Salon Watches&Wonders : Montres et Merveilles
Scénographie du stand Hermès au Salon Watches & Wonders 2022 à Genève (Suisse) © Alicia Dubuis

Salon Watches&Wonders : Montres et Merveilles

Watches&Wonders Geneva, le salon de l’horlogerie de Genève qui s’est tenu du 30 mars au 5 avril 2022, a dépassé toutes les espérances et s’est clôturé avec les meilleurs chiffres.


Les marques internationales ont encore une fois démontré leur capacité à créer et à innover avec une exposition de 40000 m2 de montres et bijoux et des millions de vue sur les réseaux sociaux. Sa première édition remonte à 1991 avec cinq marques installées sur 1 000 m2 à l’initiative de Alain Dominique Perrin, alors PDG de Cartier. Le SIHH, Salon International de la Haute Horlogerie, a été officiellement renommé Watches&Wonders Geneva en 2020, parallèlement à l’introduction d’une nouvelle formule.

Scénographie du stand Van Cleef & Arpels par Jean-Baptiste Auvray au salon Watches & Wonders 2022 à Genève (Suisse) © Picobello Studio

L’industrie de la montre a encore une fois montré sa force, réussissant à réunir 38 marques sur des stands à la hauteur de leur chiffre d’affaires. Sous cette nouvelle appellation Watches&Wonders Geneva, l’industrie suisse a confirmé la force de ses maisons qui ont réussi à vendre leurs nouveautés, montres, bijoux, automates…avant même que le salon ne soit terminé, laissant traîner un petit sentiment de pénurie. 22000 visiteurs, 1000 journalistes, ont assuré à eux seuls 30000 nuits sur Genève. Parmi les 38 marques, 19 étaient de nouveaux arrivants faisant vibrer la semaine d’un dynamisme extraordinaire avec des échanges sur la durabilité, l’innovation et l’expérience client. Le LAB exposait quinze initiatives des marques sur de nouveaux moyens de calculer l’heure, l’utilisation de nouveaux matériaux.

Scénographie du stand Hermès au Salon Watches & Wonders 2022 à Genève (Suisse) © Alicia Dubuis

L’impact de cette réunion internationale a été estimée à 350 millions de personnes avec 800000 posts mentionnant le hashtag watchesandwonders et permettant à 2600 journalistes du numérique accrédités (les digital journalists) de suivre les événements depuis le « salon live ». Grâce à ce format « physical et digital », en présentiel et en video, l’industrie horlogère a démontré sa capacité d’adaptation à l’évolution des mœurs et sa résistance aux menaces de Covid, avec agilité et créativité.

Scénographie du stand Hermès au Salon Watches & Wonders 2022 à Genève (Suisse) © Alicia Dubuis

Côté tendance, le platine se conjugue à l’or jaune dans des accords très populaires. Le Titane se répand. Les couleurs de base restent le bleu et le vert même si le noir version mat ou brillant fait un retour remarqué. Le orange, le corail et le rouge se limitent à quelques pièces tout comme le mineral, le beige et les ombres vert forêt. En attendant l’édition 2023, toute la profession attend avec impatience le Watches and Wonders Shanghai qui doit se tenir du 7 au 11 septembre 2022, si un reconfinement n’est pas envisagé.

Scénographie du stand Hermès au Salon Watches & Wonders 2022 à Genève (Suisse) © Alicia Dubuis
Scénographie du stand Hermès au Salon Watches & Wonders 2022 à Genève (Suisse) © Alicia Dubuis

Ambiance forestière

Van Cleef, sous la direction de Nicolas Bos depuis 2013, avec une scénographie de Jean-Baptiste Auvray brillait par l’originalité de son stand. Ambiance forestière et aquatique assurée grâce au travail des 12000 pampilles en verre coulé de Matteo Gonet, vitrier à Arlessheim en Suisse et Salviati 1859, verriers de Murano. Le visiteur était invité à se promener et à se perdre dans un bois habité d’une nature bienveillante où animaux et pièces horlogères et joaillerie cohabitaient grâce au savoir-faire d’artisan d’art à la maîtrise parfaite qui de la marqueterie de koto pour les troncs des arbres, qui du tuftage pure laine naturelle du massif d’herbes hautes ou dans la perspective d’un sous-bois avec papillons, fleurs et oiseaux sur de grandes tapisseries en point d’Aubusson. Un plongeon dans un décor fort et immersif respectant le niveau de qualité de la marque. Pour Jean-Baptiste Auvray, « l’utilisation de l’artisanat dans l’architecture même temporaire permet de travailler avec des matériaux moins transformés, plus proche de leur état et de leur localisation naturelle et rend le projet par conséquent plus durable. Moins polluant également avec des éléments qui seront utilisés comme gisement dans la suite de leur cycle de vie. »

Scénographie du stand Van Cleef & Arpels par Jean-Baptiste Auvray au salon Watches & Wonders 2022 à Genève (Suisse) © Picobello Studio

La majorité des fabrications réalisées seront conservées et réutilisés pour de futures opérations. » Les valeurs du travail de la main, de la matière sont portées depuis plus de 10 ans par l’agence Faire. Elles lui permettent de réaliser des projets importants pour de belles maisons qui adhèrent à sa vision de l’architecture et comprennent les enjeux et les avantages de travailler au plus proche des artisans d’art. C’est ainsi que la marque Ulysse Nardin, fondée en 1846, lui a également demandé de faire la scénographie de son stand, tout en verre, dorure et lumière pour des montres caractérisées par la maîtrise exceptionnelle du silicium. La Black Ceramic en 45 mm associe titane et DLC noir et case en or rose. Les six vis sont visibles à travers un verre saphire légèrement bombé qui indique les heures et les minutes dans un mouvement de rotation permanent. Le bracelet en peau d’alligator noir ou en veau doré est en série limitée à 75 éditions. Pour marquer le stand dans lequel personne n’osait entrer, le CEO, Patrick Pruniaux, avait fait placer un surprenant requin en métal aux dents longues.

Scénographie du stand Ulysse Nardin par Jean-Baptiste Auvray, au salon Watches & Wonders 2022 à Genève (Suisse) © Loic Salfati

Des temporalités contraires

Dans le Carré des Horlogers, Trilobe, la toute jeune marque de Gautier Massoneau et Volcy Bloch, DG, présentait une folle Journée, une montre à trois plateaux en rotation à 10.2 mm de hauteur, sous un globe en cristal, une réelle prouesse horlogère. Dans ce stand signé Procept, concepteur et réalisateur d’événement, qui se voulait casser les codes du luxe et remettre en question quelques habitudes comme lire l’heure avec des aiguilles, ce sont surtout les assises, Rock on the Moon, quatre boules de mousses enveloppées de textile de Toyine Sellers, (Atelier of Textile and Design) et dessinées par Fabrice Ausset, qui faisait réagir un public en recherche de confort,  sur des rochers séculaires pour lire un temps novateur et associer des temporalités contraires.

Stand Trilobe, Salon Watches & Wonders 2022 à Genève (Suisse)

Sur le stand Hermès, la marque faisait la part belle à l’art numérique avec une œuvre de l’artiste Sabrina Ratté. « Dans cette installation, explique-t-elle, je voulais évoquer la manière dont les nouvelles technologies comme les images satellites font évoluer notre perception du temps et de l’espace. » Laurent Dordet, directeur général de Hermès Horloger précisait quant au positionnement de la marque : « Nous essayons de nous adresser non pas à une génération mais à toutes les générations. Nous créons les objets dans lesquels nous croyons et qui nous font plaisir. » Innovation, transparence, économie circulaire et bien sûr développement durable étaient au cœur de ce salon du Metaverse.


Rédigé par 
Bénédicte Duhalde

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Temps de lecture
5/1/2026
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Amazing : l’extraordinaire est un savoir-faire

La frugalité n’implique pas la médiocrité. Bien choisir l’objet de ses désirs, c’est aimer pour durer, durer pour aimer, préférer le savoir-faire au savoir paraître, l’excellence à la nouveauté. Dans un temps court où tout se vaut, mettant sur un pied d’égalité toute chose créée à partir de bonnes intentions, « Intramuros » célèbre, une fois de plus, le goût du beau, du bien fait et du durable. Qu’ils soient designers, horlogers, galeristes, éditeurs ou industriels, de Jean-Marie Massaud à Lehni en passant par Richard Mille, Flos ou la galerie kreo, tous ont comme point commun l’extrême exigence, le culte de la rigueur au service de la création d’objets ludiques et utiles. Une forme de nouvelle excellence n’ayant aucun besoin de matières précieuses, lourdes ou encombrantes : elle s’exprime d’abord dans la précision, la légèreté, la circularité, l’innovation au service du l’usage, rationnel ou pas. Ni style ni label, l’excellence ne se proclame pas, elle se pratique. À l’heure où l’image circule plus vite que les idées et où la nouveauté prend trop souvent le pas sur la valeur réelle de l’idée et de son exécution, rappeler ce que signifie réellement le savoir-faire devient un acte nécessaire, valorisant une intelligence collective qui refuse de cloisonner création et industrie, usage et poésie, éthique et audace, sobriété et ambition, désir et responsabilité.

Sommaire

Design 360

Design story


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Studio Œ, matières en exploration
CPRV, Le minimalisme comme bagage
Sophia Taillet, au service de l’émotion


Fritsch-Durisotti, le design sans limites
Keiji Takeuchi, l’art du simple et du sensé.
Samuel Accoceberry Clair-obscur
Adrian Bursell, cocktail scandinave

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Thom Browne, élégance subversive
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Carré Bleu : l’excellence à la française
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Jean-Marie Massaud : séduire pour durer
Quiet Luxury, Force tranquille


Arts sur table
Matières sensibles
Prix Liliane-Bettencourt : récompenser l’excellence
Bottega Veneta : l’audace comme signature
Steinway & Sons. Haute symphonie
L’horlogerie hors des gonds
Bugatti : hyperbolique

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Laboratoire des pratiques durables
Vers une nouvelle grammaire des matériaux


In the air

Technogym x Intramuros : un concours pour imaginer la Home Gym du futur
Paris Déco Off et Paris Déco Home 2026 redonnent la main aux artisans
Shoppe Object bouscule Paris
Au Mobilier national, l’exposition anniversaire célébrait l’art de faire ensemble
Rivalen, fabricants français de luminaires durables.
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17/12/2025
MAISON PERRIER® Art Prize lance sa première édition

Avec le MAISON PERRIER® Art Prize, Perrier crée un concours international pour soutenir et accompagner les artistes émergents en arts visuels.

Héritière d’un nom historiquement associé à la finesse des bulles, MAISON PERRIER® s’inscrit aujourd’hui dans une nouvelle dynamique, tournée vers la création contemporaine. Lancée en 2023–2024 comme une entité à part entière distincte de la marque Perrier, MAISON PERRIER® prolonge toutefois un dialogue de longue date entre la maison et le monde de l’art. De l’Américain touche-à-tout Andy Warhol au publicitaire français Raymond Savignac, jusqu’à Philippe Starck qui célébrait en 2023 les 160 ans de la petite bouteille verte. C’est dans cette continuité que la marque annonce la première édition du MAISON PERRIER® Art Prize, un concours imaginé pour soutenir la nouvelle scène des arts visuels, avec une attention particulière portée à la peinture et au dessin. L’occasion pour Maison Perrier d’accompagner des artistes émergents en leur offrant un soutien financier et une visibilité internationale.

Pour cette première édition, l’entreprise s’est entourée d’un jury aux profils diversifiés :

  • Laurent Le Bon, président du Centre Pompidou à Paris
  • Fabrice Bousteau, critique d’art, journaliste, conservateur et rédacteur en chef de Beaux Arts Magazine et du Quotidien de l’Art
  • Jimena Blázquez Abascal, directrice du Centro Andaluz de Arte Contemporáneo (CAAC) à Séville
  • Cathia Lawson-Hall, cofondatrice du Comité d’acquisition Afrique du Centre Pompidou
  • Thomas E. Moore III, directeur exécutif de l’American Friends of the Louvre

Un corpus présidé par l’artiste ghanéen Amoako Boafo, figure majeure de l’art contemporain et reconnu pour ses portraits monochromes réalisés au doigt. Un travail pictural qui a valu, à cet ancien étudiant de l’Académie des Beaux-Arts de Vienne, le prix Walter Koschatzky Art Prize.

Un prix destiné aux artistes

Ouvertes jusqu’au 31 mars à minuit, les candidatures sont destinées aux artistes âgés d’au moins 25 ans et titulaires d’un diplôme en école d’art ou d’un établissement d’enseignement supérieur en arts plastiques, arts appliqués ou design graphique. La sélection s’appuiera sur un portfolio d’œuvres originales réalisées au cours des cinq dernières années, accompagné d’un court texte présentant la pratique, les influences et les ambitions des candidats. Le lauréat de cette première édition sera désigné courant mai par Amoako Boafo. Il bénéficiera d’une résidence artistique et d’un programme de mentorat de six semaines à Accra, au Ghana, au sein de la résidence dot.ateliers fondée par l’artiste. Ce premier temps d’accompagnement se poursuivra en 2027 avec la création d’une édition limitée MAISON PERRIER®, destinée à révéler la vision du lauréat au public international. Une perspective réjouissante, qui mériterait sans aucun doute un petit verre de bulles.

L'artiste Amoako Boafo ©MAISON PERRIER® Art Prize
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5/12/2025
Le nouvel hommage coloré de Monoprix aux années 70

Pour son troisième acte dédié au patrimoine de l’enseigne Prisunic, Monoprix signe un ensemble de rééditions emblématiques des grands noms du design des années 70. L’occasion pour la marque de réaffirmer son lien avec le design et son rôle de passeur entre patrimoine et création contemporaine, sur fond de création accessible à tous.

Pour la troisième fois, Monoprix célèbre le design des années 70 avec une nouvelle collection capsule. Majoritairement issues des catalogues Prisunic, les assises en tubulaire, les tables laquées et les luminaires aux courbes généreuses composent cette édition fidèle et contemporaine, teintée de couleurs pop. L’occasion pour Odil Mir, Jean-Pierre et Maryvonne Garrault ou Henri Delord de signer quelques variations de leurs créations, faisant dialoguer héritage et modernité. En charge de cet événement, Cécile Coquelet, directrice de la création chez Monoprix et responsable du bureau de style, de l’image, du merchandising et des collaborations, a répondu à cinq questions pour mieux cerner les enjeux de cette joyeuse collection, visible jusqu’au dimanche 7 décembre au 5 rue Saint-Merri, dans le 4ᵉ arrondissement de Paris.

©Monoprix


Cette présentation était le troisième acte des rééditions Prisunic. Pourquoi avoir voulu de nouveau faire la part belle aux années 70 ?

Effectivement, nous avions déjà consacré la première édition à cette décennie en 2021, parallèlement à une grande exposition qui avait eu lieu au Musée des Arts Décoratifs de Paris pour les 90 ans de Monoprix, puis en 2023 pour la seconde édition. À chaque fois, nous nous sommes intéressés aux années 70 car elles résonnent beaucoup avec les tendances actuelles. C’est une période où le design était très gai, que ce soit par les tubulaires en acier ou les couleurs pop. C’est ce que nous recherchons dans nos rééditions. Les pièces seventies n'ont pas pris une ride. A l’époque elles étaient modernes et design, aujourd'hui elles sont rétro et design, et c'est ce qui plaît !


Pour cette nouvelle édition, vous avez choisi de mettre à l’honneur les créations d’Odil Mir, de Jean-Pierre et Maryvonne Garrault, d’Henri Delord, ainsi que celles du studio Prisunic. Pourquoi cette sélection d’artistes ?

Odil Mir était à l’époque l’une des rares femmes designers présentes dans le catalogue Prisunic. Mais c’est aussi sa vision qui nous a intéressés, puisqu’elle est sculpteuse de formation, et cela se retrouve beaucoup dans ses objets. Ils sont à la fois sculpturaux et organiques, ce qui apporte une vraie légèreté. Ce mélange en a fait une figure importante des années 70.
Concernant Jean-Pierre Garrault, c’est un créateur qui était d’abord peintre, mais qui a vraiment touché à tout. Avec sa femme, Maryvonne, ils ont été designers textile et ont assuré, entre autres, la direction artistique de Formica. Et puis, au-delà du fait que nous rééditions ses pièces pour la troisième fois, il a aussi mené des collaborations très intéressantes avec Henri Delord, que nous souhaitions également remettre à l’honneur.


Dans quelle mesure avez-vous retravaillé les pièces avec les designers ?

Il y a toujours un travail de recherche que nous menons en interne. Cela passe par les catalogues que nous rachetons ou par des propositions issues des archives personnelles des designers. Il faut comprendre que certaines pièces n’ont jamais été éditées, ou alors en très peu d’exemplaires. C’est le cas des pièces d’Odil Mir. Quoi qu’il en soit, cela nous oblige généralement à refaire les fiches techniques. C'est un travail assez laborieux, mais qui nous permet aussi de rencontrer les designers, mais aussi de collaborer avec Yves Cambier, Francis Bruguière et Michel Cultru, les fondateurs de Prisunic. Ce sont souvent de longs échanges pour déterminer les bonnes couleurs, proches des originales, et comprendre comment l'objet était réalisé à l’’époque. Mais il arrive que nous soyons amenés à modifier des pièces qui se sont arrêtées au stade de prototypes. Je pense notamment à la lampe Lune de Jean-Pierre Garrault, qui était à l'origine en plastique. Outre le fait que ce soit très polluant, le plastique est inenvisageable pour de petites séries de 50 à 400 pièces puisque concevoir un moule pour si peu ne serait pas rentable. Nous avons donc opté pour de l'opaline. Finalement, on réfléchit beaucoup, avec la volonté d’être toujours au plus proche du dessin des années 70.

©Monoprix


Dans l’exposition visible jusqu’à dimanche, on retrouve d’autres typologies d’objets. Pourquoi avoir cette diversité ?

Pour la simple raison que Prisunic proposait un éventail d’objets très varié. Par exemple, au milieu des années 50, Andrée Putman avait réalisé des lithographies d’œuvres d’art en séries très limitées et vendues à 100 francs l’unité. En 2025, nous avons réédité des affiches dessinées par Friedemann Hauss en 1969. À l’époque, on retrouvait des motifs Prisunic sur toute une série de petits objets, notamment de la papeterie. C’est ce que nous avons refait pour ce troisième acte, avec des typologies allant du tablier au sac cabas, en passant par la vaisselle.
D’ailleurs, lorsque l’on parle d’archives, c’est vraiment cela. Le motif que l’on retrouve par exemple sur les assiettes provient d’un motif que notre graphiste Lucie Lepretre a retrouvé au cours d’une brocante sur de vieux objets Monoprix, et qu’elle a redessiné.


On parle de Prisunic et de rééditions, mais Monoprix c’est également des collaborations avec des designers contemporains. Comment cela s’articule ?

Pour bien comprendre, il faut remonter un peu en arrière. Monoprix a été créé en 1931 par les Galeries Lafayette et Prisunic en 1932 par le Printemps. Longtemps, il y a eu une course à l’inventivité, mais Prisunic s’est rapidement distingué avec une première collaboration avec Terence Conran en 1969. Ce fut le début de 18 éditions de catalogues où se sont succédé les designers. Le grand tournant a lieu en 1997 lorsque les deux marques fusionnent. Prisunic garde son bureau de style et Monoprix sa centrale d’achat. De cette fusion naît une première collaboration en 2000, en faisant de nouveau appel à Terence Conran. Puis il y a eu un vide pendant plusieurs années, avant que nous ne décidions de relancer ces collaborations avec India Mahdavi, Axel Chay et Jean-Baptiste Fastrez, mais aussi un partenariat avec l’École Camondo, le magazine Milk ou encore la chanteuse Jain.
L’idée, c’est d’étonner les clients avec de nouvelles choses. Nous sommes très libres, mais avec une stratégie commune : rendre le beau accessible à tous. Et c’est ce que nous avons souhaité avec la collection visible jusqu’à dimanche, rue Saint-Merri à Paris.

©Monoprix
Temps de lecture
5/12/2025
Julie Richoz enrichit sa collection Cicala pour Tectona

Huit ans après le lancement de Cicala, initialement composée d’une chaise et d’une table à manger, la designer Julie Richoz s’est réapproprié la collection pour imaginer cette fois un salon de jardin. De nouvelles pièces qui associent teck et inox, dans la continuité du travail entamé en 2017.

« Quand j’ai imaginé cette collection, j’avais envie de rendre le teck plus aérien et dansant, car je trouve qu’il est souvent associé à quelque chose d’assez lourd », explique Julie Richoz en évoquant la genèse de Cicala, lancée par Tectona en 2017. Mise au défi de revisiter cette collection pour en proposer une déclinaison, elle signe cinq nouvelles pièces : un fauteuil, deux canapés 2 et 3 places, ainsi qu’une table basse et une table d’appoint en granit. Comme pour les premières pièces, l’ensemble est empilable pour toujours plus de praticité. Le tissu des canapés sera proposé dans une version sable, avec la possibilité de le personnaliser selon les besoins ou les projets. Julie Richoz dévoile ici des pièces aux lignes rondes et aux volumes généreux, qui n’attendent plus que le retour des beaux jours pour briller !

À gauche : première partie de la collection Cicala, composée de la chaise et de la table à manger © Tectona / À droite : le nouveau fauteuil de la collection Cicala © Tectona

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