Actualités

Réputée depuis 1840 pour ses canapés, fauteuils et son mobilier, la maison française prolonge la chaîne de solidarité qui se met en place afin d’épauler les services hospitaliers de l’Hexagone.

À l’instar des Ateliers Vanderschooten, qui concentrent leur activité sur la fabrication de masques, la Maison Duvivier Canapés met son savoir-faire de couture au service de ces femmes et de ces hommes qui luttent en première ligne contre le Covid-19, en produisant des sur-blouses de protection.
Les équipes de la maison parisienne, sous les directives des fournisseurs et des services sanitaires,  s’adonnent à obtenir les matières nécessaires, réaliser les traçages et les tests afin d’automatiser la production le plus rapidement possible.

Tout est allé très vite. En quelques jours à peine, les entreprises françaises de tous secteurs ont dû stopper partiellement leur activité, pour les plus chanceuses, et jusqu’à nouvel ordre. Cette situation met en exergue le manque de préparation face à cette crise sanitaire. La conjoncture est particulièrement difficile pour les designers, notamment fragilisés par les annulations ou les reports de projets et les impayés de leurs clients.

‍

Le gouvernement, dans un communiqué en date du 27 mars 2020, a mis en place un certain nombre de mesures d’urgence pour venir en aide à ce secteur d’activité paupérisé : les designers ayant répondu au sondage se préparent à perdre entre 10 et 60% de leur chiffre d’affaires (CA). Des mesures intéressantes, bien qu’elles ne soient pas forcément adaptées à la réalité, comme le montre le décryptage de François Caspar, président de l’AFD.

Cinq mesures présentées par le ministère de la Culture

Les mesures sont bel et bien des mesures d’urgence pour répondre à une situation critique. La rue de Valois a donc annoncé le report des loyers et des frais d’énergie (eau, électricité et gaz) à ceux qui en font la demande. Pour les plus précaires, qui ne peuvent les payer, le ministère assure qu’aucune pénalité, suspension ou interruption de ces fournitures ne sera effectuée. Les dépenses contraintes, comme les factures de télévision, de téléphone et d’internet pourront aussi être reportées.

Le cabinet de Frank Riester annonce que les designers pourront bénéficier d’une aide de 1500 euros, versée par la Direction générale des Finances publiques (DGFIP), issue du fonds de solidarité d’un milliard d’euros mis en place par le gouvernement. Du moins les professionnels qui ont le statut d’artistes-auteurs. Et c’est bien là que le bât blesse pour François Caspar, designer et président de l’AFD : “le ministère comprend bien que ça peut être l’hécatombe, mais les mesures sont très mal adaptées aux indépendants.” Le sondage réalisé par le syndicat révèle une réalité tout autre. Les designers sont majoritairement des professionnels qui possèdent le statut d’indépendants (70% des répondants au 30 mars 2020) “qui leur assure une multidisciplinarité, qui est l’essence même du design”. Les professionnels risquent tout simplement de ne pas y être éligibles. Si par chance, ils le sont, le calcul même du montant n’est pas adapté à la réalité. Basée sur le CA du mois de mars 2019, elle ne prend pas en compte les onze autres mois de l’année. “On demande à ce qu’elle soit basée sur un douzième des revenus globaux de l’année. Parce qu’aujourd’hui, elle ne prend pas en compte les bénéfices or, certains vont faire 70% de bénéfices, d’autres 40%. Ça peut marcher pour de très grandes entreprises, mais pas pour les indépendants” déplore le président de l’AFD.

Voilà deux semaines que les mesures du gouvernement français ont été mises en place. À mesure que la situation évolue, François Caspar observe minutieusement comment s’organise les pays voisins. En plus d’être président, il s’occupe des relations internationales de l’AFD: “les indépendants allemands en difficulté touchent une aide de 5 000 euros, entre trois et cinq jours après en avoir fait la demande !” Outre-Rhin, l’aide d’urgence est une subvention unique à destination des travailleurs indépendants. Elle sert à garantir l’existence économique des entreprises. D’un montant allant de 9 000 à 15 000 euros, elle est versée par les différents Länder (états fédérés d’Allemagne). Ces aides sont intéressantes, “car elles vont immédiatement repasser dans l’économie réelle, pour acheter à manger tout simplement.”

Des mesures au long terme

François Caspar pense qu’il faut en profiter pour envisager le long terme et à “préparer les prochaines pandémies.” Certaines directives émises par le gouvernement suivent ce chemin. L’échelonnement de la TVA, des charges sociales et fiscales par exemple.  Les prêts de trésorerie, avec la garantie de l’État aussi. Ce sont des pistes qui sont intéressantes, mais encore une fois un peu loin de la réalité. Les sommes avancées devraient être colossales. Le prêt, à taux 0, devrait couvrir les charges de l’année précédente et éponger l’année quasi blanche que sera 2020 selon le président de l’AFD : “aujourd’hui, les revenus médians de la profession sont de 20 400 euros, ce qui représente un CA d’environ 32 000 euros. Ce sont des revenus qui ont une grande difficulté à épargner dans notre profession. Ce qui fait qu’en 2020, un designer devra payer 8 000 à 10 000 euros de charges sociales et fixes. Il faudrait donc que le prêt accordé soit d’un montant de 40 000 à 50 000 euros pour que le bénéficiaire puisse vivre décemment.” Même remboursable en cinq ans, cela semble peu viable. C’est pour cela que l’AFD prône le système de don : “ça permet de réinjecter l’argent tout de suite, ça permet au bénéficiaire de ne pas trop s’endetter et de survivre et d’éponger trois quarts d’une année avec une absence de revenus.”
Les mesures mises en place par le ministère de la Culture sont donc intéressantes, mais doivent être plus adaptées à la réalité française du design. François Caspar attend un retour des équipes de Frank Riester afin de pouvoir travailler de concert et proposer “un plan opérationnel, qui aide réellement.” La première analyse du sondage avait pour but d’interpeller rapidement le ministère sur les réponses et inquiétudes des 220 designers. Une deuxième analyse, plus détaillée et plus aboutie, est prévue “prévue pour la mi-avril normalement” annonce le président de l’AFD. Ce qui est déjà sûr, “c’est que les conclusions seront plus alarmistes”, car d’autres difficultés émergent dans le quotidien comme le télétravail et la gestion du foyer dans le même temps.

Relax est l’un des fauteuils de Lafuma Mobilier les plus iconiques : ce transat dédié à la relaxation sert aussi bien de chaises longues à l’extérieur que de fauteuil de détente à l’intérieur. Compte tenu de son ergonomie, il est depuis plusieurs années utilisées dans des unités de soins, notamment pour la détente complète obtenue avec la position zéro gravité. En cette période de crise sanitaire, Lafuma  Mobilier a décidé de soutenir à sa façon le personnel soignant.

‍

La première action s’est tenue le 23 mars dernier. En lien avec la Fondation des Hôpitaux de France, Lafuma Mobilier a fait don de 125 fauteuils Relax à quatre hôpitaux de la région lyonnaise. Une action réitérée la semaine suivante pour les hôpitaux de Montélimar et de Grenoble.
“Il nous a semblé naturel de participer et que cela avait du sens pour l’entreprise et l’ensemble de ses salariés puisque nous produisons chaque jour des fauteuils pour des usages professionnels comme la santé ” assure le directeur général de Lafuma Mobilier Arnaud Du Mesnil. Le fauteuil Relax est conçu pour le repos en milieu hospitalier : le matelas est imperméable pour lutter contre les bactéries et classé non-feu.
Le fabricant français a aussi livré des fauteuils Relax Vital. Équipé de la position Zéro Gravité, il permettra au personnel soignant du CHU Saint-Pierre de Bruxelles (Belgique) et de l’hôpital de Lucerne (Suisse) de bénéficier d’une récupération optimale.

Depuis 1967, le Groupe Gainerie 91 fabrique écrins et présentoirs pour les plus grands noms des vins et spiritueux, de la parfumerie, de l’horlogerie et de la joaillerie français et internationaux (Chaumet, Chanel, Harry Winston, Louis Vuitton ou encore Van Cleef & Arpels).

Cette année, les candidats, encore étudiants, sont amenés à créer un packaging qui respectent les codes du luxe. Leurs projets mélangeront donc authenticité, savoir-faire, personnalisation et éco-responsabilité afin d’imaginer le prochain écrin de l’une des catégories du concours : horlogerie & joaillerie, parfums & cosmétiques et vins & spiritueux. Des productions qui devront être accessibles et reproductibles grâce aux choix des bons matériaux et des techniques de fabrication adéquates.

Afin de booster la créativité, le Groupe Gainerie 91 remettra trois prix,
– Premier prix : 2000 euros ou un MacBook Pro
– Second prix : 800 euros ou une imprimante 3D FlashForge PRO
– Troisième prix : 400 euros ou une tablette graphique Wacom
Un “Prix du Public” sera remis cette année aussi, doté de 300 euros ou d’un Smart Writing set Moleskine.

Un planning remis à jour

• Date de clôture de dépôt des dossiers: 30 avril
• Date de lancement prix du public: 25 mai
• Date de sélection des gagnants: 18 juin
• Date de clôture du prix du public: 31 août
• Date de la remise de prix: 10 septembre

‍

En 2019, c’est Meana Oval qui a été couronné. Afin de répondre à la thématique “Quand le luxe se prend au jeu”, l’étudiante de l’ENSA Limoges a proposé Jacob, une palette de maquillage à double ouverture, lui conférant un aspect ludique. Le jeu s’installe dans la manipulation de l’écrin : en l’ouvrant du côté droit, on accède à deux couleurs de fards ainsi qu’à deux petits pinceaux. Du côté gauche se trouvent deux autres couleurs ainsi qu’un miroir.

Les dossiers d’inscription au concours sont à envoyer par Wetransfer à :
concours@gainerie91.com
Pour toute question, merci de contacter Clara Alvarez :
concours@gainerie91.com / 01 78 75 20 83

Tout a commencé en 2006, lorsque Jean-Pierre Blanc, alors directeur de la Villa Noailles à Hyères, fait appel à François Azambourg. Ce dernier a pour mission de penser le réaménagent d’une pièce de la maison, qui doit inclure un objet en particulier : un vase en verre. Pourtant peu attiré par ce matériau, le designer conçoit que « sa transparence est intéressante. » La machine est lancée. Une semaine durant, il travaille étroitement avec les artisans du CIAV sur le décor du verre, plutôt que la texture même du matériau. Très vite, ils se rendent compte que la clé se trouve dans le soufflage. Il en existe trois formes. Le soufflé libre, le fixe avec un moule en métal et le tourné. François Azambourg en propose alors une quatrième : le soufflé fixe dans une matrice en bois. « Le verre est soufflé pendant une minute, à 800°C », explique-t-il, et ressort imprimé des nervures, des nœuds et des crevasses du pin Douglas. Ainsi est né le vase éponyme, première création de François Azambourg et du CIAV.

« Prendre un instantané de ce mouvement en le figeant. »

Aujourd’hui cette collaboration ne se résume pas qu’au Douglas. Sur une des tables de bois de la maison Christie’s, plusieurs dizaines de vases cohabitent. Car dix ans durant, le designer et les artisans verriers lorrains ont pensé à de nouvelles créations, des variations du vase originel. La réflexion s’est d’abord orientée sur le mouvement du verre, et sur la façon de « prendre un instantané de ce mouvement en le figeant. » Chaud, il a  été sorti prématurément de son moule : pas trop tôt pour que l’essence du bois s’imprime sur les parois du vase, mais assez tôt pour que le verrier puisse étirer et le manipuler à sa guise, lui conférant cette sensation de mouvement.

Dans la salle attenante, les murs sont parés de tableaux représentant des fleurs ou des plantes. Des dessins qui sont croquis, réalisés par François Azambourg lui-même, et qui font écho aux créations posées au centre de la pièce.

Avec Brindilles, le designer replace la nature et la notion de territoire au cœur de la réflexion : chaque vase varie en fonction de la saison et du lieu de cueillette. « Habituellement, le décor des vases se fait à froid, mais le verre est plus fragile. C’est plus intéressant de travailler le matériau lorsqu’il est chaud », considère le créateur français. Les plantes et branchages sont plaqués contre les parois du moule, dans lequel est soufflé le verre. L’absence d’air permet à la plante de ne pas brûler et de laisser sa marque le long du vase. Quelques fois, le processus de création a été altéré par des soucis de calandrage. « La plante est imprimée en partie sur le rebord du vase, ce qui le déforme, explique François Azambourg, c’est un accident qui ouvre la question de ce qui peut être fait ou non en matière de création, un nouveau territoire de jeu. »

Puis vient Intouchables.

Cette création qui clôt l’exposition illustre le fait «qu’il n’existe pas d’échec dans la création » pour le designer. « Il y a une partie d’aléatoire avec le verre, si ça n’est pas bon on le casse. » Le verre est soufflé, puis il est laissé à refroidir. Dans un deuxième temps, il est réchauffé dans un four avant d’être roulé sur une tôle ajourée sur laquelle sont placés les éclats des précédentes expérimentations.
Au total, ce sont trois salles de l’immeuble du 9 avenue Montaigne qui sont consacrées au travail de François Azambourg et du CIAV. Loin de la scénographie, le designer français préfère parler de « filiation ». « Chacune des pièces présentées apporte quelque chose à celle qui est autour. Aux murs, les dessins préparatoires affichent la recherche de motifs. »

Au-delà de la créativité artistique, il y a une démarche scientifique dans le travail du designer. Les croquis font office de protocoles pour reproduire les vases sans fin. Il est conscient de la dualité qui existe entre la composition artistique et la rentabilité : « il faut aujourd’hui des objets qui soient faciles à reproduire ».
L’expérimentation demeure cependant la caractéristique principale dans la réflexion de François Azambourg. Selon lui, « la production est comme un instantané d’un objet à la croisée des chemins entre le moment où on la pense et le moment où on la réalise ». Un résultat final qui, dans le cas du verre, surprend souvent l’artisan et le designer.

“Exprimentations” – François Azambourg x CIAV/Meisenthal
Christie’s à Paris – du 24 février au 4 mars 2020

‍

Créer une lumière poétique

C’est dans son nouveau quartier général de la banlieue de Barcelone que Vibia dévoilait sa nouvelle collaboration avec le studio de design suédois Note Design Studio. Comme un clin d’œil, « Chromatica » était appliquée à la 1re collaboration entre Vibia et Note, la lampe « Musa ». Au cœur du showroom, accrochés sur un mur, se dressent 23 exemplaires de cette lampe, déclinée en 23 coloris qui composent la nouvelle palette.

« Chromatica » est inspirée de la nature et des matériaux utilisés par les professionnels de l’architecture et de la décoration d’intérieur : pierre, ciment, métal ou brique. Autant de surfaces qui leur offrent la possibilité de traduire leurs idées en sensations en associant tons clairs et lumineux, couleurs neutres et mates, ou en produisant des conceptions monochromatiques. Car « Chromatica » rayonne au-delà de ses 23 coloris : « c’est une plateforme qui offre une créativité sans fin », c’est une « boîte à outils à utiliser pour créer un espace » explique Cristiano Pigazzini, directeur de Note Design Studio.

Inspirer les professionnels

Afin de s’approprier les nuances de « Chromatica », Vibia et Note Design Studio proposent « Zoom In Zoom Out ». Une ressource visuelle qui présente concrètement l’utilisation qui peut être faite des 23 nouveaux coloris. Comme l’explique Sanna Wålhin, décoratrice du studio suédois, « les 23 couleurs de Chromatica ont été sélectionnées en vue d’être compatibles avec les matériaux d’architecture actuels, il fait donc sens de présenter ces associations dans un paysage construit ». Car chacune des 24 compositions présentées fusionne 3 nuances de la gamme « Chromatica » et un luminaire Vibia pour former un paysage à la fois réel et artificiel.

Un siège qui rassemble

Depuis décembre 2018, Vibia a pris ses quartiers à 20 minutes du centre-ville de Barcelone. Son tout nouveau siège de 16 000 m² réunit les bureaux, le showroom et l’usine d’assemblage de la marque. Un espace qui prône la collaboration entre Vibia et les professionnels de l’architecture et de la décoration d’intérieur.

Ce bâtiment est à l’image de l’enseigne espagnole puisque la lumière y est omniprésente. Dans l’entrée, le studio de design Fransesc Rifé joue avec la lumière naturelle. Le claustra en bois rosé, balayé par la lumière du soleil catalan enveloppe l’espace d’accueil et guide à l’étage supérieur. Le showroom, d’une superficie de 2 000 m² met en scène la le rôle architectural et décoratif de la lumière artificielle.
Ce nouveau siège catalan prône aussi la collaboration entre les départements. En effet, le cabinet d’architecture Saus Riba Llonch et l’architecte d’intérieur Carlota Portavela rassemblent les bureaux de la marque et son usine d’assemblage. Une proximité chère au directeur général Pere Llonch.

Inédit cette année, Frédéric Hocquard, adjoint à la Maire de Paris, chargé de la vie nocturne et de la diversité de l’économie culturelle a demandé à 3 personnalités reconnues des métiers de la création d’endosser la robe de présidents du jury : India Mahdavi pour le design, Hugo Barrière pour les métiers d’art et Julien Fournié pour la mode.
Parmi les 200 candidats, les jurys ont sélectionné 10 projets dans chaque catégorie. À l’issue de leur délibération, ils ont remis 5 prix du « Talent émergent » à un professionnel dont le projet est particulièrement prometteur et 5 « Grands Prix » à un professionnel confirmé pour la qualité de son projet, sa stratégie de développement, et son engagement dans la transmission des savoir-faire ou l’innovation. En plus de la reconnaissance de leurs pairs, les lauréats des Grands Prix de la Création se voient doter de 15 000 €, dont 8 000 € proviennent de la ville de Paris. Une dotation enrichie par le Fonds de dotation des Ateliers de Paris par des partenaires privés : le Groupe Galeries Lafayette, la Fédération Française du Prêt à Porter Féminin, ESMOD, Roger Pradier, la Fondation Rémy Cointreau et Victoire.

Catégorie Design

Natacha&Sacha désigné « Talent Émergent 2019 »

Le studio de design natacha&sacha repense l’usage de certains objets afin de répondre aux besoins sociaux et environnementaux. Le duo souhaite changer la façon dont on conçoit, produit et perçoit les objets technologiques et électroniques afin de les rendre plus désirables et donc durables.
‍
www.natachasacha.fr / @natachaetsacha

Jean-Baptiste Fastrez lauréat du « Grand Prix »

Basé à Paris, le designer diplômé de l’ENSCI – Les Ateliers repense aussi les usages des objets en transférant les savoir-faire. Il travaille sur différents projets de produit et d’espaces, de la série limitée à l’édition industrielle pour des maisons telles que Kvadrat, Sèvres / Cité de la céramique ou Moustache. En 2019, il signe sa première exposition personnelle avec la Galerie kreo et présente une rétrospective de ses dix premières années de travail à Mayenne.

‍www.jeanbaptistefastrez.com / @jeanbaptistefastrez

Catégorie Métiers d’art

Le « Talent émergeant » William Amor

À travers ses compositions florales, William Amor se mue en conteur d’histoires. L’artiste réinvente le métier de parurier floral. Il spécialisé dans la valorisation des matières délaissées : ses ornements floraux nés de la pollution plastique visent à faire des déchets une matière noble du luxe. À sa démarche artistique, s’ajoute une dimension sociale, l’artiste s’entoure pour ses productions de personnes handicapées les petites mains d’or à qui il transmet son savoir-faire.

‍www.creationsmessageres.com / @william.amor

Le « Grand Prix 2019 » pour Cécile Feilchenfeldt

Cécile Feilchenfeldt est Suisse, a grandi à Munich, a fait ses études en design textile à Zürich et s’est installée à Paris en 2007. L’artiste utilise les techniques traditionnelles de tricot et de tissage pour expérimenter la matière. Des créations en nylon, rafia, lycra, coton ou cashemere qui racontent une histoire en 3D.

‍www.cecilefeilchenfeldt.com / @cecilefeilchenfeldt

Catégorie Mode

« Talent émergeant 2019 », Marianna Ladreyt

Fascinée par la toge grecque et la mythologie, l’artiste française joue avec les drapés pour les adapter à la modernité. Finaliste du Festival International de la Mode à Hyères en 2017, elle lance en 2018 une collection de sacs, aventure qui la conduit à lancer sa marque éponyme de prêt-à-porter et accessoires en février 2019.  Ses deux premières collections sont présentées durant la Fashion Week de Paris dans le showroom Designers Apartment au Palais de Tokyo.

‍www.mariannaladreyt.fr / @mariannaladreyt

« Grand Prix 2019 », Valentine Gauthier

Directrice artistique d’un concept store de lifestyle puis grande gagnante du Festival International des Jeunes Créateurs de Mode de Dinard juste avant le lancement de sa marque éponyme en 2007 et l’ouverture de sa première boutique en 2009, le parcours de Valentine reflète son état d’esprit : créatif, volontaire et passionné. En 2018, elle ouvre un flagship dans le Haut Marais à Paris, composé de deux boutiques et d’un appartement.

‍
www.valentinegauthier.com / @valentinegauthierofficiel

Les Grands Prix de la Ville de Paris récompensent les professionnels et jeunes créateurs depuis 1993. À partir de 2003, le palmarès est scindé en 3 catégories distinctes : design, métiers d’art et mode. Chaque année à la rentrée, de nombreuses candidatures sont examinées par des personnalités qualifiées qui sélectionnent une dizaine de candidats dans chaque catégorie. Les finalistes sont invités à venir présenter leur parcours et leurs oeuvres lors d’une audition devant un jury d’experts (acheteurs, éditeurs, galeries, organisateurs de salons, architectes d’intérieur…) qui débattent et choisissent le lauréat. Outre la dotation, les lauréats bénéficient d’une visibilité offerte par les partenaires médias et associés, certains ayant fait partie du jury d’experts comme Intramuros.
Les 6 lauréats seront exposés à la Joyce Gallery du 4 au 19 février 2020 – 168 Galerie de Valois (75001).

‍

À travers cette exposition, les deux commissaires invités Catherine Sabbah et Olivier Namias interrogent sur le devenir des hôtels au regard des nouveaux enjeux environnementaux. Un travail tout d’abord historique qui dévoile le lien intrinsèque qu’il existe entre l’hôtel, les modes de vies et les époques dans lesquels il évolue. Une réflexion ensuite appuyée par 4 projets qui placent les enjeux environnementaux en leur cœur.
À ce jour, l’Ile-de-France compte 2 450 hôtels et 15 000 chambres. Chacun est le reflet des besoins et attentes de l’époque dans laquelle il a évolué. Le Meurice, à son ouverture en 1818, accueillait simplement les voyageurs venant de Calais. Puis des hôtels aux ambitions plus mondaines ont vu le jour, comme le Ritz en 1898. Plus tard, les Trente Glorieuses marquent le début du tourisme de masse. C’est à la même époque que fleurissent les premiers hôtels standardisés à l’image du Hilton Suffren en 1966. Enfin, l’hôtellerie s’est vue dans l’obligation de répondre aux besoins du tourisme d’affaires. Ainsi, de nombreux hôtels ont été construits à proximité de pôles de connexions tels que l’aéroport Roissy-Charles de Gaulle.
L’hôtel se devait de proposer un confort climatique (chauffage, climatisation et eau chaude) à ses clients, sans pour autant prendre en compte l’environnement. Aujourd’hui, l’exposition interroge sur le changement de mentalité de la clientèle, notamment en matière environnementale. Et si le respect de l’environnement devenait un critère dans le choix d’un hôtel ?

L’environnement au cœur de la réflexion

En lien avec l’exposition, 4 projets intègrent les enjeux environnementaux à leur réflexion : le lobby, le corridor et la chambre sont repensés pour être plus responsables.

La marquise – Jean-Benoît Vétillard, architecte

La marquise est un lieu de transition entre l’extérieur, la ville, et l’intérieur, le lobby. Elle marque donc le passage d’un monde à un autre. Ici, elle est en fibres de lin et de résine naturelle, et éclairée par des LED qui sont activées par les visiteurs lorsqu’ils passent la porte-tambour de l’entrée.

Une pièce capable – Lina Ghotmeh, architecte

La chambre s’adapte aux flux qui s’intensifient et répond à la pluralité des besoins. Ainsi, elle devient une pièce de vie, de travail, d’accueil et de sommeil, et répond aux enjeux environnementaux : les murs sont en bois et fibres naturelles, les carreaux de douches sont issus de la transformation du sable et le revêtement du lit est en linge recyclé.

‍

Un voyage, pas une destination – Nicolas Dorval-Bory, architecte

Le couloir d’hôtel est pensé comme un vecteur d’usage : il irrigue les chambres de réseaux et guide le client vers celles-ci. Afin d’être éco-friendly, il répond aux enjeux de durabilité et de salubrité. Les matériaux utilisés, comme le bois, ont une empreinte carbone faible et le confort lumineux est au rendez-vous : l’intensité lumineuse est variée ce qui la rend plus agréable que l’uniformisée que l’ont roule actuellement.

La chambre de demain – Ciguë architectes

Cette chambre questionne l’usage qui est fait de l’eau. Alors qu’une chambre consomme en moyenne 150 litres par jour (pour un hôtel 4 étoiles), ce projet propose d’économiser 70% de l’eau utilisée grâce à un système de bouclage. Sur le toit, des réservoirs permettent de collecter l’eau de pluie et de stocker l’eau filtrée par phytoépuration et charbons actifs.

Après avoir obtenu la démission du directeur de l’ENSCI – Les Ateliers Rémy Fenzy le 20 novembre dernier, c’est l’occasion pour les élèves de faire un premier bilan de leur mobilisation. Une démarche nécessaire notamment en prévision d’une première échéance importante : le 9 décembre prochain, les élèves-élus rencontrent le conseil d’administration de l’école pour discuter de leur future gouvernance.
Pour rappel, Rémy Fenzy est nommé au poste de directeur de l’ENSCI – Les Ateliers le 13 novembre dernier par le ministre de l’Économie Bruno Le Maire et le ministre de la Culture Frank Riester. À l’encontre des inquiétudes prononcées par le conseil d’administration de l’école parisienne quelques mois auparavant, cette nomination n’est pas concevable pour les élèves et les membres du personnel. Ils votent un blocage de l’école de design dans la foulée. La contestation massive qui s’en suit aura raison du nouveau directeur puisque Rémy Fenzy présente sa démission la semaine suivante, le 20 novembre.

‍Un premier rendez-vous crucial

‍

Le 25 novembre dernier, les élèves-élus rencontraient la direction générale de la création artistique (DGCA) et décidaient de faire tomber le mur qui bloquait l’accès à la cour de l’école. Exit le blocage, les élèves entraient dans une phase de mobilisation. Bien que les cours soient toujours annulés, le travail sur les projets partenaires a repris.
Depuis, entre deux projets, les élèves se retrouvent autour d’ateliers de discussion. En effet, le 9 décembre prochain marque le premier rendez-vous à ne pas manquer pour les futurs designers. Les élèves-élus s’entretiendront avec le conseil d’administration de l’ENSCI – Les Ateliers au sujet, notamment, de la gouvernance de l’école et ce au regard des derniers mois de contestation. Cette réunion vise à proposer un nouvel organigramme en accord avec l’identité de l’école parisienne : une école de design et non une école d’art.

Le lissage des spécificités inquiète

‍

Les élèves de l’ENSCI – Les Ateliers, ainsi que les membres du personnel, sont inquiets de la tendance de l’administration publique à formater les écoles nationales de création. Par le lissage de leurs spécificités, ces écoles proposeront, à terme, les mêmes programmes que les écoles traditionnelles d’art.Parmi ces outils de lissage se trouve Parcoursup, la plateforme web qui recueille et gère les vœux d’affectation des futurs étudiants de l’enseignement supérieur public français.Certains étudiants lui reprochent d’interférer dans le processus de recrutement des promotions futures, puisqu’une inscription sur la plateforme amputerait une partie du concours d’entrée à l’ENSCI – Les Ateliers. Étant donnée que l’école de design est sous tutelle des ministères de l’Industrie et de la Culture, son inscription sur les tablettes de Parcoursup lui a été imposée. « Le débat a été éliminé » concède Erik Anspach, directeur des études des Ateliers, qui souhaite toutefois tempérer les inquiétudes de ses élèves : « cela n’est pas complètement mauvais puisque ça procure de la visibilité pour l’école » avoue-t-il. Même s’il déplore l’idée « d’aplanir les concours » et de voir toutes les écoles d’art et de design convoquer les candidats aux mêmes dates, il souhaite rassurer les élèves. En effet, Erik Anspach confesse que l’école bénéficie « d’une dérogation de calendrier » : l’entrée sur concours sera maintenue entre mai et juin 2020 malgré la présence de l’ENSCI – Les Ateliers sur les listes de Parcoursup. En somme « rien n’est définitif » quant au lissage affirme le directeur des études.

‍

Une réflexion sur l’identité de l’école

‍

L’identité de l’ENSCI – Les Ateliers se dessine au-delà du concours d’entrée. C’est autant ses étudiants que ses membres du personnel ou ses diplômés. Dans le cadre de cette mobilisation, ou plus régulièrement dans l’année, tous se retrouvent afin de discuter de ce que sont Les Ateliers, ce qu’ils apportent et ce vers quoi ils amènent.
Au cours du mois de novembre, Aurélien Fouillet, qui enseigne la philosophie du design, animait une discussion autour du rôle du design dans la société. Hier, Antoine Camus, diplômé en 2019, invitait à la réflexion sur l’identité de l’ENSCI – Les Ateliers. De plus, fort de son expérience de militant au sein du mouvement social écologiste Extinction Rebellion, il présentait des points-clés de médiation afin de faciliter l’agora dans ce contexte de mobilisation. Fréquemment, d’anciens élèves de l’école sont conviés à faire part de leur « après-ENSCI », à l’image de Frédéric Lecourt, cofondateur du studio Sismo Design. Diplômé en 1997, il a récemment pris part aux « Petits-Déjeuners de Margot ». Cette initiative de Margot Casimir, coordinatrice « Atelier de projets » à l’ENSCI – Les Ateliers, invite les anciens élèves à faire part de leur parcours personnel et des bénéfices d’une formation rue de Saint-Sabin (75012).

‍

‍

‍

La centaine de pièces tirées de ces caisses en inox qui ont sillonné l’Ile-de-France pendant 50 ans est réunie à Ground Control (75012) jusqu’au 1er décembre prochain. Le lendemain, elle sera mise aux enchères, au profit de l’association des Restos du cœur. Comme Airbus en avril dernier, Transilien SNCF mise sur l’upcycling pour donner une seconde vie à ces pièces de l’iconique train aux banquettes en skaï orange.

Lier vintage et design

Transilien SNCF et les studios partenaires ont une volonté commune de transformer certaines pièces des « Petits Gris » en objets du quotidien. Tandis que certains se sont concentrés sur les pièces iconiques, comme Rémi Perret qui repense l’utilisation des banquettes, d’autres, à l’image du Studio BrichetZiegler, ont souhaité révéler les pièces invisibles telles que les phares du train tôlé.

Le duo Formel effectue un travail historique autour de ces pièces et décortique les charnières des strapontins des « Petits Gris ». Les deux designers Timothée Concaret et Nicolas Mérigout adoptent une approche rationnelle quant à la création de leur objet et proposent ainsi des tablettes murales rabattables qui usent de ces charnières encore fonctionnelles.

Une 2e vente au profit des Restos du Cœur

Après 2012, Transilien SNCF organise sa 2e vente aux enchères solidaire, dont l’intégralité des profits sera reversée aux Restos du Cœur. Une démarche qui résonne chez les 5 studios partenaires puisqu’ils présentent des objets non seulement esthétiques,  mais aussi utilisables.
Les 125 pièces des « Petits Gris » sont exposées jusqu’au 1er décembre 2019. La vente aux enchères se tiendra le 2 décembre prochain à 18h30 et simultanément à Ground Control (75012).

‍

Un processus de nomination opaque

Le feuilleton prend racine au mois de février 2019. Yann Fabès, alors directeur de l’ENSCI – Les Ateliers, présente sa démission au motif d’un « désaccord avec le ministère de la culture sur [son] statut administratif ». En poste depuis 2016, il est temporairement remplacé par la secrétaire générale de l’école Anne Nouguier, le temps que la procédure de recrutement se concrétise.
Une décision qui ne manque pas de surprendre et qui fait naître des inquiétudes dans les rangs des élèves. Dans un communiqué du 19 février, ils pointent du doigt les raisons de cette démission qui marque « un dysfonctionnement dans le dialogue entre la direction de l’école et ses tutelles » et « un manque de volonté de la part [des] tutelles d’assurer la pérennité du projet pédagogique porté par l’école ».

Le processus de recrutement du nouveau directeur de l’ENSCI – Les Ateliers est lancé au cours du mois de mars. Trois profils sont alors retenus : Jeanne Gailhoustet, directrice de l’ENSA Limoges, Emmanuel Mahé, directeur de la Recherche à l’EnsAD et Rémy Fenzy, directeur de l’ENSP d’Arles.
À titre consultatif, le conseil d’administration de l’ENSCI-Les Ateliers, composée d’élèves et de membres du personnel, de représentants des ministères de tutelles et de professionnels du design, soutient les candidatures des 2 premiers et émet des réserves quant à celle de Rémy Fenzy. Au vote, il totalise 4 voix « pour » qui ne sont autres que celles des représentants des ministères et d’un professionnel.
Malgré ce résultat, les ministères de l’Industrie et de la Culture entérine sa nomination au poste de directeur de l’ENSCI – Les Ateliers le 13 novembre.

Bien que l’avis du CA de l’école de la rue Saint-Sabin (Paris 11e) ne soit que consultatif, la nomination de Rémy Fenzy démontre une « une certaine opacité dans le processus de consultation » estime Émile, élève de 3e année à l’ENSCI – Les Ateliers.

Un candidat au projet peu convaincant

Début juillet, les entretiens par visioconférence avec les 3 candidats aboutissent à la découverte du projet pédagogique de Rémy Fenzy. Une candidature pauvre qui reflète « une mauvaise connaissance de l’école » selon les élèves.
Dans la journée du 20 novembre, le désormais ex-directeur a de nouveau présenté son projet. Alors que les élèves et les membres du personnel présents s’attendent à un projet enrichi comparativement aux précédents, ils constatent que rien n’a changé. “La forme convient mais le fond ne présente rien de convaincant” résume Émile, membre du bureau des élèves-élus. Il est reproché à Rémy Fenzy de s’appuyer sur un projet universitaire miroir de celui qui existe aujourd’hui. En proposant par exemple une année de césure déjà existante, ou des doubles cursus actuellement offerts, l’ex-directeur marque son manque d’ambition pour amener l’école dans une autre dimension et surtout sa méconnaissance de l’entité ENSCI – Les Ateliers.
À cela s’ajoute les polémiques qui le suivent depuis sa nomination au poste de directeur de l’ENSP d’Arles. Il a été reconduit en 2016 contre l’avis d’une majorité du personnel et des étudiants. Il lui est notamment reproché son attitude autoritaire envers les membres du personnel, ainsi que son manque d’investissement pour le futur de l’école. En juillet dernier, il a organisé une fausse inauguration des nouveau locaux de l’ENSP comme en témoigne les élèves du l’école arlésienne dans un communiqué : « Nous sommes toujours dans notre ancienne école, le matériel emballé dans des cartons, privés des ateliers qui font notre dynamisme ».

Une crise qui dure

Face à l’inaction des ministères de tutelles, les élèves passent à la vitesse supérieure. Le 24 septembre, les étudiants de l’école parisienne manifestent devant le siège de direction générale de la création artistique (DGCA), qui soutient la nomination arbitraire de Rémy Fenzy au poste de directeur de l’ENSCI – Les Ateliers. À la fin du mois d’octobre, une assemblée générale étudiante décide la mobilisation pour le mois suivant. Cette mobilisation prend la forme d’actions symboliques. Le premier week-end du mois de novembre, un mur de parpaings est construit dans la cour de l’école parisienne et le bureau du futur directeur est condamné à l’aide de planches.
La semaine du 4 novembre est marquée par une succession d’agora, d’ateliers et de conférences qui ont pour but d’affirmer le positionnement collectif des acteurs de la mobilisation. Patrick Bouchain, co-fondateur de l’ENSCI – Les Ateliers, discute des fondements de son école. Aurélien Fouillet y évoque le design et la politique. La mobilisation prend une tout autre tournure lorsque, le 13 novembre, la nomination de Rémy Fenzy est entérinée. Le blocage de l’école est voté, à l’unanimité, par les élèves et les membres du personnel présents, pour la semaine suivante. Et ce, jusqu’à ce qu’une réelle alternative soit proposée par les ministères de Bercy et de la rue de Valois.

Le mouvement de contestation est caractérisé par une solidarité entre les élèves et les membres du personnel de l’ENSCI – Les Ateliers, qui s’opposent à l’unisson à la nomination de Rémy Fenzy. À l’’instar du designer français Stéphane Villard qui enseigne rue de Saint-Sabin et affirme sa « solidarité au mouvement étudiant car leurs revendications sont très légitimes, et qu’entre autres éléments, la nomination de Mr Fenzy s’est faite en opposition avec les recommandations du CA et des membres du personnel qui ont pourtant été consultés pour avis ».
Un soutien qui dépasse les murs de l’école parisienne, puisque les élèves et les membres du personnel  de l’ENSP d’Arles expriment officiellement leur soutien à travers un communiqué, le 15 novembre. Tout comme l’Alliance France Design (AFD) qui déplore que « la voix des professionnels du design, des enseignants et des étudiants [n’ait] pas été entendue à sa juste valeur ».

Replacer l’école au coeur du projet

Ce cri d’inquiétude des élèves et du personnel de l’ENSCI – Les Ateliers traduit un mal plus profond, à savoir la tendance de l’administration publique à formater les écoles nationales de création. Le lissage des spécificités de chacune mène, à terme, à proposer les mêmes programmes que les écoles traditionnelles d’art. Ainsi, Émile déplore « l’entrée de l’ENSCI sur Parcoursup » et donc la disparition d’une partie de son concours d’entrée, qui fait l’identité et le rayonnement de son école.

L’école parisienne, qui a formé des designers de renom comme Matali Crasset, Constance Guisset ou Mathieu Lehanneur, est classée au second rang des écoles et universités d’Europe et d’Amérique dans le Red Dot Design Ranking 2016. Elle « est censée être le fleuron des écoles de design en France » avance Émile. À cette fin, élèves et personnel doivent construire un projet qui replace la création industrielle au premier plan. Un projet qui bénéficiera d’une qualité d’enseignement qui a fait la réputation de l’ENSCI – Les Ateliers, et que l’AFD explique « en partie [par] les rapports équilibrés et bienveillants construits entre la direction, les personnes enseignants et les étudiants ».
Pour le moment, le blocage est le mot d’ordre. Si bien que l’exposition « Terre et verre », qui devait débuter aujourd’hui, est reportée à une date ultérieure, encore inconnue. Issue de deux workshops encadrés, l’exposition sur les arts du feu et de la terre devait exprimer la rencontre entre de jeunes élèves designers de l’ENSCI – Les Ateliers et des artisans d’exception.

Placer l’humain au coeur du processus de designnu

Depuis 1957, la WDO, anciennement International Council of Societies of Industrial Design (Icsid), promeut le design industriel comme vecteur de croissance économique, sociale, culturelle et environnementale. Composée à l’origine de 12 associations, la WDO, dont le siège se trouve à Montréal (Canada), regroupe aujourd’hui 140 organisations réparties dans 40 pays qui ont une vision commune : placer l’humain au centre du design.
Parmi les outils de promotion du design industriel, la WDO dispose du programme World Design Capital (WDC). Tous les 2 ans, l’organisation internationale récompense les villes pour leur utilisation du design dans une démarche de développement économique, social, culturel et environnemental. La ville française de Lille a été désignée capitale mondiale du design pour 2020. Pendant 1 an, la ville du Nord mettra en avant les politiques urbaines et les innovations durables qui améliorent la qualité de vie.

Intégrer le design dans les usages de demain

Toute sa carrière, Anne Asensio s’est ingéniée à aller là où on ne l’attendait pas, avec toujours un coup d’avance : chez Renault, elle participe à l’invention de la voiture à vivre ; recrutée par General Motors, elle crée un brand center et redonne du sens aux marques en travaillant les leviers émotionnels du rétro-design. Vice-présidente Design Experience de Dassault Systèmes, elle accompagne la transformation technologique et numérique des industriels en les plaçant au coeur des usages et des besoins de demain, dans une démarche de design thinking empathique et systémique. Aujourd’hui, avec la même énergie communicative, elle définit des expériences comme elle dessinait hier des objets. Son parcours fait partie de ceux que l’on cite volontiers en exemple, avec ce penchant bien français de souligner l’exception qui vient confirmer la règle : après les Beaux-Arts, puis l’Ensaama, elle intègre dans les années 1980 le groupe Renault et réussit, en 1997, à être nommée Femme de l’année de l’industrie automobile. En 2000, General Motors vient chercher l’experte pour prendre la tête du département design et redynamiser ses marques. Et c’est la visionnaire que Dassault Systèmes recrute en 2008 pour conforter le design au coeur d’enjeux stratégiques. Rencontre avec une femme d’expériences.

Qu’est-ce qui a motivé ce virage du design industriel au design d’expérience ?

A. A. : C’est un vrai choix, lié à une rencontre. J’étais designer automobile, j’ai dessiné des voitures pourdifférentes marques dans divers pays. Avec le recul, je trouve que c’était un travail fin, magnifique, focalisé sur la forme extérieure, l’expérience intérieure, les couleurs, les matières : l’objectif était d’offrir quelque chose de beau dans lequel on allait avoir du plaisir. Puis les années 2000 ont vu l’arrivée du numérique de manière exponentielle, il y a eu la bulle et, surtout, une accessibilité et une démultiplication qui ont, pour certains, transformé leur vision du monde, et j’en faisais partie…

‍

La créatrice a le Japon dans la peau. Inspirée par son folklore comme en témoigne son tatouage de Totoro, la créature du film d’animation japonais éponyme, la céramiste lance son atelier Tsukumogami en 2017. Dans un premier temps, elle se forme au Kitsungi en autodidacte. Les vidéos et tutoriels disponibles sur internet lui apprennent les rudiments du métier. Puis elle suit un stage d’un mois auprès d’une maître Kitsungi venue de Kyoto, avec l’ambition de maîtriser toutes les facettes de cet art.
La technique de réparation japonaise reste la même, que la création soit d’Eugénie Crétinon ou que l’objet qu’elle répare provient d’un particulier. Les morceaux sont recollés les uns aux autres à l’aide de laque, qui est ensuite saupoudrée d’or.
Au-delà de la céramique, le Kitsungi peut aussi s’appliquer au bois. La céramiste française travaille aujourd’hui sur la restauration de poupées traditionnelles japonaises.
Eugénie Crétinon transmet aussi ses compétences à ceux qui désirent apprendre. Dans les locaux de son atelier de Montreuil, les apprentis découvrent, au-delà de l’artistique, une forme de résilience qui leur permet de dompter leur passé en recollant les morceaux brisés ou de transmettre une histoire personnelle à travers un objet.
Le travail de Kitsungi d’Eugénie Crétinon côtoie ses collections céramiques traditionnelles, en grès moucheté modelé et/ou tourné puis émaillé à la main, au sein de la boutique Habitat République jusqu’au 31 décembre 2019.

Habitat République – 10 place de la République, 75011 Paris
Boutique en ligne – https://www.etsy.com/shop/tsukumogami/

C’est donc Lyon qui a été choisie pour le tout nouveau campus de l’école Strate. La ville française a été sélectionnée pour son emplacement crucial, au carrefour entre l’Europe du Nord et la Méditerranée.
La ville rhodanienne offre un environnement d’innovation de choix pour l’école. Tandis que le campus indien favorise les design automobiles et le campus parisien traite du thème des mobilités, l’école lyonnaise innovera autour de la lumière. Un axe majeur de développement rendu possible par le partenariat avec Lumen, cité de la Lumière, construit à deux pas du nouveau campus.

Près de 450 étudiants étaient attendus pour la rentrée de septembre. Répartis par promotion de 90, ils entament une formation estampillée Programme Grande École – Bac+5, avec l’opportunité de se spécialiser dans l’un des six domaines enseignés par Strate Lyon : interaction et immersion, mobilité, identité, produits et enfin espace.
Au cours de la formation, les futurs designers seront amenés à mettre en œuvre les concepts étudiés. Pas moins de 25 projets sont prévus sur les 5 années d’études, dont 5 en relation avec l’industrie et 1 projet interdisciplinaire avec des ingénieurs.

Le design vu par Strate

L’école Strate considère le design comme un élément clé dans l’expérience de vie de chacun.  D’une part, il est fait de pragmatisme. Un designer ne peut avoir un impact sur le monde que s’il évolue dans celui-ci. C’est pour cela que les étudiants sont plongés dans le monde du travail tout au long de leur cursus, dans le cadre de stage à intervalles réguliers. D’autre part, il est fait d’interdisciplinarité. Le design de qualité croise les regards et les expertises de différents champs de connaissances. C’est pourquoi Strate propose des doubles-diplômes en partenariat avec Sciences Po Paris et Grenoble École de Management (GEM).
L’institut d’études politiques apporte une dimension sociologique à l’innovation. L’environnement dans lequel le produit prendra place est étudié et compris à travers le prisme des sciences politiques. La démarche sociologique permet au futur designer de répondre à de réelles problématiques et de produire un travail plus simple et plus consommable. Ce double-diplôme apparait comme une évidence pour Guillaume Lom Puech, directeur de l’école Strate de Lyon, qui considère l’approche de Sciences Po Paris « à l’image de ce qui est fait à Strate ».
Le parcours avec Grenoble École de Management touche plus à la stratégie mise en place autour du produit. Avec ce diplôme, les étudiants-designers prendront part à la totalité du processus de création, de la réflexion stratégique en entreprise à la réalisation en atelier.
La polyvalence de Strate est portée par Guillaume Lom Puech, ancien directeur pédagogique à l’EEGP-École supérieure d’Arts Appliqués et Design, qui souhaite « faire évoluer les écoles et les métiers avec le monde ». Lui-même entrepreneur, designer et architecte, il ambitionne de faire de son école une véritable entreprise, dédiée à l’accompagnement de ses étudiants dans la réalisation de leurs projets scolaires et professionnels.

Une ouverture au monde essentielle pour Strate

L’école Strate est membre du Groupe Galileo Global Education. Le réseau, premier opérateur d’enseignement supérieur privé en Europe, regroupe notamment l’école française d’architecture Penninghen ou encore l’institut italien de mode et de design Istituto Marangoni.
Fort de cette appartenance, Strate mise dans sa pédagogie sur l’international. La 4e année du cursus est ponctuée d’un séjour à l’étranger. Pendant 6 mois, les étudiants-designers effectuent un stage ou un échange académique dans l’une des 55 écoles partenaires comme Politecnico di Milano, une école d’ingénieurs italienne. La confrontation à d’autres cultures, d’autres pédagogies ou milieux de travail, ou encore la formation linguistique favorisent une ouverture d’esprit et un élargissement des compétences et des expériences qui seront appréciées lors de l’entrée sur le marché du travail.
90% des diplômés de Strate trouvent un emploi dans l’année qui suit la fin de leurs études, dont 8% à l’étranger. Un gage de l’effectivité de cette pédagogie internationale, renforcée par des parcours professionnels solides pour plusieurs diplômés, à l’image du Français Julien Montoussé, de la promo 2004, qui dirige l’équipe nord-américaine de design de Mazda, ou de Michael Harboun, Luxembourgeois de la promo 2011, actuellement directeur de projet au sein de l’entreprise américaine IDEO.

‍

La mission de la Maison Marcoux Mexico est d’amener l’Europe au Mexique en alliant « la créativité européenne et le savoir-faire traditionnel mexicain » explique Sylvain Marcoux.
Pendant une semaine, l’Europe s’immerge dans l’atelier mexicain. Une démarche nécessaire pour l’ancien chargé de relation presse qui souhaite emmener « les designers au-delà de leur savoir-faire industriel ».

Une identité à déterminer

De cette synergie est née la collection « mezcalienne » de Constance Guisset. Révélée lors de la Paris Design Week 2019, la 1re collection de la Maison Marcoux Mexico est un mélange de création contemporaine et d’héritage ancestral.
Bien que la designer française ait fait le choix de « travailler la barro negro, l’argile noire », caractéristique de l’État d’Oaxaca, Sylvain Marcoux prône la diversité des matériaux. Il désire que sa maison d’édition soit perçu autrement qu’ « une simple maison de céramique ».
C’est pourquoi il souhaiterait que la prochaine collection « travaille l’argent ou l’obsidienne ». Malgré tout, il laisse « carte blanche au designer qui accepte le challenge », à condition que le matériau choisi soit façonné par les artisans mexicains.

Une 1re collection en terre noire

‍

Constance Guisset propose 9 pièces en terre noire, fabriquées en collaboration avec les artisans de l’atelier mexicain Coatlicue Artesanias.La collection est composée de 7 vases, tournés à la main, ainsi que d’une table « sombrero » qui rappelle des formes symboliques du pays et d’une carafe « penacho », inspirée des danses locales.Un ensemble de créations utiles pour le particulier qui illustre la vocation de la Maison Marcoux Mexique de « faire des objets, pas du mobilier » insiste son fondateur.Après les vitrines de l’Institut culturel du Mexique, les 7 vases et la carafe « penacho » sont désormais visibles dans la boutique du Musée Quai Branly – Jacques Chirac, à Paris.

Après la Tchèque Lucie Koldova en 2018 et le duo australien Truly Truly en 2019, c’est au tour d’un trio d’exposer sa créativité dans le Hall 3. MUT Design, fort de ses productions à succès comme le Nautica ou les Twins Armchair, accepte volontiers le challenge. Les fondateurs du studio, Alberto Sánchez et Eduardo Villalón, rejoints ensuite par la designer hollandaise Alika Pola Knabe, veillent à traduire leurs émotions dans la scénographie de leurs créations design.La « Das Haus » sera une maison idéale, et non véritable. Inspirée par leurs passés et leurs vies dans la région de Valence, leur production s’ancrera dans l’architecture des maisons traditionnelles méditerranéennes. Car ils considèrent que le quotidien dans son ensemble doit être la source d’inspiration primaire d’un designer.

Le studio espagnol brise la notion d’intérieur et d’extérieur

‍

‍

Les Espagnols chérissent un mode de vie « a la fresca ». Toute occasion est bonne pour manger, dormir ou rencontrer en dehors des murs de la maison. Ainsi, l’espace extérieur devient une extension de l’espace intérieur.
Le trio valencien pousse l’idée plus loin en supprimant la dualité intérieur-extérieur. Exit la structure classique. Les murs tombent, laissant apparaître les quatre pièces de leur projet, baignées de la lumière naturelle du soleil, et cloisonnant le patio au centre de la maison.
Puis il chamboule les présupposés. Les salles de socialisation deviennent intimes et inversement. Ainsi, la cuisine et la salle à manger propices aux échange deviennent des zones de repos, où l’individualité prime. La salle de bains, et la chambre à coucher se transforment en zones de partage et de vie.
MUT Design casse les codes dans le but de créer la confusion. Le studio souhaite donner une autre utilisation des objets afin d’inciter la réflexion des visiteurs sur l’usage de la maison. Ainsi, la salle de bains ne sera pas complétée par une baignoire ou une douche, comme à son habitude, mais par un hamac.

Une vitrine pour MUT Design

Rendez-vous incontournable de la scène du meuble européen, l’Imm de Cologne est l’occasion pour le studio de présenter son travail au plus grand nombre.
Les murs « encalados » de la maison, blanchis à la craie pour garder la fraîcheur et refléter la lumière comme en Espagne, accueilleront les deux produits qui ont révélé le studio au monde entier. La chaise suspendue Nautica et les Twins Armchair, chacune récompensée par le Red Dot Award, en 2014 et en 2017, trôneront dans deux des quatre salles de la « Das Haus ».
Le salon sera aussi l’occasion de dévoiler près de 10 nouveaux produits, estampillés MUT. Du mobilier créé spécifiquement pour la « Das Haus », qui aura un usage double, puisqu’il pourra être utilisé en intérieur et en extérieur.
À ces inédits se mêleront quelques produits accessoires issus du travail de jeunes designers étrangers.

Un studio qui se veut familial

Dérivé du catalan, MUT prend le sens de « Silence ! » en français et « Courage » en allemand, comme un mot d’ordre qui guide le trio. Devenu l’une des références du design européen, il assure un travail de qualité, fidèle à ses valeurs.
Près d’une décennie après sa création, le studio valencien est resté le même. Dès le début, Alberto Sánchez et Eduardo Villalón se sont entourés de quelques personnes de confiance, qui partagent leur vision créative.
Propulsé sur la scène internationale, le trio tient à maintenir son style de travail. Tout en visant des éditeurs et des clients d’un plus haut standing, il veut absolument continuer à se focaliser sur le plus important : l’ADN de leur design, à savoir un travail sur les matériaux naturels comme le verre soufflé, le bambou ou la céramique.