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Le mois d’octobre est devenu, depuis quelques années, le rendez-vous annuel des collectionneurs et des amateurs d’art. En parallèle d’Art Basel, Design Miami Paris s’ouvre ce mardi 20 octobre pour cinq jours. Implantée au sein de l’hôtel de Maisons, derrière les hauts murs du 51 rue de l’Université, cette cinquième édition s’articule autour de la thématique « Design for presence ». Une présence incarnée par différents courants artistiques. Ici, les lignes modernistes des bijoux dessinés par Pierre Charreau et le mobilier de Jean Prouvé se confrontent aux formes généreuses et aux techniques ornementales présentées par un corpus de galeries internationales. Une approche contrastée de la création sur laquelle nous éclaire Jen Roberts, directrice générale de Design Miami depuis 2015.

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Cette année, le design historique français et les arts décoratifs seront à l'honneur. Pourquoi ce choix ?

C’est à Paris qu’une grande partie de l’histoire du design et des arts décoratifs français s’est écrite, et c’est là qu’elle reste aujourd’hui encore très vivante. La ville abrite une concentration exceptionnelle de galeries spécialisées, d’ateliers et de collectionneurs qui connaissent parfaitement ces périodes. Ici, les œuvres historiques sont comprises et activement collectionnées. Il est donc logique que notre édition parisienne leur accorde plus de place que celle de Miami.

Cette dynamique se ressent tout au long du salon. La Galerie Maxime Flatry rassemble un ensemble rare d’œuvres modernistes françaises des années 1930, articulé autour d’un ensemble majeur de Robert Mallet-Stevens et présenté aux côtés d’œuvres de Pierre Chareau, Eileen Gray et Pierre Legrain. Laffanour | Galerie Downtown présente des œuvres de Le Corbusier, Pierre Jeanneret et Charlotte Perriand. Mitterrand expose des œuvres de Claude et François-Xavier Lalanne, notamment une paire exceptionnelle de « Singes Attentifs » et une « Pomme de Londres » datant de 2007. Et dans les jardins, dans le cadre de « Design at Large », les visiteurs pourront découvrir « Le Très Grand Ours » de François-Xavier Lalanne, un ours en bronze de trois mètres de haut.

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Comment la sélection de Design Miami Paris — qui se concentre principalement sur les pièces de collection — s’inscrira-t-elle dans ce thème historique ?

Il existe un lien naturel entre le thème historique et l’orientation du salon vers le design de collection. Le salon réunit des œuvres historiques et contemporaines, permettant ainsi aux visiteurs de suivre l’évolution des idées de design au fil du temps. Chaque pièce est examinée par des experts indépendants. Les œuvres historiques capturent un moment précis, qu’il soit marqué par une avancée technique, un mouvement artistique ou un bouleversement social ou politique. Elles offrent aux designers d’aujourd’hui une histoire sur laquelle s’appuyer, et permettent aux collectionneurs de replacer les œuvres contemporaines dans leur contexte. Souvent, les moments les plus intéressants se produisent là où les deux se rencontrent. La Galerie kreo associe des luminaires français et italiens du XXe siècle à des éditions limitées signées par des designers tels que Jasper Morrison et Virgil Abloh. Cette juxtaposition rend visible la relation entre les époques. Le Salon 94 Design de New York et la SIDE Gallery de Barcelone apportent également au salon des perspectives venues d’au-delà de la France.

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Faut-il s’attendre à des liens visuels entre ces univers, ou à un anachronisme délibéré ?

Les liens visuels comme les contrastes délibérés font partie du plaisir de ce salon. En quelques pas, on peut passer d’un meuble des années 1930 à une pièce achevée ce printemps. Parfois, le lien est explicite. À la Galerie SCÈNE OUVERTE, l’exposition « Around a Desk : A Contemporary Vision of Decorative Arts » rassemble le bureau et le totem en argent allemand du Studio Lugo, ainsi que le canapé du Studio KRJST, conçu autour d’une tapisserie unique en son genre. Ces deux œuvres dialoguent clairement avec la tradition française des arts décoratifs. Ailleurs, c’est le contraste qui fait toute la force de l’exposition. Dans les jardins, la maison préfabriquée de Jean Prouvé, datant de 1944, se dresse près de la balançoire en bronze d’Irene Cattaneo, réalisée cette année.

Les nouveaux exposants élargissent également le débat sur le plan géographique. La galerie A/P Room, originaire de Dubaï, présente des œuvres brésiliennes du milieu du siècle dernier signées Joaquim Tenreiro, Abraham Palatnik et Branco e Preto, aux côtés d’Originform, une nouvelle série de luminaires sculpturaux de Rogan Gregory, ainsi que des objets de l’architecte et céramiste libanais Zein Daouk. Les liens s’établissent davantage par la forme et la matière que par la date, et les pièces historiques et contemporaines occupent une place équivalente.

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Que l’accent soit mis sur le design moderne ou contemporain, le cadre architectural de l’hôtel de Maisons influence-t-il, d’une manière ou d’une autre, votre sélection artistique ?

Tout à fait. C’est notre quatrième édition à l’hôtel de Maisons, et le cadre a son importance. Le lieu est une demeure, pas un hall d’exposition. Les meubles et les objets s’y découvrent donc à une échelle domestique, dans des pièces baignées de lumière naturelle et chargées d’histoire. De nombreuses galeries adaptent leurs présentations en fonction de la maison. La Galleria Rossella Colombari, par exemple, évoque l’atmosphère d’une maison italienne typique.

À l’extérieur, la cour et les jardins nous offrent l’espace nécessaire pour « Design at Large », notre programme d’œuvres à grande échelle qui ne pourraient pas être exposées à l’intérieur. Cyryl Zakrzewski a conçu son banc en contreplaqué de bouleau pour la Craftica Gallery spécialement pour cet environnement extérieur, et Abel Macias, ancien étudiant de la SCAD, a créé un revêtement de sol capitonné pour l’escalier d’origine du XVIIIe siècle de la maison.

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Parmi les nouveaux talents présentés dans ce numéro, pourriez-vous en citer un ou deux qui, selon vous, pourraient se démarquer dans les années à venir ?

En tant qu’organisateurs, ce n’est pas à nous de désigner des favoris, mais j’invite les visiteurs à découvrir la Galerie SCÈNE OUVERTE, où Adélie Ducasse expose sa première lampe en verre de Murano, ainsi que le Studio Lugo, qui présente un bureau et une bibliothèque en argent allemand en série limitée à huit exemplaires, fruit d’une première collaboration avec la galerie. Tous deux appartiennent à une génération de designers très attachés aux matériaux et à la tradition des arts décoratifs.

Je recommanderais également aux visiteurs de découvrir les quatre designers sélectionnés pour « Designers of Tomorrow », notre programme en partenariat avec Apple. Le thème de cette année, « Design for Presence », s’interroge sur la manière dont le design peut nous aider à ralentir le rythme et à créer des liens. Leurs créations seront dévoilées lors du salon.

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Ci-dessous, visuels de la galerie A/P Room : bibliothèque Arte Viva et lampadaire Upholstered

September 5-7 : Shoppe Object Paris Trade Show, Paris Expo Porte de Versailles, 75015 Paris

September 8-27 : "Contrepoint" exhibition by Anthony Guerrée, Musée Bourdelle, 16, rue Antoine-Bourdelle, 75015 Paris

September 9 and 10 : "Trames" exhibition by Heju Studio at Tarkett, 43 Rue de Saintonge, 75003 Paris

September 9-13 : "The Light Library" exhibition by Studio Meaningful, Ideal Place Gallery, 38, rue des Gravilliers, 75003 Paris

September 9-19 : "Sotto Voce" exhibition, 3 rue Paul Bert, 75011 Paris

featuring: Clément Pasquier, Justine Ménard, Florie Berger, Mélissa Wago-Lala, Mathilde Martin and Sòler Paris

September 9-20 : The "Re-prise de la Bastille" by studio 5.5, Place de la Bastille, 75004 Paris

September 10-13 : "Trois Pièces" exhibition with Polimair, Lucas Zito and Tapicheri, 52 rue Charlot, 75003 Paris 

September 11-13 : "Take one just in case" exhibition, 10 rue Tesson, 75010 Paris initiated by Pierre Castignola and Alexandre Delasalle 

featuring: Augustin Puzio, Atelier Burrata, made by ASTRONAUTS, Lana Arih, Jules Barton, Tin Alaya, Pierre Castignola, Laura Casañas Maya, Alice Clermont, Alexandre Delasalle, Laura Dominici x Basil Schu, Lewis Duckworth, e8 Tableware, Tim Teven, Diego Faivre, Lucas Muñoz Muñoz, Helene Falgayrette, Olga Flor, Lino Gasparitch, LS Gomma, Ebba Studio, Flora Lechner, Anna McAllister, Mark Malecki, Johanna Pichlbauer, Jovien Panné, Sacha Lefèvre, Sigurd Schelde, Marie Verdeil

September 10-14 : Paris Design Week Factory:

Espace Commines: 17, rue Commines, 75003 Paris 

Galerie Joseph: 116, rue de Turenne, 75003 Paris 

Galerie Joseph: 16, rue des Minimes, 75003 Paris 

Galerie Ellia: 10, rue de Turenne, 75003 Paris

September 11 and 12 : IKEA "Home of the Year", 4 rue François Miron, 75004 Paris

September 10 to 19 : PICNIC installation by Cluzel / Pluchon, Hôtel d’Albret, 31 rue des Francs Bourgeois, 75004 Paris 

September 10 to 19 : "Bar Stool" Exhibition, Espace Brownstone, 26 rue Saint-Gilles, 75003 Paris, initiated by Athime de Crécy and Quentin Frichet 

featuring: AC/AL, Antonin Fassio, Arthur Desmet, CPRV, Athime de Crécy, Camille Donias, Claire Lavabre, Cluzel & Pluchon, Denise Merlette, Formel Studio, François Lafortune, Guillaume Bloget, Guillaume Gindrat, Gini Moynier, Giuseppe Formica, Hugo Chaffiotte, Marine Quéré, Meta, Paul Tubiana, Quentin Frichet, Romain Sillon & Clara Ormières, Sacha Parent & Valentine Tiraboschi, Sara Decampos, Théo Leclercq & Camille Viallet, Thelonious Goupil, Tobias Brunner, and Wint Design Lab.

September 10 to 19 : Frgmnt Design Week at Heureux les curieux, 23 rue du Pont aux Choux, 75003 Paris 

featuring: Alexandre Veillon, Alicia Bonnard, Amalgame Studio, Ariane Ronot, Atelier Anova, Atelier Apara, Atelier Perret, Benoit Porte-Proust, Claire Buet, Clémence Birot, Clémence Lucchini, Clément Thevenot, Céline Proust, David Jacquinot, Emma Batsheva Cohen, Faustine Perret, Florence Boujnah, Judith Chauvel-Levy, Kr.Atelier, Louis Daigre, Mahée Billères, Marine Gaillard, Marion Gaudino, Maxime Wan Meenen, Mickaël Gayet, Mileno Guillorel-Obregón, Nessim Kaufmann, Nicolas Guillamot, Olive®, Post Industrial Crafts, Richard Rondelez, Sarah Remy, Studio CoPain, Studio Évaporer, Studio Jumel, Tancrède de Beaumont, Théo Laverne, Valentin Bony, Vincent Cassat, Yohan Thomas in collaboration with Etnisi, La Tête Dans Les Nuages, La Fabrique Materia, Matériaux Urbains, NaturLoop, Pierre Plume, Reed Material, Renature Materials and Tissium

September 10 to 27 : Paris Design Week at BHV Marais, 52 rue de Rivoli, 75004 Paris

featuring: Jean-Baptiste Durand and Simon Geringer, Théo Charasse with Vous pouvez dormir dans la grange, Gaspard Fleury-Dugy, Laure Philippe with studio BrichetZiegler, Gregory Lacoua and BehaghelFoiny

September 10 to October 3 : "Multiples" Exhibition, Galerie des Ateliers de Paris, 30 rue du Faubourg Saint-Antoine, 75012 Paris 

featuring: Camille Viallet & Théo Leclercq, Cluzel / Pluchon, CPRV, Jules Levasseur, Julie Richoz, Kevin Lebouvier - Klaes studio, Laure Philippe, Lila Guédin, Lucien Icard, Nicolas Verschaeve, Selah Creative Office, Studio Poirier Bailay, Valentine Tiraboschi & Sacha Parent, Thelonious Goupil and Unknown Untitled

September 10 to October 4 : "La Tempête" Exhibition by Jérémy Pradier-Jeauneau with Fermob, Arc de Triomphe, Place Charles de Gaulle, 75008 Paris

September 10 to October 10 : "Under Pressure" Exhibition by Marie and Alexandre, Galerie Signé, 33 Rue Bonaparte, 75006 Paris 

September 11 to October 31 : "Petals" exhibition by Patrick Jouin, Galerie de Sèvres, 4 place André Malraux, 75001 Paris

‍For its second French edition, Shoppe Object Paris returns to the Porte de Versailles from September 5 to 7, 2026. Dedicated to the home, design, and lifestyle sectors, this year's fair aligns with the overarching theme of Who's Next: The Dinner. Designed in harmony with this concept, the scenography will center around a large display table featuring over 80 brands, including Michie Studio, Tiptoe, and Rikke Falkow.

Intramuros at the heart of the event

Echoing the fair's curatorial focus, Intramuros will take part in the event by unveiling the "Second Life" exhibition, showcasing the work of designers featured in our September issue. More than just a timely topic, we wanted to highlight concrete and innovative perspectives. Convinced that current challenges should not lead us to stop producing, but rather to open up new creative horizons by revealing the potential of materials, this theme aims to celebrate the ingenuity of a sector that is reinventing its processes and methods. These are the practices that repair, transform, reuse, recondition, and repurpose what we, as consumers, would otherwise discard. Certain that circularity should not come at the expense of desirability, our selection brings together fourteen stories that the editorial team invites you to discover through Monday at Shoppe Object Paris:

- Sander Wassink

- Lucie Gholam

- Fab.BRICK

- Iranzo

- Polimair

- Rikkert Paauw

- ecoBirdy

- James Shaw

- Furniture For Good

- Dirk van der Kooij

- QDB Editions

- Carton Studio

- Maximum

- Antônio Frederico Lasalvia × Moroso

From April 21 to 26, 2026, Salone del Mobile will bring its latest creations to the Lombard capital, gathering over 1,900 exhibitors across the vast aisles of Europe’s largest exhibition center. Beyond the sheer scale of this major event, the 64th edition stands out for its embrace of new paradigms. In a shifting geopolitical and economic landscape, the event is recalibrating its position as a global player. With the launch of Salone Contract, developed with OMA, the introduction of Salone Raritas dedicated to collectible design, and the immersive Aurea experience, the Salone is broadening its scope and strengthening its transdisciplinary approach. At the intersection of economic, cultural, and experiential challenges, the Salone has established itself as a convergence point for industry, design, and emerging markets—a strategic vision championed by its president, Maria Porro.

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To start, could you explain the Salone’s new positioning?

The Salone was founded over sixty years ago. Compared to the market of that era, we are living in a completely different context today, marked by the shock of COVID and the acceleration of transformations that were already underway. One of the major shifts is in furniture retail. In the past, few companies had single-brand showrooms, whereas today, it is an increasingly common trend. More generally, the brand and its communication have become central. At the same time, the contract sector is playing an increasingly important role in business development. Geographic regions that were not accustomed to residential contract projects are now getting involved. It is a massive sector in terms of revenue and is highly international. The Salone is transforming to remain a stable and reliable platform. It is becoming more of an economic and cultural infrastructure, and these two dimensions are closely linked.

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And regarding design, how is it evolving? We are seeing a significant shift between industrial design and collectible design, particularly with Salone Raritas.

Yes, we are seeing a growing demand for bespoke interiors. At the extreme end of this demand is the collectible market, with increased attention on artisanal techniques and the rediscovery of ancient craftsmanship. This is accompanied by an interest in production in locations far from industrial hubs. I would also add that there is a global craze for iconic or vintage pieces. That is why we are launching Salone Raritas. This sector is not on the fringes of the Salone; it truly complements industrial production. If you take the example of a large hotel, industrial production meets all the practical needs, such as the rooms and common areas, but there is always a set of specific pieces designed especially for that space. In the contract world, the strong collaboration between industrial production and unique, one-off pieces is nothing new. This dialogue has always existed, as seen with figures like Andrea Branzi or William Morris, who felt the need to combine industry with craftsmanship.

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At the same time, you are offering Aurea, an immersive experience centered on luxury, created by Oscar Lucien Ono. Can we say that with contract, B2C, and hospitality, the Salone is becoming a global platform?

We have nearly two thousand exhibitors, all very diverse in terms of aesthetics, price, techniques, and materials. But our audience is also interested in broader experiences. Companies are effectively building architectures and environments. This is not a fair centered on the product, but on the project. With Aurea, just as with Pierre-Yves Rochon last year, we are creating immersive experiences where the architect utilizes the full range of what the Salone has to offer. There is a coherence to our approach, but it also involves speaking out and fostering dialogue between different players. Visitors can discover companies, live immersive experiences, participate in moments of exchange, or listen to a master of architecture like Rem Koolhaas. It is a complete experience for professionals. We haven't forgotten students either, with the Satellite, which is essential because they represent the players of tomorrow.

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Speaking of which, you are hosting about 700 young designers under 35. Do you think you can still discover the next Patrick Jouin or the Bouroullec brothers, as Marva Griffin’s Satellite did years ago?

Yes, that is very important. There is also the fact that these young designers are in direct contact with the industry, which is fundamental. That is why, this year, we are organizing a day where several entrepreneurs will visit the Satellite, meet with students and young creatives, and share their experience. We want to encourage these face-to-face exchanges. I was a young designer myself, and sending projects by email often leads to no response. On the other hand, presenting a prototype in person creates a different dialogue and captures the attention of entrepreneurs. That is essential for us.

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Today, is the diversification of the Salone also a way to reinvent itself in the face of other fairs like Collectible in Brussels or 3daysofdesign in Copenhagen?

This is not a competitive strategy. Companies are already combining industrial production, retail, contract work, and sometimes experimental pieces. This diversity reflects a natural evolution of the market. Collectible design fairs primarily target collectors, whereas the Salone offers galleries a different audience, such as developers, hotel chains, and distributors. We act as an accelerator. Similarly, events dedicated to the contract sector are often highly technical. Our goal is to offer an event centered on projects and relationships, with a focus on how we live. In today’s world, there is no room for two identical events. We are therefore seeking to offer a different approach, without overlapping with what already exists.