Events

Tout a commencé en 2006, lorsque Jean-Pierre Blanc, alors directeur de la Villa Noailles à Hyères, fait appel à François Azambourg. Ce dernier a pour mission de penser le réaménagent d’une pièce de la maison, qui doit inclure un objet en particulier : un vase en verre. Pourtant peu attiré par ce matériau, le designer conçoit que « sa transparence est intéressante. » La machine est lancée. Une semaine durant, il travaille étroitement avec les artisans du CIAV sur le décor du verre, plutôt que la texture même du matériau. Très vite, ils se rendent compte que la clé se trouve dans le soufflage. Il en existe trois formes. Le soufflé libre, le fixe avec un moule en métal et le tourné. François Azambourg en propose alors une quatrième : le soufflé fixe dans une matrice en bois. « Le verre est soufflé pendant une minute, à 800°C », explique-t-il, et ressort imprimé des nervures, des nœuds et des crevasses du pin Douglas. Ainsi est né le vase éponyme, première création de François Azambourg et du CIAV.

« Prendre un instantané de ce mouvement en le figeant. »

Aujourd’hui cette collaboration ne se résume pas qu’au Douglas. Sur une des tables de bois de la maison Christie’s, plusieurs dizaines de vases cohabitent. Car dix ans durant, le designer et les artisans verriers lorrains ont pensé à de nouvelles créations, des variations du vase originel. La réflexion s’est d’abord orientée sur le mouvement du verre, et sur la façon de « prendre un instantané de ce mouvement en le figeant. » Chaud, il a  été sorti prématurément de son moule : pas trop tôt pour que l’essence du bois s’imprime sur les parois du vase, mais assez tôt pour que le verrier puisse étirer et le manipuler à sa guise, lui conférant cette sensation de mouvement.

Dans la salle attenante, les murs sont parés de tableaux représentant des fleurs ou des plantes. Des dessins qui sont croquis, réalisés par François Azambourg lui-même, et qui font écho aux créations posées au centre de la pièce.

Avec Brindilles, le designer replace la nature et la notion de territoire au cœur de la réflexion : chaque vase varie en fonction de la saison et du lieu de cueillette. « Habituellement, le décor des vases se fait à froid, mais le verre est plus fragile. C’est plus intéressant de travailler le matériau lorsqu’il est chaud », considère le créateur français. Les plantes et branchages sont plaqués contre les parois du moule, dans lequel est soufflé le verre. L’absence d’air permet à la plante de ne pas brûler et de laisser sa marque le long du vase. Quelques fois, le processus de création a été altéré par des soucis de calandrage. « La plante est imprimée en partie sur le rebord du vase, ce qui le déforme, explique François Azambourg, c’est un accident qui ouvre la question de ce qui peut être fait ou non en matière de création, un nouveau territoire de jeu. »

Puis vient Intouchables.

Cette création qui clôt l’exposition illustre le fait «qu’il n’existe pas d’échec dans la création » pour le designer. « Il y a une partie d’aléatoire avec le verre, si ça n’est pas bon on le casse. » Le verre est soufflé, puis il est laissé à refroidir. Dans un deuxième temps, il est réchauffé dans un four avant d’être roulé sur une tôle ajourée sur laquelle sont placés les éclats des précédentes expérimentations.
Au total, ce sont trois salles de l’immeuble du 9 avenue Montaigne qui sont consacrées au travail de François Azambourg et du CIAV. Loin de la scénographie, le designer français préfère parler de « filiation ». « Chacune des pièces présentées apporte quelque chose à celle qui est autour. Aux murs, les dessins préparatoires affichent la recherche de motifs. »

Au-delà de la créativité artistique, il y a une démarche scientifique dans le travail du designer. Les croquis font office de protocoles pour reproduire les vases sans fin. Il est conscient de la dualité qui existe entre la composition artistique et la rentabilité : « il faut aujourd’hui des objets qui soient faciles à reproduire ».
L’expérimentation demeure cependant la caractéristique principale dans la réflexion de François Azambourg. Selon lui, « la production est comme un instantané d’un objet à la croisée des chemins entre le moment où on la pense et le moment où on la réalise ». Un résultat final qui, dans le cas du verre, surprend souvent l’artisan et le designer.

“Exprimentations” – François Azambourg x CIAV/Meisenthal
Christie’s à Paris – du 24 février au 4 mars 2020

‍

Inédit cette année, Frédéric Hocquard, adjoint à la Maire de Paris, chargé de la vie nocturne et de la diversité de l’économie culturelle a demandé à 3 personnalités reconnues des métiers de la création d’endosser la robe de présidents du jury : India Mahdavi pour le design, Hugo Barrière pour les métiers d’art et Julien Fournié pour la mode.
Parmi les 200 candidats, les jurys ont sélectionné 10 projets dans chaque catégorie. À l’issue de leur délibération, ils ont remis 5 prix du « Talent émergent » à un professionnel dont le projet est particulièrement prometteur et 5 « Grands Prix » à un professionnel confirmé pour la qualité de son projet, sa stratégie de développement, et son engagement dans la transmission des savoir-faire ou l’innovation. En plus de la reconnaissance de leurs pairs, les lauréats des Grands Prix de la Création se voient doter de 15 000 €, dont 8 000 € proviennent de la ville de Paris. Une dotation enrichie par le Fonds de dotation des Ateliers de Paris par des partenaires privés : le Groupe Galeries Lafayette, la Fédération Française du Prêt à Porter Féminin, ESMOD, Roger Pradier, la Fondation Rémy Cointreau et Victoire.

Catégorie Design

Natacha&Sacha désigné « Talent Émergent 2019 »

Le studio de design natacha&sacha repense l’usage de certains objets afin de répondre aux besoins sociaux et environnementaux. Le duo souhaite changer la façon dont on conçoit, produit et perçoit les objets technologiques et électroniques afin de les rendre plus désirables et donc durables.
‍
www.natachasacha.fr / @natachaetsacha

Jean-Baptiste Fastrez lauréat du « Grand Prix »

Basé à Paris, le designer diplômé de l’ENSCI – Les Ateliers repense aussi les usages des objets en transférant les savoir-faire. Il travaille sur différents projets de produit et d’espaces, de la série limitée à l’édition industrielle pour des maisons telles que Kvadrat, Sèvres / Cité de la céramique ou Moustache. En 2019, il signe sa première exposition personnelle avec la Galerie kreo et présente une rétrospective de ses dix premières années de travail à Mayenne.

‍www.jeanbaptistefastrez.com / @jeanbaptistefastrez

Catégorie Métiers d’art

Le « Talent émergeant » William Amor

À travers ses compositions florales, William Amor se mue en conteur d’histoires. L’artiste réinvente le métier de parurier floral. Il spécialisé dans la valorisation des matières délaissées : ses ornements floraux nés de la pollution plastique visent à faire des déchets une matière noble du luxe. À sa démarche artistique, s’ajoute une dimension sociale, l’artiste s’entoure pour ses productions de personnes handicapées les petites mains d’or à qui il transmet son savoir-faire.

‍www.creationsmessageres.com / @william.amor

Le « Grand Prix 2019 » pour Cécile Feilchenfeldt

Cécile Feilchenfeldt est Suisse, a grandi à Munich, a fait ses études en design textile à Zürich et s’est installée à Paris en 2007. L’artiste utilise les techniques traditionnelles de tricot et de tissage pour expérimenter la matière. Des créations en nylon, rafia, lycra, coton ou cashemere qui racontent une histoire en 3D.

‍www.cecilefeilchenfeldt.com / @cecilefeilchenfeldt

Catégorie Mode

« Talent émergeant 2019 », Marianna Ladreyt

Fascinée par la toge grecque et la mythologie, l’artiste française joue avec les drapés pour les adapter à la modernité. Finaliste du Festival International de la Mode à Hyères en 2017, elle lance en 2018 une collection de sacs, aventure qui la conduit à lancer sa marque éponyme de prêt-à-porter et accessoires en février 2019.  Ses deux premières collections sont présentées durant la Fashion Week de Paris dans le showroom Designers Apartment au Palais de Tokyo.

‍www.mariannaladreyt.fr / @mariannaladreyt

« Grand Prix 2019 », Valentine Gauthier

Directrice artistique d’un concept store de lifestyle puis grande gagnante du Festival International des Jeunes Créateurs de Mode de Dinard juste avant le lancement de sa marque éponyme en 2007 et l’ouverture de sa première boutique en 2009, le parcours de Valentine reflète son état d’esprit : créatif, volontaire et passionné. En 2018, elle ouvre un flagship dans le Haut Marais à Paris, composé de deux boutiques et d’un appartement.

‍
www.valentinegauthier.com / @valentinegauthierofficiel

Les Grands Prix de la Ville de Paris récompensent les professionnels et jeunes créateurs depuis 1993. À partir de 2003, le palmarès est scindé en 3 catégories distinctes : design, métiers d’art et mode. Chaque année à la rentrée, de nombreuses candidatures sont examinées par des personnalités qualifiées qui sélectionnent une dizaine de candidats dans chaque catégorie. Les finalistes sont invités à venir présenter leur parcours et leurs oeuvres lors d’une audition devant un jury d’experts (acheteurs, éditeurs, galeries, organisateurs de salons, architectes d’intérieur…) qui débattent et choisissent le lauréat. Outre la dotation, les lauréats bénéficient d’une visibilité offerte par les partenaires médias et associés, certains ayant fait partie du jury d’experts comme Intramuros.
Les 6 lauréats seront exposés à la Joyce Gallery du 4 au 19 février 2020 – 168 Galerie de Valois (75001).

‍

À travers cette exposition, les deux commissaires invités Catherine Sabbah et Olivier Namias interrogent sur le devenir des hôtels au regard des nouveaux enjeux environnementaux. Un travail tout d’abord historique qui dévoile le lien intrinsèque qu’il existe entre l’hôtel, les modes de vies et les époques dans lesquels il évolue. Une réflexion ensuite appuyée par 4 projets qui placent les enjeux environnementaux en leur cœur.
À ce jour, l’Ile-de-France compte 2 450 hôtels et 15 000 chambres. Chacun est le reflet des besoins et attentes de l’époque dans laquelle il a évolué. Le Meurice, à son ouverture en 1818, accueillait simplement les voyageurs venant de Calais. Puis des hôtels aux ambitions plus mondaines ont vu le jour, comme le Ritz en 1898. Plus tard, les Trente Glorieuses marquent le début du tourisme de masse. C’est à la même époque que fleurissent les premiers hôtels standardisés à l’image du Hilton Suffren en 1966. Enfin, l’hôtellerie s’est vue dans l’obligation de répondre aux besoins du tourisme d’affaires. Ainsi, de nombreux hôtels ont été construits à proximité de pôles de connexions tels que l’aéroport Roissy-Charles de Gaulle.
L’hôtel se devait de proposer un confort climatique (chauffage, climatisation et eau chaude) à ses clients, sans pour autant prendre en compte l’environnement. Aujourd’hui, l’exposition interroge sur le changement de mentalité de la clientèle, notamment en matière environnementale. Et si le respect de l’environnement devenait un critère dans le choix d’un hôtel ?

L’environnement au cœur de la réflexion

En lien avec l’exposition, 4 projets intègrent les enjeux environnementaux à leur réflexion : le lobby, le corridor et la chambre sont repensés pour être plus responsables.

La marquise – Jean-Benoît Vétillard, architecte

La marquise est un lieu de transition entre l’extérieur, la ville, et l’intérieur, le lobby. Elle marque donc le passage d’un monde à un autre. Ici, elle est en fibres de lin et de résine naturelle, et éclairée par des LED qui sont activées par les visiteurs lorsqu’ils passent la porte-tambour de l’entrée.

Une pièce capable – Lina Ghotmeh, architecte

La chambre s’adapte aux flux qui s’intensifient et répond à la pluralité des besoins. Ainsi, elle devient une pièce de vie, de travail, d’accueil et de sommeil, et répond aux enjeux environnementaux : les murs sont en bois et fibres naturelles, les carreaux de douches sont issus de la transformation du sable et le revêtement du lit est en linge recyclé.

‍

Un voyage, pas une destination – Nicolas Dorval-Bory, architecte

Le couloir d’hôtel est pensé comme un vecteur d’usage : il irrigue les chambres de réseaux et guide le client vers celles-ci. Afin d’être éco-friendly, il répond aux enjeux de durabilité et de salubrité. Les matériaux utilisés, comme le bois, ont une empreinte carbone faible et le confort lumineux est au rendez-vous : l’intensité lumineuse est variée ce qui la rend plus agréable que l’uniformisée que l’ont roule actuellement.

La chambre de demain – Ciguë architectes

Cette chambre questionne l’usage qui est fait de l’eau. Alors qu’une chambre consomme en moyenne 150 litres par jour (pour un hôtel 4 étoiles), ce projet propose d’économiser 70% de l’eau utilisée grâce à un système de bouclage. Sur le toit, des réservoirs permettent de collecter l’eau de pluie et de stocker l’eau filtrée par phytoépuration et charbons actifs.

La centaine de pièces tirées de ces caisses en inox qui ont sillonné l’Ile-de-France pendant 50 ans est réunie à Ground Control (75012) jusqu’au 1er décembre prochain. Le lendemain, elle sera mise aux enchères, au profit de l’association des Restos du cœur. Comme Airbus en avril dernier, Transilien SNCF mise sur l’upcycling pour donner une seconde vie à ces pièces de l’iconique train aux banquettes en skaï orange.

Lier vintage et design

Transilien SNCF et les studios partenaires ont une volonté commune de transformer certaines pièces des « Petits Gris » en objets du quotidien. Tandis que certains se sont concentrés sur les pièces iconiques, comme Rémi Perret qui repense l’utilisation des banquettes, d’autres, à l’image du Studio BrichetZiegler, ont souhaité révéler les pièces invisibles telles que les phares du train tôlé.

Le duo Formel effectue un travail historique autour de ces pièces et décortique les charnières des strapontins des « Petits Gris ». Les deux designers Timothée Concaret et Nicolas Mérigout adoptent une approche rationnelle quant à la création de leur objet et proposent ainsi des tablettes murales rabattables qui usent de ces charnières encore fonctionnelles.

Une 2e vente au profit des Restos du Cœur

Après 2012, Transilien SNCF organise sa 2e vente aux enchères solidaire, dont l’intégralité des profits sera reversée aux Restos du Cœur. Une démarche qui résonne chez les 5 studios partenaires puisqu’ils présentent des objets non seulement esthétiques,  mais aussi utilisables.
Les 125 pièces des « Petits Gris » sont exposées jusqu’au 1er décembre 2019. La vente aux enchères se tiendra le 2 décembre prochain à 18h30 et simultanément à Ground Control (75012).

‍

Après la Tchèque Lucie Koldova en 2018 et le duo australien Truly Truly en 2019, c’est au tour d’un trio d’exposer sa créativité dans le Hall 3. MUT Design, fort de ses productions à succès comme le Nautica ou les Twins Armchair, accepte volontiers le challenge. Les fondateurs du studio, Alberto Sánchez et Eduardo Villalón, rejoints ensuite par la designer hollandaise Alika Pola Knabe, veillent à traduire leurs émotions dans la scénographie de leurs créations design.La « Das Haus » sera une maison idéale, et non véritable. Inspirée par leurs passés et leurs vies dans la région de Valence, leur production s’ancrera dans l’architecture des maisons traditionnelles méditerranéennes. Car ils considèrent que le quotidien dans son ensemble doit être la source d’inspiration primaire d’un designer.

Le studio espagnol brise la notion d’intérieur et d’extérieur

‍

‍

Les Espagnols chérissent un mode de vie « a la fresca ». Toute occasion est bonne pour manger, dormir ou rencontrer en dehors des murs de la maison. Ainsi, l’espace extérieur devient une extension de l’espace intérieur.
Le trio valencien pousse l’idée plus loin en supprimant la dualité intérieur-extérieur. Exit la structure classique. Les murs tombent, laissant apparaître les quatre pièces de leur projet, baignées de la lumière naturelle du soleil, et cloisonnant le patio au centre de la maison.
Puis il chamboule les présupposés. Les salles de socialisation deviennent intimes et inversement. Ainsi, la cuisine et la salle à manger propices aux échange deviennent des zones de repos, où l’individualité prime. La salle de bains, et la chambre à coucher se transforment en zones de partage et de vie.
MUT Design casse les codes dans le but de créer la confusion. Le studio souhaite donner une autre utilisation des objets afin d’inciter la réflexion des visiteurs sur l’usage de la maison. Ainsi, la salle de bains ne sera pas complétée par une baignoire ou une douche, comme à son habitude, mais par un hamac.

Une vitrine pour MUT Design

Rendez-vous incontournable de la scène du meuble européen, l’Imm de Cologne est l’occasion pour le studio de présenter son travail au plus grand nombre.
Les murs « encalados » de la maison, blanchis à la craie pour garder la fraîcheur et refléter la lumière comme en Espagne, accueilleront les deux produits qui ont révélé le studio au monde entier. La chaise suspendue Nautica et les Twins Armchair, chacune récompensée par le Red Dot Award, en 2014 et en 2017, trôneront dans deux des quatre salles de la « Das Haus ».
Le salon sera aussi l’occasion de dévoiler près de 10 nouveaux produits, estampillés MUT. Du mobilier créé spécifiquement pour la « Das Haus », qui aura un usage double, puisqu’il pourra être utilisé en intérieur et en extérieur.
À ces inédits se mêleront quelques produits accessoires issus du travail de jeunes designers étrangers.

Un studio qui se veut familial

Dérivé du catalan, MUT prend le sens de « Silence ! » en français et « Courage » en allemand, comme un mot d’ordre qui guide le trio. Devenu l’une des références du design européen, il assure un travail de qualité, fidèle à ses valeurs.
Près d’une décennie après sa création, le studio valencien est resté le même. Dès le début, Alberto Sánchez et Eduardo Villalón se sont entourés de quelques personnes de confiance, qui partagent leur vision créative.
Propulsé sur la scène internationale, le trio tient à maintenir son style de travail. Tout en visant des éditeurs et des clients d’un plus haut standing, il veut absolument continuer à se focaliser sur le plus important : l’ADN de leur design, à savoir un travail sur les matériaux naturels comme le verre soufflé, le bambou ou la céramique.

‍

Intervenantes :

Johanna Rowe Calvi, UX designeuse et Fondatrice de Women in Design

Laure Guillou, Designer et bénévole de l’association

Modération : Nathalie Degardin, rédactrice en chef Intramuros

Durant un an, Women in Design a mené une enquête minutieuse pour rechercher 52 designeuses au parcours emblématique, connues ou non. Avec leurs clients, intégrées en agence, en entreprise, dans l’industrie, elles font bouger les lignes internes en promouvant une démarche design inclusive. Dès septembre, le collectif dévoilera un profil par semaine. Retour sur cette enquête avec des membres de ce groupe.

Une conférence donnée le dimanche 11 septembre, à l’Intramuros Café, dans le cadre de la Paris Design Week 2022.

‍