Les Grands Prix de la Création 2024 : des savoir-faire au goût du jour
Atelier Sumbiosis et Harumi Sugiura

Les Grands Prix de la Création 2024 : des savoir-faire au goût du jour

La ville de Paris remettait, mardi 17 septembre, les Grands Prix de la Création 2024. Une récompense imaginée pour valoriser des créations en cohérence avec les enjeux sociétaux.

A Paris, berceau des métiers d’Art, les savoir-faire d’hier ont été récompensés pour répondre aux enjeux de demain. Mardi, la mairie de Paris récompensait sous les ors de la salle des fêtes de la mairie, huit Grands Prix de la Création destinés aux domaines du design, de la mode et des métiers d'art. Une manière de « soulever des enjeux sociétaux et notamment environnementaux » décrit Nicolas Bonnet-Oulaldj, adjoint de la mairie de Paris en charge du commerce et de l'artisanat. Une ambition portée par des fabrications locales et énergiquement pauvres, mais aussi par des questionnements quant au travail et au sourcing de la matière. Accompagnés par leurs présidents de jury, les lauréats ont reçu une dotation de 18 000€ destinée à pérenniser leurs entreprises naissantes.

L'une des pièces issue du monde étonnant de Marlène Huissoud

Le design qui prend forme

Cette année, le jury design présidé par Constance Guisset – designeuse elle-même récompensée en 2017 – a souhaité « privilégier des personnalités au clair dans leurs avancées, tant dans leur rapport à l'artisanat qu'à l'industrie ». Wendy Andreu a ainsi été récompensée du Prix révélation pour son travail de développement d'un textile ni tricoté ni tissé, mais collé destiné notamment à la 2D comme à la 3D. Marlène Huissoud repart de son côté avec le Prix engagement pour ses créations sculpturales à destination des pollinisateurs. « Un travail de fourmis à destination des insectes, mes premiers clients » s'amuse la créatrice.

Avec sa technologie textile, Wendy Andreu réinvente la technique même de l'assise

La mode qui rhabille les habitudes

Côté mode, le jury présidé par le fondateur de la marque Pigalle, Stéphane Ashpool, a souhaité insuffler « un élan de développement aux structures ni trop récentes, ni trop installées. » Un parti-pris pour lequel Lucille Thièvre, qui a fait ses débuts chez Hermès et Givenchy s'est vu attribuer le Prix révélation pour ses pièces féminines et inclusives. Mossi Traoré, figure confirmée de la scène mode et fondateur des Ateliers d'Alix reçoit quant à lui celui de l'engagement pour ses conceptions textiles à base de matière organique. À noter également le Prix accessoires attribué au jeune créateur de 22 ans, Philéo Landowski, qui explique mêler « la forme identitaire et le confort de chaque chaussure, par une approche structurelle de l'objet », et le Prix accessoires bijoux remis à Kitesy Martin pour sa marque de bijoux confectionnée à partir des stocks dormant de grandes maisons de couture. Une manière de faire naître « des associations inattendues et de nouveaux équilibres. »

L'une des créations de Philéo Landowski, entre chaussure classique et œuvre contemporaine

Les métiers d’art d’hier repensés pour demain

Enfin, le jury des métiers d'art porté par le regard de Chloé Nègre selon qui « les dossiers sélectionnés ont eu pour point commun de faire un pas de côté pour aborder la création par une approche centrée sur la recherche », a remis deux récompenses. La première dans la catégorie révélation pour Antonin Mongin. Créateur surprenant, le docteur en design s'est penché sur les cheveux et leur valorisation par le biais d'objets quotidiens comme des sacs ou des bijoux. Une pratique courante au XIXe siècle qu'il développe sous un jour nouveau pour remplacer la fourrure animale. Côté engagement, le prix a été décerné à Tony Jouanneau, designer produit tourné vers l'écoconception et le biodesign illustré récemment par la création d'une teinte naturelle à base d'une espèce invasive d'oursins au Japon.

Autant de talents à suivre, qui, au-delà des savoir-faire, participent depuis près de trente éditions, à l'ouverture de nouvelles pistes.

Réalisé à base de cheveux, cet objet d'Antonin Mongin pourrait inspirer des alternatives dans l'univers de la haute couture
Rédigé par 
Tom Dufreix

Vous aimerez aussi

Temps de lecture
29/8/2025
SuperOven black edition d'Unox Casa : marier luxe, design et performance

Référence dans le secteur de la cuisine depuis sa sortie, le SuperOven d’Unox Casa s’est vite imposé comme la vitrine du concept de StartedLiving de la marque, qui transforme la cuisine en pièce centrale de la maison, tout en proposant un produit qui allie design et technologies de pointe.

Transformer la cuisine en une scène étoilée, voilà l’idéal qu’Unox Casa souhaite créer grâce à ses produits. La marque, initiatrice du concept « StartedLiving », une philosophie qui consiste à mettre en avant l’excellence culinaire à travers des cuisines dotées des meilleurs équipements, replace ainsi la cuisine au cœur de la maison pour redéfinir l’expérience culinaire. Avec la sortie du SuperOven qui a su faire parler de lui de par son esthétique mais également par ses nombreuses fonctionnalités techniques, UnoxCasa a d’autant plus renforcé l’idée selon laquelle une cuisine domestique peut être aussi qualitative qu’une cuisine de chef étoilé.  

© Unox Casa

Un design manifeste au cœur de la maison

À rebours de la tendance des cuisines invisibles, la marque a assumé un parti pris audacieux au sein duquel le design est affirmé et place l’appareil au centre de l’espace cuisine. Dans sa version totem, le SuperOven devient un véritable pivot, à la fois visuel et fonctionnel, où élégance et technologie fusionnent. Plus qu’un simple appareil, il incarne une nouvelle manière de penser la cuisine qui devient un véritable lieu de partage, de création et de mise en scène. Avec sa Black Edition, Unox Casa renforce cette idée de personnalité marquée, où l’on dépasse la simple fonctionnalité pour proposer un art de vivre total, où l’excellence culinaire devient le centre de gravité du luxe domestique.

Temps de lecture
1/9/2025
Une exposition inédite pour fêter les 40 ans d’Intramuros !

À l’occasion de ses 40 ans, Intramuros rouvre les portes de l’Intramuros Café Galerie pour une exposition exceptionnelle, à découvrir du 6 au 8 septembre lors du salon Who’s Next Home.

C’est à la Porte de Versailles, en parallèle de la première édition de Who’s Next Home, qu’Intramuros a choisi de présenter une sélection d’objets signés par de designers que le magazine souhaite accompagner et valoriser. Cette exposition sera non seulement l’occasion de découvrir le numéro anniversaire dédié aux 40 ans du magazine - qui a la particularité d’avoir Philippe Starck comme rédacteur en chef invité - mais aussi de (re)découvrir des pièces et objets emblématiques du design contemporain.

Une sélection pointue

Pour cette exposition exceptionnelle organisée sur le salon Who’s Next Home, l’équipe du magazine a oeuvré pour proposer une sélection offrant une vision du design qui soit la plus éclectique possible en faisant appel à des designers  français ou internationaux, dont la pratique reflète ce que peut être le design dans son sens le plus large. Ainsi, ils sont plus d’une trentaine à avoir répondu présent à l’appel d’Intramuros et seront mis l’honneur lors de ces trois jours d’exposition, à savoir : Athime de Crécy, Victoria Wilmotte, Julien Renault, Ludovic Roth, Leonard Kadid, Simone Bonanni, Benjamin Graindorge, Wendy Andreu, John Tree, Daniel Rybakken, Jean-Baptise Fastrez, Pierre Castignola, Zyva Studio, Florent Coirier, Martin Laforêt, Cluzel/Pluchon, Linde Freya Tangelder (Destroyers/Builders), Gregory Lacoua, Laurids Gallée, Jean-Baptiste Durand, Studio 5.5, Axel Chay, Guillaume Delvigne, BrichetZiegler, Maria Jeglinska- Adamczewska, Samuel Accoceberry, Marie et Alexandre, Panter&Tourron, Julie Richoz, Nicolas Verschaeve, Adrien Messié et Alessandro Stabile.

Cette sélection, à retrouver dans le numéro 225 spécial 40 ans, présente les talents d’aujourd’hui et de demain auxquels nous croyons. La galerie sera ouverte durant les trois jours du salon Who’s Next Home à Porte de Versailles au sein du Hall 1, de 9 h à 19 h le samedi et le dimanche et de 9h à 18h le lundi. Nous espérons vous voir nombreux pour partager ensemble ce moment et souffler les 40 bougies d’Intramuros !

Temps de lecture
27/8/2025
Delcourt fête ses 30 ans !

La marque éponyme fondée par Christophe Delcourt fête ses 30 ans. L'occasion de revenir sur son évolution et son style.

Et avant le mobilier en bois, il y eut les planches. Aujourd'hui connu pour avoir créé sa marque éponyme, c'est dans l'univers du théâtre que Christophe Delcourt s'est d’abord familiarisé avec la création. Alternant entre comédien et décorateur scénographe pendant près de 10 ans, c'est en tant que spectateur que le déclic lui vient. « Je m'en souviens bien, c'était devant Le Récit de la servante Zerline, aux Bouffes-du-Nord, à Paris. Jeanne Moreau est arrivée sur scène, s'est assise à une table et a ouvert un torchon pour y éplucher une pomme durant une heure et demie. Ce jour-là, j'ai compris l'importance du mobilier et du lien entre les éléments. Il n'y avait pas seulement l'idée de décor, mais de véritablement apporter des choses à l'histoire. » À la suite de cette représentation, c'est un récit plus matérialiste que Christophe Delcourt décide d'écrire. Un nouvel horizon dans lequel il emporte avec lui l'art du storytelling et de la construction.

Table basse YOL et fauteuil YUG ©Francis Amiand

Des meubles réalisés à partir de rencontres

Sans expérience dans le monde du meuble, Christophe Delcourt présente ses premières créations en 1996 dans la section Talents à la carte du salon Maison&Objets. Le succès est au rendez-vous et il signe un accord pour 30 magasins Neiman Marcus - suivi d'un contrat avec la galerie internationale new-yorkaise Ralph Pucci sept ans après -. Un premier pas sur le marché outre-Atlantique dont il conserve l'importance du sur-mesure et de la diversification stylistique. Mais côté création, c'est l'association avec les frères suisses Waldisphul qui va véritablement lancer la phase de commercialisation en rentabilisant le processus de fabrication. « Jusqu'à cette rencontre, je faisais mes meubles seul. Je suis donc allé frapper à leur porte pour trouver le savoir-faire nécessaire. Eux étaient plutôt spécialisés dans la fabrication de portails en métal, mais comme moi, leur vision était technique, plus qu'esthétique. Nous nous sommes donc associés et ils m'ont beaucoup appris. » C'est dans cet atelier que le style de la maison s'affirme : « un univers sculptural avec une cohérence entre la matière et la forme. »

Bureau UTO  et commode à cinq tiroirs OST ©Francis Amiand

De la technique née la forme

Guidé par l'idée « de façonner les formes comme un plasticien », Christophe Delcourt collabore aujourd'hui avec une quarantaine d'ateliers spécialisés dans le verre, le bronze, le cuivre, la céramique, la lave ou encore le cuir. Des médiums régulièrement associés au bois, matériau au cœur de son travail de designer depuis trois décennies. « Il est à mes yeux le matériau premier. Il permet de construire des habitats et le mobilier utile pour vivre. On peut faire une table avec peu de moyens et c'est cette idée de faire beaucoup pour pas cher qui m'intéresse » explique Christophe Delcourt.

Inspiré en premier lieu par les contraintes de cette matière vivante, et dans un second temps par la combinaison des savoir-faire de ses collaborateurs, son processus est largement guidé par la technique. Intéressé par les modernistes Verner Panton ou Richard Serra, le designer s'amuse des courbes et des contre-courbes. « Une section de bois, la manière dont s'épousent les formes, l'équilibre du piétement, l'imbrication d'un dossier et d'une assise. Tout est matière et par là, tout est terreau d'expérimentation » résume-t-il.

Fauteuil ULI et chaise JAE ©Francis Amiand

La sobriété comme signature

Au-delà des matériaux, Delcourt se distingue aussi par sa sobriété. Si les formes ont évolué au fil des années passant du mono-matière droit, épuré et minimal de peur de sombrer dans le décoratif, à quelque chose de plus organique et libre, la marque restreint toujours la couleur dans ses collections. « Le bois est une matière qui touche à l'intemporel contrairement au synthétique. Le colorer c'est prendre le risque de le rattacher à une époque. Or, ma plus grosse angoisse c'est que l'on se lasse. Je préfère que la matière évolue avec le temps, à l'image des tables de Charlotte Perriand. »

Avec Time-Streched, la collection anniversaire, Christophe Delcourt confirme sa volonté d'un design construit sur le temps long et dépourvu d'effets de mode.

Table basse YOL, fauteuil YUG, commode OST à quatre tiroirs et paravent YOA ©Francis Amiand
Temps de lecture
26/8/2025
Vestige Collection redonne vie aux vieilles pierres

Créé en Espagne, Vestige Collection transforme de vieilles bâtisses abandonnées en complexes hôteliers de prestige. Un pari facilité par la création d'un studio d'architecture intégré.

Redonner aux bâtiments leur grandeur d'antan. Lorsque l'aventure a commencé il y a une quinzaine d'années, l'idée de « collection » était encore lointaine. La sensibilité pour les vestiges, elle, était en revanche déjà bien présente dans l'esprit de Maria Obdulia Fernandez, co-fondatrice de Vestige Collection. Mais pour bien comprendre la genèse du groupe hôtelier, retour quelques années en arrière lorsqu'avec sa famille et elle se lancent dans la restauration un peu folle d'une immense bâtisse en plein cœur des Asturies. « Un projet passionnant » mené main dans la main avec Paco Ortega, un ami architecte de longue date. Une première collaboration qui fera rapidement émerger la volonté de faire naître d'autres projets. Vestige Collection est né, et avec elle « la volonté de préserver l'âme de bâtiments historiques tombés dans l'oubli » détaille Maria Obdulia Fernandez à la tête de 25 sites répartis à travers l'Espagne.

Le Palacio de Figueras situé dans les Asturies est la première résidence privée du groupe ©Vestige Collection

Un studio d'architecture intégré

Si la marque Vestige Collection se distingue par son offre de bâtiments anciens, elle se distingue également par son studio d'architecture intégré comptant 62 collaborateurs. Fondé en 2019 avec l'aide de Paco Ortega, celui-ci compte six départements allant de l'architecture au paysage, en passant par le design intérieur et l'administratif. « Une proximité rare entre la vision créative et la réalité opérationnelle » se réjouit Maria Obdulia Fernandez. Mais outre la facilité technique, « le studio facilite surtout le partage d'une vision globale, des ressources et des objectifs à long terme de l'entreprise. Cet alignement rationalise également la communication et la prise de décision, et rend notre processus de conception plus agile et plus intégré » explique Enrique Motilla Saiz, architecte en chef des projets à Minorque, dont l'équipe intervient dès lors qu'une acquisition potentielle entre en jeu. « Nous effectuons d'abord une "diligence raisonnable" pour chaque propriété, en examinant les permis, la portée du projet et les mesures de conservation en vigueur. Ensuite, lorsque la propriété est acquise, nous menons une étude plus approfondie et élaborons les grandes lignes du projet. » Une approche « holistique » de la conception sur laquelle se base le studio pour dégager les lignes directrices de chaque rénovation. « Nous commençons par analyser et définir l'histoire de chaque lieu. Connaître l'espace nous permet de réutiliser les méthodes de construction et le savoir-faire artisanal d'origine pour régénérer chaque propriété, mais également de valoriser les matériaux présents. » Une manière de convoquer à nouveau l'esprit originel de ces édifices tout en optimisant l'empreinte carbone de leurs rénovations. « Notre objectif est de respecter l'esprit de chaque bâtiment tout en l'adaptant aux normes environnementales et fonctionnelles actuelles » explique Enrique Motilla Saiz, estimant qu'il s'agit « avant tout d'un dialogue entre le passé et le présent. »

L'hôtel Son Vell à Minorque ©Vestige Collection

L'identité locale comme image de marque

« Il n'est pas question de rivaliser avec le contexte historique » mais au contraire de se servir de celui-ci « pour mener le récit » détaille l'architecte. Un esprit que Marta Delgado Moreno, en charge du design intérieur, identifie par les trois C : Calidad, Calor, Calma, traduisez qualité, chaleur et calme. Un style mûri quotidiennement dans l'esprit des sept architectes d'intérieur du groupe, à l'origine de meubles contemporains, d’œuvres d'art et d'antiquités. Mais si l'esprit est commun à toutes les propriétés du groupe, chaque bâtiment conserve en ses murs une identité propre. « Nous n'imposons pas une esthétique : nous la faisons ressortir » rappelle ainsi Maria Obdulia Fernandez. « Le client Vestige doit être surpris à chaque destination tout en reconnaissant une sensibilité esthétique commune. » Un défi d'autant plus important que Vestige Collection comprend aujourd'hui des projets très différents. Si la majorité des établissements fonctionnent comme des hôtels à l'image du château du XIIIe siècle en Estrémadure, ou du lodge en Namibie, d'autres comme le Palacio de Figueras dans les Asturies se réservent dans leur intégralité. « La forme et la disposition de chaque bâtiment déterminent dans une certaine mesure la manière dont nous le réaménageons. Cette construction a une superficie de près de 3 000 m², mais ne compte que 11 chambres. Nous ne voulions pas nous concentrer sur le profit en reconfigurant l'espace pour créer plus de chambres. Nous voulions conserver le caractère du bâtiment, ses anciennes salles de bal, sa salle de musique, ses cheminées d'origine... Mais pour d'autres propriétés, la disposition d'un bâtiment se prête à l'ajout de chambres supplémentaires et à la possibilité de le convertir en hôtel » détaille Maria Obdulia Fernandez. Une vision qui, « au-delà du technique consiste avant tout à trouver l'équilibre entre la poésie et l'émotionnel d'une part, et le fonctionnel d'autre part. »

Ci-dessous à gauche, l'intérieur du Palacio de Figueras dans les Asturies, et à droite l'intérieur du complexe Son Ermità & Binifudà ouvert à la mi-juin.

Inscrivez-vous à notre newsletter pour recevoir chaque semaine l’actualité du design.