Actualités

Que représente le contract chez Porada ? 

Il représente environ 30 % des projets et de notre chiffre d’affaire global. On travaille sur des restaurants, des hôtels, mais aussi des projets plus particuliers, en collaboration directe avec le client. Généralement, on est sur un système B2B mais il arrive que l’on fasse aussi du B2C en travaillant de manière rapprochée avec les architectes d’intérieur. 

Et sur le marché français plus spécifiquement ? 

C’est à peu près la même chose, mais la grande particularité en France est que l’on arrive à développer une relation directe avec les architectes d’intérieur, ce qui est beaucoup plus simple pour nous en termes de communication. Contrairement à ce que l’on pourrait penser, ce n’est pas un fonctionnement qui est mis en place partout. Au Moyen-Orient par exemple, il y a beaucoup d’intermédiaires et il arrive que l’on ai finalement très peu d’informations sur un projet. 

‍

‍
Quelles évolutions avez-vous pu remarquer au fil des années ?

Bien que Porada ai toujours touché au contract, avant les années 2000, c’était plus occasionnel. Lorsque l’on a commencé à faire des projets plus conséquents comme le Four Season à Londres en 2006, nous avons commencé à comprendre le marché et les acteurs qui intervenaient. A partir de là, nous avons cherché à être en contact avec les bons acteurs afin que le travail de prescription et les spécifications devienne systématique pour avoir le résultat escompté.

‍

Des difficultés particulières auxquelles vous devez faire face ? 

Je dirais surtout que l’on peut ressentir de la frustration quand on prescrit car nous n’avons pas toujours la transparence sur les budgets pour pouvoir s’aligner. Dans certains cas, on ne sait donc pas si c’est notre produit qui est trop cher ou si ce sont les autres acteurs qui prennent tous les fonds. Hormis cette difficulté, il y en a une qui réside concernant la protection de nos produits. Il n’existe en effet aucune protection à proprement parler pour lutter contre la copie. Lorsque l’on sait ce que représentent les frais de développement d’un produit et qu’une personne extérieure peut librement copier un modèle sans répercussion et à moindre coût, c’est forcément embêtant.

‍

Des exemples de projets contract significatifs pour Porada ?

Il y a beaucoup de projets intéressants mais parmi ceux que je préfère, il y a le restaurant Nobu à Londres pour lequel nous avons tout fait en sur mesure. Il y a également l’hôtel Tsuba à Paris dont j’aime beaucoup le résultat final. En Asie, je pense au restaurant La terrasse à Kyoto par Patrick Jouin, que je trouve très réussi. En termes de projets originaux, nous avons travaillé sur une école au Japon, mené par l’architecte I. M. Pei. Un projet très spécial pour lequel Porada a imaginé tous les bureaux. C’était un gros travail du bois courbé avec des pièces hors collection qui ont été développées spécialement pour le projet.

‍

Plus d'informations à retrouver sur le site Porada.

Au-delà du meuble, c’est une vision contemporaine, efficace et simplifiée de l’ameublement qu’offre Calligaris. Fondée en 1923 dans le Nord de l’Italie, l’entreprise familiale spécialisée dans les chaises en bois, s’est rapidement diversifiée jusqu’à devenir un nom incontournable du design italien. Désormais reconnue internationalement, la marque possède une certaine expertise du contract dont elle fera la promotion lors du salon EspritContract qui se tiendra du 18 au 21 novembre prochain à Paris Porte de Versailles.Pour le groupe, il s’agit « d’offrir au client un projet clé en main afin qu’il n’y ait qu’un seul intermédiaire » explique le directeur de la section dédiée au Contract, Riccardo Mattelloni.

Réinterpréter les usages pour mieux y répondre

Cette branche à la croissance continue depuis le Covid, représente aujourd’hui 10 % du chiffre d’affaires global de la marque. Confrontée directement à l’évolution des modes de vie, celle-ci fait face à un renouveau des demandes. Les usages, jusqu’alors classiques, sont désormais à repenser dans tous les espaces de notre quotidien. Aujourd’hui mixtes, il est « devenu nécessaire d’avoir des espaces ou les gens peuvent faire différentes choses » détaille Riccardo Mattelloni, résumant ainsi : « si les bars deviennent souvent des lieux de rencontres, les hôtels demandent quant à eux de plus en plus d’espaces de coworking...»

Un engagement environnemental indissociable

Dans cette optique de reconsidération des lieux de vie, il est primordial de penser à « la durabilité environnementale » assure Riccardo Mattelloni. Calligaris, certifiée Forest Stewardship Council (FSC) depuis 2006, un label assurant une juste gestion et préservation des forêts, met également un point d’honneur à concevoir des produits à base de plastique recyclé. Parmi eux, le fauteuil Reef ou encore la chaise Zero, siègent comme dignes représentants. Cherchant depuis une quinzaine d’années à réduire ses déchets, la marque bénéficie par ailleurs de la certification ISO 14001, une norme sur la gestion des risques environnementaux prouvant ainsi la mise œuvre d’une démarche d’amélioration. Une continuité pour la marque qui cherche désormais à s’implanter au Moyen-Orient et aux Etats-Unis.

‍

Plus d'informations sur le site internet ici.

Le fabricant de mobilier Decotec, labellisé Entreprise du Patrimoine Vivant depuis 1974, est spécialisé dans la création de mobilier dont les collections sont toutes imaginées au sein de ses ateliers situés à Tuffé, dans la Sarthe. En 2022, l'entreprise lançait Decotec Studio, un service consacré aux projets spéciaux conçus par les professionnels de la décoration, qui met le design au cœur de son développement. Après des collaborations avec les artisans Véronique de Soultrait et Steaven Richard puis avec le studio Potente  & Masini sur le concept Voyage, Decotec Studio a présenté récemment une réalisation avec Cosentino, la collection Karma.

Signature, une collection entièrement modulable

Pour toujours plus de projets sur mesure proposés à ses clients, la collection Signature lancée par Decotec offre la possibilité de personnaliser son meuble au gré des envies. Taille, couleur, vasque à poser, modules à tiroir... tout est possible et ajustable, en ajustant également le choix des finitions parmi 25 laques mates ou brillantes et deux finitions bois proposées.

Une réédition pour la vasque Arôme

Lors de la Paris Design Week, Decotec a présenté au sein de son showroom parisien une réédition de la vasque sur pied Arôme en Solid Surface, un matériau haut de gamme connu pour sa solidité et ses qualités esthétiques. Pour cette réédition, la finition est faite en laque bicolore mate.

https://decotec.fr

Sous une verrière qui laisse entrer le soleil et la puissance de ses rayons, Frédéric Winkler a voulu aménager une maison, comme un club, pour afficionados, amateurs de design, de belles choses et de bons vins. Les fameuses lampes Gras s’éparpillent dans une architecture intérieure pensée par Valérie Mazera, (celle-là même qui a conçu le concept store Merci), autour d’un escalier spectaculaire en plâtre signé Sébastien Mauriac. L’affiche, dont l’esprit rappelle l’image du Bar sous le toit de Charlotte Perriand, Le Corbusier et Pierre Jeanneret, décline des couleurs sourdes. Mais l’univers de l’espace n’est que de blanc et beige avec des designers contemporains comme Thierry Dreyfus, Charles Kalpakian, Studio Briechet Ziegler, Philippe Nigro, Jean-Louis Fréchin, Yuji Okitsu, Dominique Perrault et Gaëlle Lauriot-Prévost dont les tubes ont conquis des espaces aussi prestigieux que le Château de Versailles ou La Poste de la rue du Louvre à Paris.

‍

‍

Un espace pragmatique

Le lieu est ouvert 7j/7 et 24h/24 aux architectes, ceux-là mêmes qui, entre leurs agendas minutés et leur clientèle haut de gamme, n’ont pas le temps de courir les showrooms ou les salons. Au Bar Électrique, ils auront tout le loisir de voir et tester la qualité des luminaires et de choisir les interrupteurs ou les coloris à la carte, avec gaines apparentes ou pas, coffrées ou pas.

‍

‍

L’esprit usine règne dans cet espace repris à un ancien fabricant de chaussures. Depuis 1976, MODELEC façonne la matière brute pour dynamiser forme, fonction et finition avec un savoir-faire maîtrisé, de l’interrupteur à la gaine de protection. Une vraie cheminée en métal, une cuisine en travertin dont on peut ouvrir toutes les portes, un salon chinois avec tapis multicouche, une salle de bains, des jeux de backgammon qui font écho aux luminaires V-V-V du studio néerlandais Vantot sur les murs, en font le lieu idéal pour des visites tardives (ou matinales), grâce une simple carte nominative (à demander à DCWÉditions), avec code d’accès personnel, pour venir travailler ses plans d’aménagement, autour d’un verre ou d’un café, patiemment passé dans une cafetière Alessi de Richard Sapper. (Le grand public peut quant à lui venir du lundi au vendredi de 9h30 à 18h.)

‍

‍

Entre sol bétonné, poutres en bois apparentes et peintures lumineuses de Pierre Bonnefille, cette caverne d’Ali Baba qui n’a rien de la caverne de Platon, met en situation les luminaires de DCWÉditions et les interrupteurs et prises Modelec pour le plaisir des yeux. Un autre plaisir : celui de voir une collection d’objets chinés, d’anciens rouets au jukebox des années 60, des fauteuils Artifort aux enseignes commerciales émaillées. Rendez-vous là-bas pour chaîner passé, présent et futur et admirer les dernières éditions Pi, Iota et Tau, trois lampes à poser de Clément Cauvet en béton et acier plaqué laiton. Un passage obligé.

Un espace continu et fluide, sans murs et une esthétique claire et accueillante, telles étaient les intentions du projet de la Villa L. « Vivre un lieu résidentiel est un sujet très privé et représente quelque chose de particulier pour chacun. Aussi fallait-il prendre en compte le cahier des charges, tout en suivant le cap d’un projet précis, même si l’incertitude pendant le processus de conception est assez fréquente » détaille l’architecte d’intérieur Alexander Fehre.

Le confort et la simplicité avant tout

Première étape, en supprimant les murs et toute idée de portes ou de cloisons, les pièces s’enchainent les unes avec les autres naturellement. Les fenêtres ont été agrandies, doublées de voilages blanc aériens qui accentuent la luminosité tandis que la terrasse largement ouverte a été aménagée dans le prolongement du séjour et la chape du sol déposée pour l’installation d’un chauffage. Deuxième étape, un bloc de rangement multifonctions XXL décrivant un L redéfinit la pièce principale comme élément architectural central. Les courbes douces accompagnent le mouvement de cette transformation, alors que le volume toute hauteur dissimule l’utilitaire accessible derrière un habillage vertical de lattes de chêne scandinave, qui rythme et unifie l’espace.

‍

Dans le séjour, le poêle à bois, élément fort de la rénovation, s’ajoute au confort du chauffage par le sol, ce qui évite les radiateurs muraux. Ainsi débarrassé d’éléments structurels auxquels on a apporté des solutions, l’espace est appréhendé plus aisément en harmonie avec le mode de vie des propriétaires « Le projet a avancé dans la confiance réciproque avec nos clients et grâce à cette approche globale, nous avons mieux cerné la réponse émotionnelle qu’ils souhaitaient. » explique l’architecte.

‍

Un lieu de partage avec les enfants

Outre l’absence de murs intérieurs et de portes, que seul perturbe une discrète cloison en verre pour le sas d’entrée, les propriétaires n’ont pas suivi le schéma d’une implantation classique, en faisant l’impasse sur les archétypes du salon : canapé, lampadaire ou téléviseur. La Villa L est un espace à vivre, partagé équitablement entre parents et enfants leurs activités et besoins de mobilité. Les murs peints en blanc, le bois de chêne huilé, quelques touches de couleur dans les niches sont autant de matériaux choisis parce que vecteurs d’un design calme. A l’image de l’ensemble de la maison rénovée, la cuisine a été imaginée comme un lieu de rencontre intergénérationnel sans perdre son lien avec l’extérieur, associant le bien-être et l’esthétique. Une pierre monobloc en ilot d’une grande sobriété intègre la plaque de cuisson, des rangements invisibles et fait face à l’équipement de l’électroménager regroupé méticuleusement rangé dans une niche peinte en vert: l’évier et le four encastré dans le panneau de bois, le micro-onde, la machine à café. Une ouverture discrète s’immisce dans l’agencement en tant qu’élément de design, équipée d’étagères en verre coloré qui livrent leurs effets avec la lumière.

‍

Les enfants ont leurs territoires identifiés pour s’isoler ou lire, au creux des banquettes intégrées sur mesure dans les fenêtres et dans l’élément central à l’image d’une cabane. Mais ils ont aussi leur salon dédié, à l’extrémité de la pièce :  avec un toboggan, une niche pour s’asseoir, une structure qui permet des espaces de jeu créatifs et une bibliothèque. En supprimant le toboggan et quelques marches, l’espace évolue pour s’adapter aux besoins changeants à chaque âge des enfants.

Fondée par Franco Stefani en 2001, Laminam est une entreprise spécialisée dans le revêtement de sols, muraux et façades en céramique qui s’est ensuite tourné vers le marché de la cuisine et autres espaces de vie à partir de 2015 en proposant des plans de travail horizontaux, dessus de tables, compléments d’ameublement et salles de bains. Plus tard en 2020, l’entreprise a confirmé son implantation française en installant une filiale dédiée, s’ajoutant ainsi aux filiales existantes (Canada, Italie, Royaume-Uni, Etats-Unis, Russie, Pologne, Espagne, Allemagne, Israël, Chine, Japon et Australie).

‍

Que représente le contract chez Laminam ?

Le marché du contract représente environ 25 % de notre chiffre d’affaire, qui avoisinait les 2 millions d’euros en septembre, avec une progression de 6 %.

‍

Qu’est-ce qui fait sa force aujourd’hui selon vous ?

L’entreprise s’est d’abord fait connaître auprès des négoces et des prescripteurs avant de s’attaquer au marché de la cuisine il y a 8 ans. Nous touchons différents types d’applications : plan de travail, revêtement de sol et mural, tables, les portes pour les espaces intérieurs, mais aussi les terrasses, les piscines ou les façades extérieures. Grâce à notre diversité d’épaisseurs (3mm, 5mm, 12mm et 20mm), nous pouvons toucher différents marchés et nous adapter à de grands formats puisque nous possédons des certifications pour les lieux publics.

‍

Quelles sont les principales évolutions que vous avez-vous pu constater dans le secteur et plus spécialement pour l’entreprise ?

Le secteur de l’immobilier et particulièrement le neuf fait beaucoup parler de lui en ce moment et peut créer des tensions pour l’année à venir. Le point positif pour Laminam est que nous intervenons essentiellement en rénovation, il n’y a donc pas de répercussion pour nous à ce stade. De plus, du fait de notre arrivée récente sur le marché, nous grandissons tout en nous adaptant et cette flexibilité nous permet de mieux nous préparer et ainsi rester concurrentiel. En raison de la diversité d’applications de nos produits, pour les lieux privés mais aussi publics, de plus en plus d’opportunités s’offrent à nous, grâce à nos certifications sol et façades notamment.

‍

Quels sont vos prochains objectifs ?

Nous allons développer notre équipe de prescripteurs dans un premier temps. Ensuite, nous pourrons nous ouvrir à des pistes de diversification sur lesquelles nous avons déjà fait quelques tests qui semblent payants jusqu’ici. En parallèle, le secteur de l’hôtellerie nous ouvre les bras, ce qui constitue une nouvelle demande à laquelle il va falloir répondre.

‍

Plus d'informations à retrouver sur le site.

On connaît de cet autodidacte virtuose, son mobilier aux formes élégantes ou ses sculptures parfois monumentales, inspirés de la nature du comté de Cork, au Sud-Est de l’Irlande. Mais l’enfant du pays Joseph Walsh nourrit une vision globale du design, en agrégeant, autour de lui, une pépinière de talents. « Même si j’aspire à créer, en premier lieu, des objets de haute-facture, j’aime réunir des experts de toutes disciplines à Cork, au sein de mes ateliers. Dès mes vingt ans, j’ai visité nombre d’artisans, en Angleterre et ailleurs. A Vérone, où j’ai travaillé dans une église, j’ai ressenti un immense respect pour cette filière. Et au fur et à mesure du développement de mon studio, j’ai constaté l’immense bénéfice du savoir-faire et des conseils pluriels insufflés à mes équipes, par l’ébéniste irlandais Robert Ingham. Tout ceci fit me poussa naturellement à mettre en place Making In, journée de rencontres entre créateurs de tous horizons, afin de partager des savoirs, des expériences autour de thèmes comme le temps ou, comme cette année, la collaboration. »

‍

Comment œuvrer ensemble avec un objectif commun ? Quels sont les impacts des nouvelles technologies sur le travail partagé ? En septembre dernier, « Making In Concert/2023 » a réuni plus de dix talents internationaux pour, entre autres, y répondre. Parmi eux, un grand chef, un musicien, une famille de fondeurs de cloches, un luthier, un jeune chef d’orchestre, des artistes, architectes, ou encore une conservatrice de musée. Un moment de partage qualitatif, véritable écosystème d’expertises transversales ayant attiré 400 visiteurs, dans ses ateliers nichés au cœur d’un domaine de plus de cent hectares.

‍

Une première exposition à Paris

Dans le prolongement de cette dynamique, Joseph Walsh expose pour la première fois, et ce durant la semaine de l’art et du design à Paris, un fleuron de son corpus couvrant deux décennies de recherches, dans un hôtel particulier du VIIème arrondissement. Dans cet écrin, des assises de la série Enigmum, dont un banc déjà acquis par le Musée national des Arts Décoratifs de Paris, quelques chaises en bois teinté de sa série la plus récent Gestures , ou encore une table monumentale de la série Lumenoria illustrent son aptitude à transcender le bois de frêne, grâce au lamellé-collé, sa technique-signature. Amélioré par ses soins, ce procédé consiste à superposer jusqu’à cinquante lames de frêne collées les unes sur les autres, sur lesquelles il va exercer quelques points de pression, pour des pièces dont il va ensuite sculpter et polir les volutes élancées. « Le bois dicte la forme », aime-t-il dire…

‍

Avec trois designers-architectes et dix-huit ébénistes dont trois Japonais, le fringant quadragénaire travaille sans relâche les courbes et les lignes, tout en y associant, de temps à autre, du cuir, du marbre ou de la résine. Proactif, rassembleur, sans cesse sur la brèche de nouveaux procédés exaspérant le bois, Joseph Walsh trace sa route jalonnée de rencontres fertiles et de commandes prestigieuses. « À l’avenir, j’aimerais aussi renouveler, chaque année, cette exposition à Paris », confie-t-il. À bon entendeur…

« Nous nous sommes beaucoup amusés à imaginer une maison à partir des collections du musée. Une maison où les époques cohabitent, comme chez soi au fond, expliquent les commissaires de l’exposition. Cela nous offrait la possibilité de montrer autre chose que les pièces qui sont sans cesse exposées. Un design moins connu, plus anonyme et qui raconte cependant une histoire tout aussi précieuse et riche. Une histoire matérielle, des formes, des techniques, des usages, sociologique aussi. » Dans le salon, un téléviseur Téléavia aux allures de fusée racontent comment le foyer s’est réorganisé sans la cheminée, tandis que la cuisine, pièce traitée comme le laboratoire de la ménagère dès les années 1920, équipée de machines de préparation complexes (une collection d’objet d’électtoménager s’étale presque comme sur une table d’autopsie), s’est progressivement rouverte, remeublée et colorée.

‍

‍

‍

L’histoire est traitée avec humour aussi, à l’instar d’une petite vitrine consacrée au poil (de barbe, de patte, de tête, etc.) dans le diorama (échelle un, et sonorisé) consacré à la salle de bains. Ou encore, dans la chambre, ce vibromasseur Calor pour les pieds, dont les commissaires nous apprennent que la notice évoque d’autres usages, négligemment posé près d’un lit monocoque en plastique Prisunic (Marc Held, 1968). Une manière de rappeler aussi que design, c’est vivant. Même au musée !

Présente dans 182 pays, Antolini compte plus de de 1 300 types de pierre dans ses références, dont 85 pierres exclusives. L’entreprise propose des revêtements en pierre naturelle adaptées à différents espaces. Mais plus que la connaissance du matériau, c’est aussi le développement de technologies qui anime la marque.

‍

‍

Azerocare et Azerocare® Plus, procédés de traitement innovant

A la recherche constante de progrès, en termes de technologies et de design, l’entreprise n’hésite pas à faire appel à des procédés innovants pour offrir des matériaux toujours plus qualitatifs à ses clients. En ce sens, en 2016, Antolini a lancé le processus de protection Azerocare pour les surfaces avec finition Lux tandis que l’Azerocare® Plus a été développé pour les finitions Matt et Lether. Un système innovant qui permet de traiter les comptoirs de salle de bains ou de cuisine en marbre, onyx et quartzite doux en protégeant les surfaces des taches ou de la corrosion. Un traitement qui a différentes propriétés, notamment celle d’être anti-corrosive, anti-tache, hygiénique, fecile à nettoyer et surtout qui respecte l’environnement.

‍

Dans votre activité, que représente le contract ?

Chez Roche Bobois, la démarche Contract s’articule autour de 3 offres. D’une part, nos collections sont adaptées à un usage professionnel. D’autre part, nous éditions du mobilier en marque blanche à partir des dessins transmis par nos clients. Enfin, nous réalisons des projets d’agencement dans le cadre de la réalisation complète d’un hôtel notamment. Actuellement, nous terminons l’installation de plusieurs établissements hôteliers à Paris, tels que l’hôtel Astra en collaboration avec l’architecte Philippe Maidenberg, le Boudoir des muses en collaboration avec Michael Malapert et enfin l’hôtel ’’L’’ de Lutèce avec Anne Peyroux.

‍

Qu’est-ce que le secteur apporte en plus à la marque ?

Roche Bobois a développé une forte présence physique en France et notre activité contract est, non seulement une nouvelle source de revenus, mais également une nouvelle expression de la marque et de son expertise dans le domaine de l’édition d’ameublement.

‍

Quelles évolutions avez-vous pu constater ?

Les propriétaires hôteliers comprennent la nécessité d’avoir un établissement avec une identité forte pour se différencier de la concurrence. Le design est donc devenu une préoccupation première. De même, ils sont nombreux à venir nous consulter pour être certains que le choix du mobilier et l’agencement de leurs espaces soient bien pensés.

‍

Quels sont les prochains défis à relever pour Roche Bobois ?

Le challenge premier reste celui de conseiller et convaincre au mieux nos clients professionnels afin d’éviter tout raccourci sur la conception, l’esthétique et sur la qualité du produit fini. Il faut travailler main dans la main pour arriver ensemble à réaliser les bons arbitrages. Il y a une réelle fierté partagée par nos équipes à travailler sur ces lieux qui deviennent des adresses marquant notre quotidien.

‍

Plus d'informations ici.

L’aventure NOMA Editions commence en 2019, avec un objectif clair : écoconcevoir son mobilier de A à Z. Depuis, l’éditeur certifié B-Corp compte de nombreuses collaborations avec des designers partageant les mêmes valeurs, à l’instar de Charlotte Juillard, le studio A+A Coreen, les Ateliers 2/2/4/ ou encore RDAI.

‍

‍

Une part importante de projets dédiés au contract

Avec 70% de leur projet dédié au contract, NOMA Editions aspire à faire évoluer le secteur sur les questions d’éco-conception, en faisant bouger les lignes, tel qu’en témoigne Bruce Ribay : « Notre objectif premier est de montrer qu’il est possible de produire en France du mobilier désirable, durable et écoresponsable, tout en ayant le confort et une esthétique forte. » Plus que de faire changer les idées reçues, il faut aussi prendre en compte l’aspect économique, qui peut être une problématique. « Dans une conjoncture économique compliquée, c’est un vrai challenge de convaincre les donneurs d’ordre d’investir dans du mobilier écoresponsable. Notre rôle est de les aider à avoir la bonne grille de lecture pour bien choisir et ainsi mieux consommer » continue Bruce. Pour les Jeux Olympiques de Paris 2024, la marque a par ailleurs équipé le siège de l’organisation avec le fauteuil LAIME 42 de Charlotte Juillard. Pour le CEO de la marque de Joaillerie et Haute Joaillerie Chaumet en 2022, plusieurs produits ont été sélectionnés : la table Nii des Ateliers 2/3/4/, les chaises SEN 95,6, du studio A+A Cooren et le Fauteuil ART 77,5 imaginé par Charlotte Juillard.

‍

‍

LIFe, un collectif pour plus durabilité

Crée en 2023, LIFe – Low Impact Furniture -, est un collectif d’éditeurs et de fabricants français qui œuvre pour un mobilier plus durable, plus respectueux de l’environnement et de l’humain. Celui-ci se compose de sept membres : Furniture For Good, Kataba, Dizy, Maximum, Api’up, Stüdio Emmaüs et NOMA. « Nous partageons le même engagement qui s’appuie sur l’éco-conception et l’économie circulaire avec l’utilisation de matières recyclées, réemployées et surcyclées. » explique Bruce. Un projet né à la suite de l’appel d’offres gagné il y a 3 ans pour le siège des Jeux Olympiques de Paris 2024. Depuis, ils répondent ensemble à des appels d’offres, bien qu’ils restent tous toujours indépendants dans leur activité respective. « Il est évident la demande de mobilier écoresponsable est plus importante. Tous les appels d’offres demandent aujourd’hui un mobilier avec une démarche d’écoconception et une production locale. Pour autant, la demande reste encore trop faible » conclut finalement Bruce Ribay.

Depuis sa création en 1999 par la Fondation Bettencourt-Schueller, le prix Liliane Bettencourt pour l’Intelligence de la main récompense des créateurs avec un savoir-faire, innovant dans le domaine des métiers d’art. Devenu à la fois une référence et un label d’excellence, le prix offre, en plus du titre honorifique, un accompagnement financier et une stratégie pour les lauréats primés afin qu’ils puissent approfondir un projet.

Cette année encore, l’excellence et la minutie des projets présentés étaient à la hauteur des prix décernés. Sous la présidence de Laurence Des Cars, les lauréats de cette promotion 2023 sont : Pascal Oudet, le duo composé par Aurélia Leblanc & Lucile Viaud ainsi que l’association Lainamac. Lors de son discours, Rima Abdul-Malak a rappelé l’importance de « célébrer la richesse et la diversité des métiers d’art ». Elle n’a pas manqué de souligner son engagement en faveur des métiers d’art, dont elle a fait une priorité de mandat, en mettant l’accent sur la stratégie en faveur des métiers d’art, mise en place en collaboration avec Olivia Grégoire, ministre déléguée chargée des PME, du Commerce, de l’Artisanat et du Tourisme. Elle soulignait également que l’année 2024 célèbrera les 25 ans du prix, dont les candidatures sont d’ores et déjà ouvertes aux candidats, jusqu’au 11 mars 2024, via ce lien.

‍

Pascal Oudet, lauréat prix « Talents d’exception »

Avec « Laissez entrer le soleil », le tourneur sur bois Pascal Oudet signe une de ses œuvres des plus abouties, mêlant la démarche artistique à un savoir-faire d’exception. Après huit tentatives et trois finales sans prix, le travail minutieux et sans relâche du tourneur sur bois basé en Bourgogne a fini par payer. Son œuvre a nécessité 12h de travail non-stop pour arriver à un tel résultat « si je m’arrête, le bois continue de travailler sans moi, c’est pourquoi je dois l’accompagner jusqu’au bout » expliquait-il au moment de recevoir son prix. Avec cette œuvre, Paul Oudet souhaitait dévoiler l’histoire intime de ce chêne vieux de 70 ans, en mettant en lumière ses cernes qui révèlent les étapes de sa croissance et ses accidents de vie, la qualité de son environnement et les conditions climatiques qui lui ont permis de s’épanouir.

‍

‍

Avec l’accompagnement apporté par la Fondation, Pascal Oudet aspire à travailler sur un arbre en entier, et non plus seulement des troncs coupés. Pour ce prix, Pascal Oudet obtient une dotation de 50 000 € et bénéficie d’un accompagnement allant jusqu’à 100 000 € pour réaliser un projet de développement.

‍

Aurélia Leblanc & Lucile Viaud, lauréats prix « Dialogues »

Respectivement tisserande et designer, Aurélia Leblanc et Lucile Viaud ont été récompensées par le prix Dialogues pour leur œuvre aussi technique que poétique, « Pêche cristalline ». Destinée à décorer la salle de restaurant du chef Nicolas Conraux, cette pièce témoigne du projet artistique et durable du duo qui a choisi de mettre son savoir-faire en commun, en unissant la recherche et l’artisanat pour créer un tissage inédit, composé à 50 % de verre et 50 % de fibres locales. Avec le verre marin Glaz, fabriqué à partir de coquilles d’ormeaux et de micro-algues, les matériaux sont ensuite mis en fusion, puis travaillés à chaud pour former des baguettes de verre. Une à une, chaque baguette est réchauffée jusqu’à obtenir une « goutte », qui sera étirée à la main puis enroulée sur un tambour mécanique. « Ce n’est pas tant le geste qui est compliqué, c’est l’équilibre entre le verre et le tissu » expliquait notamment Aurélia Leblanc. Aussi inédite que spectaculaire, cette œuvre porte une réelle puissance esthétique mais constitue aussi une prouesse technique qui ouvre de nouveaux champs dans la fabrication et l’application du verre.

‍

‍

Avec ce prix, Aurélia Leblanc et Lucile Viaud souhaitent développer des outils de production plus adaptés, notamment un métier dédié exclusivement au tissage de verre. Elles espèrent également pouvoir arriver à un tissage composé à 100 % de verre et se développer sur tout le territoire. Elles obtiennent une dotation de 50 000 € à partager, en plus de l’accompagnement pouvant aller jusqu’à 150 000 € pour le déploiement d’un prototype ou de l’objet afin d’en approfondir l’expérimentation, la recherche et l’innovation.

‍

Association fillière laine française Lainamac, prix « Parcours »

C’est en prenant conscience de la richesse de la laine et de la qualité des sociétés textiles limousines, qu’un groupement d’entreprises et acteurs du territoire décide de fonder l’association Lainamac en 2009. Sa mission : revitaliser la filière, alors en déclin, et lui permettre de retrouver son rayonnement créatif. Aujourd’hui, l’association fédère un réseau de 80 entreprises et dispose, depuis 2012, d’un organisme de formation pour pérenniser et transmettre les savoir-faire de la laine à travers le déploiment d’un cursus très complet (transformation de la laine, teinture naturelle, feutre, maille, filage, tissage, ameublement…), destiné aux entreprises souhaitant développer leur production mais aussi à des personnes en reconversion professionnelle. La structure propose également des ateliers partagés, des moments d’échanges avec des designers et étudiants d’écoles d’art ainsi que des temps de sensibilisation à travers l’organisation de stages pour les jeunes générations et un accueil du grand public.

‍

‍

L’accompagnement de la Fondation permettra à l’association de passer un nouveau cap pour l’ensemble de ses projets, en recrutant notamment un designer pour aider à structurer des offres de services personnalisées à destination des entreprises adhérentes à l’association, en créant une offre de résidence d’artistes au sein de ses ateliers partagés et en continuant de développer le projet « Oh my Laine », lancé lors de la Paris Design Week en 2019, par la multiplication d’événements destinés aux prescripteurs et acteurs clés du marché. Avec ce prix, Lainamac bénéficie de 50 000 € ainsi qu’un accompagnement jusqu’à 100 000 € pour réaliser un projet destiné à faire rayonner l’univers des métiers d’art.

Vous participez à la première édition d’Esprit Contract, que représente ce secteur dans votre activité aujourd’hui ?

Nous devrions terminer cette année 2023 avec environ 11 % de nos ventes dédiées à ce marché, soit une croissance de plus de 30% sur ce segment.

‍

Comment expliquez-vous cette croissance ?

Nous proposons un ensemble de produits et de solutions parfaitement adaptées aux besoins de ce segment de marché, que ce soit en Silestone, en Dekton, ou avec nos granits Sensa, notre gamme de lavabos et plans vasques, receveurs de douches, revêtements de mobilier pour l’intérieur et l’extérieur, comptoirs de bars, banques d’accueil, tables de restaurant, plans de travail de cuisines, sols et murs, jusqu’à l’habillage de la piscine. Une multitude d’applications pour un rendu aussi bien esthétique que robuste et durable.

‍

Quelles évolutions du secteur avez-vous constatées ?

On peut dire qu’il existe une véritable demande tournée vers la durabilité des produits, pas seulement dans la recherche de matériaux recyclables comme cela était le cas il y a encore quelques années, mais aussi et surtout des produits qui s’inscrivent dans une vraie démarche RSE.

‍

Comment justement Cosentino traduit un engagement écoresponsable ?

Nos labels et certifications (Cradle to Grave, Dekton Carbon Neutral, Greenguard, REACH, BREEAM, LEED), normes ISO (9001, 14001, 20400, 45001, 50001), ou autres fiches FDES sont la preuve écrite et certifiée de notre engagement dans cette démarche, et c’est ce que recherchent clairement nos interlocuteurs aujourd’hui. Ce sont de véritables atouts pour nos produits.

‍

Quels sont les challenges à venir pour vous dans le secteur du contract ?

Nous allons continuer de concentrer nos efforts sur cette activité, renouveler en permanence nos gammes, rechercher et innover, réduire encore et toujours notre empreinte carbone, et ce afin d’accompagner nos partenaires et clients dans la réalisation de leurs projets. Nous prévoyons également d’étendre notre modèle de Cosentino City Center, nos showrooms présentant toutes les applications possibles avec nos produits, avec 2 City supplémentaires en France dans les 2 ans à venir.

Depuis sa création il y a 12 ans, l’entreprise vosgienne fondée par Emmanuel Antonot et Greg Sand œuvre pour une ouverture de l’usage du vélo électrique, devenant depuis un acteur majeur du secteur. En 2022, l’entreprise enregistrait un chiffre d’affaires de 130 millions d’euros – contre 100 millions en 2021 – pour 62 000 vélos vendus. Fermement installés dans leur usine située à Thaon-les-Vosges (Vosges) depuis 2019, les Ateliers Moustache visent une production le plus made in France possible. Avec le J, le pari est quasi tenu. En effet, le nouveau modèle lancé en septembre a la particularité d’avoir un cadre divisé en deux parties, grâce à un procédé unique utilisant un moulage en coquille par gravité qui permet de réaliser un cadre rigide sans soudures. De plus, ce dernier a une fabrication 100 % made in France : il est coulé à Vitrolles (Bouches-du-Rhône), usiné dans le Jura et thermolaqué en Alsace. L’assemblage et le montage se font quant à eux au sein des ateliers Moustache, dans les Vosges.

‍

« Je ne suis pas un vélo mais un jour nouveau »

Un slogan conceptuel qui n’en reste pas moins parlant pour décrire le nouveau vélo des Ateliers Moustache. Après 3 ans de travail qui a impliqué le soutien d’une équipe de R&D partenaire ainsi que la création d’une filière, le J voit enfin le jour. Présenté en exclusivité en juin dernier lors du salon Euro Bike, le modèle avait fait l’unanimité et avait été récompensé par le Gold Euro Bike Award, le graal pour l’industrie du vélo.

‍

‍

Un modèle vitrine, condensé de divers savoir-faire. « Ce projet est la suite logique de ce que nous avons lancé il y a 12 ans » témoignait notamment Greg lors de la visite de l’usine en juillet. L’objectif était simple : lever toutes les barrières de création en proposant un modèle avec un design nouveau en intégrant également de nouvelles techniques de fabrication.

De fait, il évolue sur cinq aspects :

• L’architecture : le vélo est doté d’un bras arrière unifié, le rendant ainsi plus rigide et optimal
• La durabilité : l’intégration de la peinture poudre la rend ainsi plus résistante et donc plus durable dans le temps
• La fonctionnalité : la forme du cadre et la potence réglable offre un meilleur confort à l’utilisateur
• La connectivité : la batterie de l’appareil reste toujours chez Bosch, mais intègre le smart system lancé par la marque il y a un an. Celui-ci offre de nouvelles fonctionnalités en termes de guidage, de navigation à travers l’usinage de son application Flow.
• La sécurité : pour lutter contre le vol, Bosch a développé le BCM (Bosch Connect Module), un appareil fonctionnant comme un tracker et permettant ainsi de localiser le vélo grâce à une application. Aussi, Moustache pose un marquage inviolable et unique sur chacun de ses modèles. Une sorte de carte grise du vélo, au nom de l’utilisateur.

‍

‍

Une importance donnée au design

« Sur un vélo la structure est visible donc l’esthétique est importante » confiait Emmanuel sur l’importance apportée au design de leurs modèles. Depuis le lancement de l’entreprise, il dessine la plupart des modèles, en collaboration avec 3 designers et d’un graphiste internes. « Le premier vélo n’était pas beau. Pour qu’un modèle soit acceptable, il faut qu’il donne envie. Nous devons dessiner des modèles qui vont plus loin que le trait et imaginer des designs propres avec des fonctionnalités spécifiques » avait-il ajouté. En 2012, leur travail avait notamment retenu l’attention de Philippe Starck qui a accepté de collaborer sur une gamme, sortie en 2014.

C’est en se basant sur un des principes du campus, celui du réemploi de matériaux usagés, et en s’inspirant des expositions « les Aliénés » organisées par le Mobilier National, que Campus MaNa propose cet atelier de 12 jours. « Les Aliénés » a ouvert le champ des possibles à des créateurs contemporains en leur proposant de réinterpréter du mobilier stocké depuis trop longtemps dans ce haut lieu du patrimoine national, une manière de porter un nouveau regard sur des meubles historiques tombés pour certains dans l’oubli.

‍

L’idée de Thomas Dariel est de soumettre des pièces de mobilier aux intervenants qui les dissèqueront afin de mieux les métamorphoser. Les participants devront démonter entièrement et remonter autrement le mobilier proposé de manière à en changer sa fonction. Durant ce workshop, l’atelier métal sera investi, avec une initiation aux techniques de base de la métallerie pour faciliter les assemblages des éléments. De l’armoire au guéridon, en passant par la table ou l’assise, chaque typologie devra raconter une nouvelle histoire…

‍

Durée et modalité d’organisation

Public visé : Autodidacte ou diplômé de la discipline, justifiant d’une expérience qui est évaluée lors du processus d’admission

Prérequis : Étape 1 : envoi d’un portfolio et d’un cv
Étape 2 : validation de la candidature par le jury d’admission qui s’assure de l’adéquation entre le profil et les exigences de la formation

Dates : Du 06/11/2023 au 17/11/2023

Durée : 12 jours

Horaires : 9h-13h — 14h-18h

Taille du groupe : 15 participants maximum

Architecture, design, retail, digital… depuis sa création, tu présentes avant tout ton agence comme un studio de création multidisciplinaire. Cette porosité des disciplines est-elle pour toi un reflet des transformations de la société, et de la façon dont ainsi évoluent les programmes des projets architecturaux aujourd’hui ?

Nous sommes profondément au cœur d’hybridations qui redéfinissent notre vie quotidienne, ne serait-ce que par l’observation de deux phénomènes, à la fois distincts et convergents. Le premier touche notre gestion du temps : nous ne séparons plus nos modes de vie en tranches différenciées, mais nous les combinons dans le même espace-temps. C’est, en partie, le résultat de la convergence des outils, aujourd’hui évidente : les objets sont devenus multiples, hybrides, multifonction. Nous gardons quasiment toute notre vie dans un smartphone, qui est  la conjugaison de nos objets antérieurs tout en nourrissant plus de fonctions : agenda, appareil photo, GPS courrier… Et, au-delà, nos contacts et notre vie sociale.  

‍

Qu’est-ce que cette observation suggère au designer et architecte que tu es ?

Ce constat est justement challengeant pour nos professions : cette concentration des usages dans des objets a une influence sur la vie quotidienne, elle remet en question notre appréhension de l’espace, de nos espaces. Cela repose la question de nos maisons, de nos écoles, de nos lieux de travail, de nos lieux de transaction… Et ces multiples espaces possibles redéfinissent notre rapport au temps : par exemple si notre réfrigérateur commande le réassort de ce dont on a besoin, notre action s’apparente à un rôle de modération, et nous libère du temps.  Et il s’agit d’inventer la façon d’occuper de manière qualitative cet espace temps qui s’ouvre à nous. Nous apprenons à naviguer au quotidien entre un monde purement digital – voire le metaverse –, et le monde réel. Aujourd’hui les nouvelles générations sont tendues entre ces deux espaces temps.

‍

‍

Comment cette évolution se traduit-elle dans les projets actuels de retail et d’hospitality ?

Ces transformations de nos rapports au temps et à l’espace bouleversent les codes du retail, en repositionnant le rapport aux clients sur l’expérience. Le confinement a accéléré cette prise de conscience, montrant de façon criante que, dans le monde de l’essentiel, nous avons oscillé entre le petit magasin de proximité ou Internet, où le retail fonctionnait très bien. La récente transformation du flagship de Dior avenue Montaigne témoigne ainsi des évolutions en cours : on est  passé d’un lieu où l’on vend des produits d’exception d’une marque à un lieu où l’on vend des produits d’exception d’une marque dans un art de vivre nourri par la marque ! L’offre est élargie à des services qui tournent autour du produit. Pour pousser plus loin le trait, cet exemple illustre combien le retail est en train de se définir autour d’un retail de convenances, proposé par le digital, et un retail d’expérience, partagé avec des gens réels, dans un temps et un espace qui offrent une convergence des usages et des temporalités.  

À l’image du smartphone qui a donc gagné la bataille de convergences des objets personnels,  si on transpose à terme cette « bataille de convergences » et cette porosité des espaces-temps, dans un lieu physique, d’expériences, qui soit une destination possible 7 jours sur 7, un lieu de vie ouvert 24h sur 24… le lieu de la convergence est par essence l’hôtel : un hôtel augmenté, hybridé, à l’opposé d’un espace virtuel.  Il offre une possibilité de temps séquencé dans un même lieu.

Autrement dit, l’hôtel serait l’espace retail de demain ?

L’hôtel va encapsuler cette convergence de nos usages quotidiens. Demain, ce sera un lieu pluriel de transactions. Au-delà du produit physique, on y achètera aussi un service, du temps qualitatif par une expérience culturelle, sociale. Cet espace-temps enrichira nos échanges avec une ou plusieurs communautés que l’on y croisera et qui correspondent à ce que nous sommes, à l’image de notre usage actuel des réseaux sociaux.

Nous rechercherons dans ces lieux une expérience plus large :  je peux décider d’y «consommer » un seul sujet, mais je peux aussi aller au-delà, partir avec un objet qui rejoindra un cabinet de curiosités ou parce que j’aurais appris à l’utiliser de la meilleure manière. Parce que ce lieu sera par exemple pensé comme un curateur : quel meilleur endroit qu’un restaurant pour acheter un couteau qui coupe la  viande ? c’est une une idée de venir dans un lieu de services, et de repartir avec un produit. Mais ce que je trouve particulièrement intéressant va bien au-delà des produits ou objets : comme nous vivons des histoires qui nous rassemblent, si j’adhère aux valeurs du lieu, je vais adhérer aux choses immatérielles qui vont les illustrer, les encapsuler, et notamment y rencontrer des semblables, et me trouver une communauté qui partagera les mêmes affinités. L’hôtel peut offrir toutes ces interactions humaines, ces expériences à vivre.