron a salué la création tricolore.
Pour cette seconde édition du FD 100, 100 lauréats, sélectionnés par un jury international de 17 membres, représentent le design, la décoration intérieure et l’architecture. Durant sa prise de parole, Bernard Reybier, président du French Design by VIA, a célébré le rayonnement du design espace et objet à l’international, en citant notamment des chiffres impressionnants. La création française est, je cite, « un hymne à la vie ! ». Hervé Lemoine, directeur du Mobilier national et président du jury, a mis en avant la politique de réconciliation entre design et artisanat et en se félicitant du rôle d’ambassadeur que joue son service rattaché au ministère de la Culture.
C’est un Président de la République détendu, main dans la poche, qui a commencé son discours en indiquant que « le design français est une discipline difficile à définir ». Emmanuel Macron a le mérite de connaitre ses classiques, en citant notamment certaines commandes passées auprès de designers et artistes. Il a conclu en beauté : « la maladie de l’Europe est la lassitude, et le quotidien se réinvente par le beau et le renouveau des sens, et c’est le rôle politique du designer. La magie du design est essentielle !»
Les 100 lauréats seront dévoilés tout au long du mois de janvier dans un « festival numérique » sur les réseaux sociaux du French Design.
Pour sa première collection de mobilier entièrement modulable, Lelièvre Paris a choisi José Lévy pour en designer les pièces. Exposée à partir du 12 janvier en exclusivité à la galerie Made In Design au Printemps Haussmann, cette collection dévoile des pièces à la fois contemporaines, aux formes audacieuses, et surtout hautes en couleur, valorisant les tissus de la maison. Un retour en enfance assuré !
La maison Lelièvre Paris, créatrice et éditrice de tissus pour la décoration d’intérieur et ameublement, est réputée pour décorer les plus beaux intérieurs à travers l’usage de ses tissus, papiers peints, tapis et autres accessoires emblématiques. Guidée par l’envie de toujours se renouveler, la maison sort sa première collection de mobilier afin d’exprimer autrement son expertise et son savoir-faire de la matière.
Une « récréation » proposée par José Lévy
Intitulée « Jeux de salon », cette nouvelle collection a été pensée par José Lévy. Dessinant des éléments volontairement modulables, le designer a cherché à conjuguer l’univers du jeu à celui de la finesse et du détail. Des pièces colorées aux matières nobles, en hommage aux tissus propres à la maison Lelièvre Paris. « Tous les tissus utilisés pour cette collection sont des tissus originaux de la maison Lelièvre. Aucun tissu n’a été crée spécialement pour ces pièces » précise le designer. En prenant le coussin comme point de départ et fil rouge, le designer a ainsi imaginé la collection comme une construction, qui s’empile et se désempile à l’infini, en fonction de chacun : « Je me suis inspiré de ces jeux de l’enfance, lorsque l’on s’empare sans complexe des éléments du salon pour construire, empiler les coussins, s’asseoir à cheval sur sur un accoudoir…» Baptisée « Jeux de Salon », la collection se compose donc de coussins, d’un divan, d’un fauteuil, d’un ottoman, de deux tapis, de quoi rassembler petits et grands. Comme un clin d’œil au showroom historique de la maison installé Place des Victoires à Paris, José Lévy s’est amusé à baptiser le pouf « Palais Royal », à nommer « Galerie Vivienne » un long banc cylindrique inspiré du cheval d’arçon. Les deux tapis ont un graphisme travaillé pour être positionnés aussi bien seuls qu’assemblés.
Une modularité audacieuse des formes
La collection est composée d’assises basses. Pour les fauteuils, une structure en bois aux finitions laquées délivre une belle profondeur qui assure un confort d’assise, souligné visuellement par le parti pris « Color Block ». On retrouve dans les accoudoirs aux formes oblongues une correspondance avec les coussins-traversins. En modifiant la position des coussins sur le divan imaginé par le designer, il est possible aussi bien de transformer l’élément en lit de repos, comme de dégager sur la structure un espace « table d’appoint ».
Une collaboration évidente avec Made in Design
Pour la distribution de la collection « Jeux de Salon », Lelièvre Paris a fait le choix de s’associer en exclusivité à Made In Design, qu’il considère comme un acteur majeur et décisif sur le marché du design actuel. Désireux de défendre le « made in France » et le savoir-faire français, ce partenariat semblait évident et surtout prometteur pour l’implantation du projet au sein du marché hexagonal. Pour Catherine Colin, cette collection « rappelle Sonia Delaunay dans ses formes et jeux de couleurs ». Un esprit joyeux et inventif que l’on retrouvait dans en novembre dans une exposition précédente en hommage au mouvement Memphis, pour laquelle la marque avait collaboré sur des exclusivités avec le Japonais Masanori Umeda.
Un design de haute facture, qui marie tradition, modernité et intemporalité, voilà ce à quoi tend Haymann Editions. En 2012, la maison se fait remarquer sur Maison et Objet avec une toute première collection conçue en collaboration avec un unique designer, Toni Grilo. Et il fallait oser ! Depuis, les signatures se multiplient, toutes orchestrées par le fondateur de la marque, David Haymann.
Si David Haymann fait ses premiers pas dans le monde du design sur le tard, il a cependant toujours été attiré par la créativité des autres. Fils d’une mère ayant travaillé dans l’univers du textile d’ameublement, avec des marques comme Souleiado ou Pierre Frey, David baigne alors déjà dans les prémices du décorum. Mais il prend la tangente en évoluant durant de nombreuses années dans l’informatique puis dans la grande distribution, histoire de ne pas être dans le sillon familial. « Je visitais tout de même Maison et Objet à chaque édition, avec cette envie inavouable d’exposer à mon tour en tant qu’éditeur ».
Au cours d’un séjour à Rio de Janeiro, David découvre le travail de Sergio Rodriguez et c’est le déclic. En rentrant en France, il prend la décision de changer de vie, cherche des designers brésiliens pour monter un projet de maison d’édition et rencontre alors Toni Grilo, installé au Portugal. En juin 2011, c’est avec aplomb que David et Toni se lancent dans l’aventure pour pouvoir exposer sur l’ancien Now de l’édition suivante de Maison et objet. David donne carte blanche au designer qui livre une dizaine de pièces pour ce premier lancement. L’incroyable pari est respecté !
Pas de collection mais de la cohérence…
…est le leitmotiv de Haymann Editions. L’éditeur travaille à la manière d’un décorateur, mais sans en avoir la casquette. Il imagine ses propositions de manière globale. Après le lancement de 2012 avec des pièces comme la lampe Marie ou la chaise Dartagnan qui fonctionnent très bien entre elles, il part à la recherche de designers qui travaillent le verre et la couleur et propose une collaboration à Lucie Koldova et Dan Yeffet. Le Wave stool est alors décliné en verre dans diverses finitions.
David approche par la suite le binôme David & Nicolas qui dessine des bureaux pour la maison. Vient le tour de Charles Kalpakian qui imagine des assises aux lignes épurées et très fonctionnelles. Les matériaux sont toujours au cœur du processus de développement de la marque. L’éditeur passe du marbre au liège, de l’inox au bois sans complexe et les marie avec harmonie.
Deux entités
Haymann Editions propose aussi une offre contract baptisée Hospitality en prime des pièces de la gamme Residential. La collection Cocorico, dessinée par le studio de design éponyme Cocorico Paris, présente une quizaine de produits. Traités en couleurs soulignées de noir, assises, table et autres accessoires font désormais partie d’une entité spécifique aux besoins de la collectivité.
Encore néophyte en termes de culture du design il y a quelques années, David a aujourd’hui gagné ses galons en tant qu’éditeur émérite et designer improvisé avec le fauteuil Victor aux accents seventies.
Après le report en mars de Maison & Objet, c’est le Salon du Meuble de Milan qui repousse à juin son édition 2022 et bouscule les agendas. Le point sur les prochains évènements.
Maison & Objet : Reporté du 24 au 28 mars 2022
Initialement prévu du 20 au 24 janvier 2022, le salon Maison & Objet, qui se tient au Parc des Expositions à Villepinte, a annoncé fin décembre le report de son édition initialement prévue fin janvier : celle-ci devrait se tenir au mois de mars, du 24 au 28 mars 2022. Cette nouvelle édition devait s’accompagner d’un parcours Maison&Objet In The City, qui est de ce fait également décalé du 23 au 28 mars. Pour le moment l’édition d’automne du salon est annoncée du 8 au 12 septembre, en même temps que la Paris Design Week.
Journées européennes des métiers d'art : annoncées du 28 mars au 3 avril 2022
Les JEMA 2022 sont maintenues du 28 mars au 3 avril 2022. À destination des passionnés des métiers d’arts et du patrimoine, les JEMA proposent chaque année de retrouver les professionnel partout en France et du 1er au 3 avril dans toute l’Europe.
Art Paris Art Fair : annoncé du 7 au 10 avril 2022
Art Paris Art Fair, après son édition de septembre en 2021, revient du 7 au 10 avril au Grand Palais Ephémère, en annonçant déjà 130 galeries (dont une partie dédiées au design) d’une vingtaine de pays. Cette année, un accent particulier sera mis sur les nouvelles approches de l’art centrées sur les relations au monde du vivant, à travers deux thématiques complémentaires, Histoires naturelles et Art & environnement. Elles seront associées à une démarche d’écoconception de la foire, une première dans le monde des salons d’art.
Wanted Design : annoncé du 15 au 17 mai 2022
Pour le moment, le salon new-yorkais Wanted Design, organisé au Jacob K. Javits Convention Center dans le quartier de Manhattan, se tiendra comme annoncé du 15 au 17 mai 2022. À noter que pour cette édition, le salon ICFF (International Contemporary Furniture Fair) sera également présent aux mêmes dates.
Salon du meuble de Milan : reporté du 7 au 12 juin
Les rumeurs des dernières semaines viennent d’être confirmées : la 60e édition du Salon du meuble de Milan (Salone del Mobile) qui devait se tenir du 5 au 10 avril a finalement bel et bien été décalée du 7 au 12 juin 2022. Comme l’a précisé Maria Porro, présidente du Salon, cette 60e édition devrait être fortement axée sur le thème de la durabilité.
Révélations : annoncé du 9 au 12 juin 2022
Annulé l’an passé, le salon Révélations – ou Biennale Internationale Métiers d’art et Création – est prévu du 9 au 12 juin au Grand Palais Ephémère. Créée par Ateliers d’Art de France, cette biennale est devenue un rendez-vous important de la création française et internationale pour y découvrir des œuvres inédites, mettre en lumière les savoir-faire des pays invités, et une occasion de rencontres entre professionnels, collectionneurs et amateurs éclairés.
Stockholm Furniture & Light Fair : reporté du 6 au 9 septembre 2022
Initialement prévu du 8 au 12 février, le salon scandinave a été reporté en raison de la crise sanitaire du 6 au 9 septembre. Pour les plus impatients, il sera tout de même possible de découvrir les marques de design nordiques en visitant showrooms et boutiques à l’occasion de la Stockholm Design Week qui elle est maintenue 7 au 13 février.
IMM Cologne : Edition 2022 annulée
L’édition 2021 du salon de Cologne avait été annulée en raison de la crise pour un report en physique du 19 au 23 janvier 2022… qui a elle-même été annulée. Les prochaines dates annoncées sont du 16 au 21 janvier 2023.
Les inscriptions pour participer à la 9e édition du concours de design Gainerie 91 sont ouvertes jusqu’au 28 mars 2022. Le thème de cette année s’intitule « Les bibelots du luxe »et demande aux participants de créer un gift original.
Le concours Gainerie 91 revient pour une 9e édition sur le thème des « Bibelots du luxe » et plus particulièrement sur les gifts, ces petit objets ou attentions remis gratuitement dans un but marketing. Véritables témoins de l’univers d’une marque, ils sont aujourd’hui au cœur de toute stratégie de communication et sont le meilleur moyen pour retenir l’attention. Ainsi, les candidats doivent se glisser dans la peau d’une marque de luxe et imaginer un gift original. Les secteurs d’activités concernés pour le concours sont : la joaillerie, l’horlogerie, les vins & spiritueux, la parfumerie, les cosmétiques, la petite maroquinerie. Les maquettes et prototypes seront évidemment appréciés par le jury.
Conditions de participation
Pour participer au concours, les candidats doivent être majeurs avec un statut d’étudiant ou avoir été diplômé depuis moins d’un an et résider en France. Aussi, ils ne doivent pas avoir participé directement ou indirectement à l’organisation du concours ou avoir travaillé pour Gainerie 91 par quelque biais que ce soit (stages, alternance, apprentissage, salariés, partenaires directs).
1er prix : 2500 € ou au choix, un lot de valeur équivalente et la mise en production de sa proposition avec 1 an de suivi par Gainerie 91.
2nd prix : 1500 € ou un lot de valeur équivalente au choix.
3e prix : 1000€ ou un lot de valeur équivalente, au choix.
Prix du Public : 800€ ou un lot équivalent, au choix.
Concours Gainerie 91 : les dates à retenir
28 mars 2022 : limite de dépôt des candidatures
4 avril au 30 mai 2022 : votes en ligne et sur Instagram pour le prix du public
28 avril 2022 : Présélection des 10 meilleurs projets
19 mai 2022 : Présentation des projets devant un jury et sélection des 3 meilleurs projets à l’issue de cette journée.
16 juin 2022 : Remise des prix
Pour plus d’informations, rendez-vous sur le site officiel du concours : https://concoursdesign.gainerie91.com
Kim Layani a fondé en 2017 l’agence Coppery qui croise architecture d’intérieur, objets de design et menuiserie au sein de ses projets. Une multitude de savoir-faire qui permettent de nombreuses possibilités pour un rendu qu’elle souhaite unique. La première collection de mobilier sortie en 2020, issue de la branche design de l’agence développée récemment, se base sur le concept de la semi-mesure.
Formée à l’école Penninghen de Paris et à l’institut MJM, l’interêt de Kim Layani pour l’architecture s’est développé dès son enfance. Issue d’une famille de créateurs, elle a été bercée au quotidien par l’univers de la mode. « J’ai grandi dans les crayons et le dessin. Petite, j’accompagnais ma mère dans son atelier de création et j’ai donc très vite commencé à dessiner. Mon envie de me diriger vers l’architecture a donc été assez évidente ». À la sortie de sa formation, elle travaillera pour Isabelle Stanislas et Jean-Michel Wilmotte, avant de se lancer dans sa propre aventure.
Coppery Design, une première collection de mobilier en « semi-mesure »
La première collection de mobilier issue de la branche design de Coppery Architecture est le reflet de l’univers de Kim Layani : un mélange de matières nobles comme le cuivre (sa matière de prédilection qui a donné le nom de l’agence), le laiton, le velours, le bois, le marbre… qui cohabitent ensemble pour un rendu toujours plus distingué. Les pièces de la collection sont toutes « semi-mesurables », c’est-à-dire qu’elles sont toutes personnalisables avec la seule condition de ne pas changer le design du produit. Une possibilité de personnaliser qui offre aux clients un choix de la matière, des tissus et des couleurs utilisées. Et une forme de liberté que la jeune femme veut développer aussi bien pour ses clients que pour ses collaboratrices : « Toutes les idées de création sont bonnes, c’est pourquoi je souhaite offrir une liberté à chacune de mes cheffes de projet. Evidemment, je peux avoir un avis tranché, mais elles ont toutes leur mot à dire. »
Une inspiration venue d’autour du monde
L’agence, située à Paris, oscille entre showroom, bureau d’architecte et matériauthèque. Ainsi, le premier étage comprend les bureaux et une partie du mobilier tel que l’imposant canapé Snake, la chaise Nest, le Bubble sofa, la lampe Cubic ou la table Asbloc. Les marches qui mènent au sous-sol offrent un espace qui se définit selon Kim comme le lieu « où tout se joue ». Les premières discussions, les propositions et les plans des projets d’architecture y sont pensés et proposés en ces murs. L’espace regorge d’échantillons de matières et de couleurs différentes, transformant le lieu en un cocon de création dans lequel le client se livre et peut faire ses choix. « Notre objectif est de découvrir qui est le client, ce qu’il recherche en réussissant à rentrer dans sa tête. Avec de tels projets, nous entrons dans leur intimité et nous devons leur proposer quelque chose qui fasse ressortir au maximum leur univers. » témoigne l’une des cheffes de projet, Eléa Kelly.
Si elle s’inspire de ses expériences passées pour forger son identité et faire valoir ses principes au sein de son agence, Kim Layani puise beaucoup dans ses souvenirs de voyage dans son processus de création. Les lumières, les ambiances, les couleurs et les paysages des endroits qu’elle a eu l’occasion de visiter nourrissent un panel d’idées et font ressortir un maximum de choses nouvelles. « J’ai cette volonté de faire du beau tout en restant la plus inventive et originale possible dans mes créations. Mon objectif est de pouvoir me démarquer en créant un ADN qui sera distinguable et propre à la maison Coppery ».
Label Famille est un label de création fondé en 2017 par Camille Zonca et Cyril Quenet. Leurs spécificités ? Associer à la fois l’art, le design, le conseil et la stratégie au sein de ses contenus pour retranscrire l’identité d’un client. Le film 1601 MN 2021 dévoile un exemple de collaboration intéressante avec le Mobilier national.
Penser la communication à travers la création artistique, en faisant travailler différents corps de métiers ensemble, c’est l’objectif que s’est donné Label Famille au moment du lancement du label. « On a eu envie de créer un modèle de studio qui puisse fonctionner de manière pluridisciplinaire en retirant les frontières entre les différents métiers de la création » témoigne Camille Zonca. Aujourd’hui, Label Famille rassemble plus de 40 indépendants et 15 métiers différents qui collaborent ensemble pour réaliser des œuvres collectives.
Le film 1601 MN, dont le titre est symboliquement choisi en écho à l’année de création du Mobilier national, est le fruit d’un long travail collectif et réfléchi. Un partenariat qui s’inscrit dans la continuité de la transformation d’image de cette institution ancrée dans le paysage de la création artistique française.
1601 MN de Label Famille : une vidéo qui associe création et circularité
Le film 1601 MN, dont le titre est symboliquement choisi en écho à l’année de création du Mobilier national, est le fruit d’un long travail collectif et réfléchi. Le recours à Label Famille s’inscrit dans la continuité de la transformation d’image de cette institution ancrée dans le paysage de la création artistique française. Conçu en étroite collaboration avec l’équipe de communication, le film 1601 raconte en 2 minutes 24 l’institution qu’est le Mobilier national. Un temps court, qui traduit pourtant une minutie dans le choix des plans, des couleurs, de la lumière, du montage… Le cercle, formé par l’ascension des escaliers de l’institution, se démarque en tant qu’angle et fil rouge de la vidéo. Présent tout au long de la vidéo sous différentes formes et divers aspects, il symbolise le mouvement circulaire du temps qui passe, des collections exposées qui se renouvellent et des œuvres qui sont régulièrement restaurées. Un propos qui traduit la volonté du Mobilier national de se réinventer et de s’ancrer dans la modernité, à l’ère du numérique. Plus qu’une classique vidéo de promotion, le film, pensé comme un court-métrage de cinéma – donc en lui-même un objet artistique – fait ressortir l’unicité de l’institution. Et c’est précisément ce que propose le concept fondateur de Label Famille : communiquer autrement, transmettre par le prisme de l’art.
Le film est réalisé par Alexandre Silberstein, désigné par Rebecca Renault et Toco Vervisch (design sonore). À la Direction artistique : Cyril Quenet et Camille Zonca. Post Production : Everest.
Une offre focalisée sur l’identité
En parallèle de ce projet, depuis sa création, Label Famille a su démontrer son savoir-faire créatif à travers nombres de collaborations notables. Parmi son palmarès, on citera deux vidéos réalisées pour Boucheron mais également des réalisations pour de grandes entreprises nationales telles que SNCF réseau, Bouygues Immobilier ou Hermès. Un travail fastidieux et réfléchi, à distinguer de la publicité : « Nos projets ne sont pas des pubs, ce sont des films d’art. Ce qu’on souhaite, c’est créer un imaginaire visuel de l’institution qu’on présente ».
Fortement axés sur l’identité, Label Famille a également développé une offre de création d’un objet identitaire. Inspiré du principe d’un logo qui permet de faire valoir les valeurs et l’image d’une entreprise, cet objet part du même principe, mais en devenant un objet physique. L’agence s’appliquant ce principe, La bouteille LF de 350 ml est par ailleurs le fruit de ce concept et symbolise Label Famille. De même, ils ont ainsi réalisé la pince re-dessinée et produite en 50 exemplaires à l’occasion des 250 ans de l’Ecole des arts décoratifs de Paris, école où le duo a d’ailleurs été formé.
Ces principes de création et des valeurs fortes sont expliqués et défendus dans leur livre-manifeste intitulé « Artistes Corporate » (éditions Débats Publics), dans lequel Camille Zonca et Cyril Quenet tentent de faire valoir l’importance de l’art en tant que levier de création, en se basant sur les projets menés avec Label Famille. Un positionnement très novateur, qui vient bousculer de façon très réjouissante les mécanismes bien huilés des stratégies marketing.
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