From September 18 to 30, the seventh edition of France Design Week will take place across the country with a program driven by design professionals. Centered on the theme "D for Design, D for Defi" (Challenge), this new edition aims to highlight the role of design in addressing environmental, social, industrial, and technological transitions. Coordinated by the APCI (Agency for the Promotion of Design), France Design Week continues its mission to unite the entire French design ecosystem around a shared highlight. Exhibitions, conferences, studio tours, open houses, workshops, and networking events will fill two weeks of programming across the country. Following a 2025 edition that brought together over 322,000 visitors for 700 events, the festival aims to scale up for this seventh edition.

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A patron in tune with the theme

This year, the APCI has chosen industrial designer Ionna Vautrin as its patron. A graduate of ENSCI – Les Ateliers, the designer has made a name for herself through a practice attentive to user needs, developed for industry, public facilities, and heritage projects alike—from TGV train lighting to the liturgical furniture of Notre-Dame de Paris, as featured in issue 218 of Intramuros. Her career path resonates with the annual theme, "D for Design, D for Defi" (Challenge), and invites designers, agencies, schools, companies, institutions, and local authorities to present projects that address contemporary issues. These include ecological transition, inclusion, health, and education, as well as topics frequently brought to the table, such as an aging population and artificial intelligence. "The way people view design is often biased. Behind design, there is a community of people who think and conceive solutions in very different fields," the designer emphasizes.

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A national event that asserts the importance of design

France Design Week was born in the wake of the 2019 National Design Conference and has gradually established itself as the sector's primary unifying event. For the third consecutive year, the event is held under the High Patronage of the President of the Republic. In his editorial, Emmanuel Thouan, President of the APCI, notes that this recognition should primarily serve as an opportunity to reaffirm the role of design in public policy and organizational transformation strategies. According to him, design is now a strategic skill capable of supporting economic, industrial, social, and democratic changes.

The national launch will take place on September 18 in Paris, with a program organized in conjunction with Paris Design Week, including a visit to Notre-Dame de Paris and the presentation of the France Design Impact Award. The closing ceremony will be held on September 30 in Saint-Étienne, at the new National Design Gallery inaugurated this year, where the results of this edition and the festival's future prospects will be presented. In the meantime, here is a sample of events we have selected for you:

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Auvergne-Rhône-Alpes - Saint Martin d’Hères

Exhibition: Design facing the challenge of ecological and social transitions

At a time when ecological and social issues are redefining our lifestyles, how can design help imagine concrete and sustainable solutions? Through this exhibition and discussion event, the UGA Design Factory unveils the projects, methods, and experiments it is deploying in the Grenoble area to support these transitions. Combining a conference with a guided tour, the public will discover how design, research, and local action contribute to supporting ecological and social transitions.

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Bourgogne-Franche-Comté - Chalon-sur-Saône

Workshop: HEALTH: Caring for the patient experience in 2040

What might the patient experience look like in 2040 in a hospital where artificial intelligence is omnipresent? Through this workshop, participants are invited to explore possible futures for healthcare by embodying different stakeholders in the health system. Between technological innovation, ethical issues, and human relationships, the discussions will question the role of AI in patient care and identify what must remain deeply human in the care experience, despite the changes to come.

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Brittany - Brest

Flexible Territories — Textile design in Brittany

At the crossroads of design, art, and craftsmanship, the "Flexible Territories" exhibition explores the connections between materials, expertise, and the Breton region. Through collective textile works created from local resources, it reveals a sensitive map of Brittany, shaped by gestures, landscapes, and encounters. Monumental felting, documentary video, and collaborative weaving bear witness to an approach where creation, knowledge transfer, and regional roots are woven together.

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Centre-Val de Loire - Tours

Training: DESIGN & CCI: How to get started as an entrepreneur?

Do you want to turn a creative idea into an entrepreneurial project? This webinar offers students, recent graduates, and project leaders the chance to discover the first steps toward starting a business in the cultural and creative industries. In 90 minutes, participants will explore the challenges, opportunities, and key resources needed to structure their business and bring their professional ambitions in the design sector to life.

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Grand Est - Meisenthal

Exhibition: IMPRESSION

Through "Impression," Brazilian designers TomaziCabral explore a unique encounter between the tradition of vegetable fiber weaving and the glassmaking art of Meisenthal. Used as molds for glassblowing, the baskets sometimes burn away under the heat, leaving their patterns and textures imprinted in the material. Between experimentation, craftsmanship, and intercultural dialogue, the exhibition reveals the poetry of a process where disappearance becomes creation.

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Hauts-de-France - Lens

Conference: When a brand becomes a destination

Why do some brands become places that people want to visit, recommend, and remember? In this conference, Mariia Kulichkova explores the links between branding, hospitality, and experience to understand how a company can become a true destination. By blending the codes of design, tourism, and hospitality, this meeting examines the role of design in creating memorable experiences and enhancing the appeal of both brands and territories.

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Île-de-France - Saint-Denis

Workshop: R for... roots, records, relationships

How can design foster dialogue and strengthen social cohesion in a region so rich in diversity? Through a day of exchange, discovery, and collective creation, the Innovation Laboratory of the Seine-Saint-Denis Departmental Council invites the public to explore the links between identities, memories, and collective action. Featuring inspiring projects and a participatory graphic workshop, this event offers a chance to share perspectives and imagine new ways of living together as a society.

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Reunion Island - Étang-Salé

Conference: When design moves the city

Discover how public space planning becomes a tool for inclusion, attractiveness, and revitalization through active design. Over the course of a morning, the 5 key principles of active design will be explored through concrete examples identified on the island. Active design challenges us to get every city and the entire island moving.

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Martinique

Conference: Why circular design?

Faced with environmental challenges and resource scarcity, circular design has become an essential approach. This conference explores its principles, practical applications, and the opportunities it offers organizations. Join us to understand how design can help imagine more sustainable products, services, and systems by rethinking production, usage, and reuse cycles.

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Normandy - Rouen

Workshop: Design and its applications in education

How has design shaped the evolution of educational practices over time? Through an exclusive tour of its archives, the National Museum of Education invites the public to discover a selection of school furniture and objects from its collections. Dive into the history of design applied to learning and see how forms, uses, and educational spaces have evolved across generations.

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Nouvelle-Aquitaine - Saint-Maixent-l’École

Workshop: Challenge your comms: what if your materials were more effective?

What if a few simple adjustments could make your communication clearer, more consistent, and more effective? In this participatory workshop, merchants, artisans, freelancers, and business owners are invited to take a fresh look at their everyday communication materials. Business cards, flyers, quotes, storefronts, or websites will serve as a starting point to identify strengths, spot areas for improvement, and leave with practical tips to increase your impact with customers.

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Occitanie - Montpellier

Festivities: Orange Night

For one evening, the Musée Fabre invites the public to discover the "Design according to Pierre Paulin" exhibition in a festive and immersive setting. Guided tours, workshops, performances, and dance will highlight this Orange Night, designed as a friendly celebration of design. It’s a chance to experience the museum in a new way with family or friends and gain a fresh perspective on the work of one of France's greatest designers.

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Pays de la Loire - Le Mans

Workshop: Introduction to Risography and Graphic Design

How can you create graphic compositions that are structured, free, and original all at once? This introductory workshop on graphic design and risography invites participants to explore the composition grid—a fundamental layout tool—through an experimental and creative approach. In connection with Macula Nigra’s "The Yellow Grid" exhibition, everyone will have the opportunity to design and then print their own creations using risography, an artisanal technique known for its unique, vibrant results.

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Provence-Alpes-Côte d’Azur - Marseille

Lecture: Who designs the machines that shape us?

Who decides the form of the technologies that influence our daily behavior? In this lecture, Anthony Masure offers a critical reflection on artificial intelligence systems and the logic guiding their design. By exploring their impact on our habits, attention, and relationships, he will demonstrate how design can serve as a tool for analysis and action to imagine digital environments that are more conscious, responsible, and human-centered.

Fondé au printemps 2011 par les Belges Fien Muller et Hannes van Severen, le studio éponyme était cette année présent dans la capitale danoise à l'occasion des 3daysofdesign. Fort de quatre collaborations avec les marques BD Barcelona, valerie_objects, Hay et Blēo, les deux créateurs ont dévoilé six collections. Un corpus de projets diversifiés destinés majoritairement à l'intérieur, mais unis par le goût du studio pour la couleur et la simplicité des lignes.

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BD Barcelona x OFFICE KGDVS : une première collection en bois

Imaginée pour BD Barcelona et réalisée en collaboration avec OFFICE Kersten Geers David Van Severe, Rasters est une collection d'armoires et de paravents modulaires. Initialement imaginé en métal, sur une grille industrielle pouvant servir de base structurelle, le rangement a été décliné par le studio dans une version plus naturelle. Conservant la trame centrale dans l'esthétique du projet, les designers ont travaillé des panneaux de MDF plaqués en hêtre. Une première dans l'histoire du studio qui n'avait jusqu'alors jamais laissé l'aspect naturel du bois sur ses objets. Assortis de panneaux colorés en acier thermolaqué. Les meubles peuvent être assemblés entre eux grâce à la présence de connecteurs en polyamide noir moulés par injection. De quoi créer de vastes ensembles et exploiter la diversité chromatique des étagères et des portes.

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HAY : une énième aventure

Avec déjà douze collaborations à leur actif, le studio belge et la marque danoise se réunissent une nouvelle fois et dévoilent The Perforated Cabinet. Jouant sur la linéarité des modules et la trame resserrée en acier thermolaquée perforé, cette collection joue sur la transparence du rangement. Également semie-transparente sur le dessus, chaque pièce évoque une boite secrète suscitant la curiosité. Disponible en version murale ou sur pied et en plusieurs tailles et coloris, le meuble convoque l'esprit industriel avec l'approche contemporaine et colorée de la marque.

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valerie_objects : réinventer l'existant

C'est une sorte de retour aux sources que le duo de designers opère en collaborant avec valerie_objects. Alors que les designers belges ont été parmi les premiers à travailler avec la marque, les voici de retour pour le dixième anniversaire de celle-ci. L'occasion pour eux de rééditer et de réinventer quelques-unes de leurs créations les plus connues. Parmi elles, la réédition des Hanging lamp sorties il y a une quinzaine d'années, et l'arrivée de la Standing lamp marble, un nouveau modèle au design tout aussi filaire posé sur un socle en marbre. Côté assises, le studio réédite également deux modèles existants, Rocking chair et Solo seat, dans deux versions extérieures. Quant à la Alu chair sortie en 2015 pour le pavillon du Bahreïn d’Anne Holtrop à l’Expo mondiale de Milan, elle est cette fois-ci déclinée dans une version tabouret sous le nom d'Alu stool. Un nouveau modèle inscrit dans la lignée de sa grande sœur, et développé en collaboration avec le Bjarke Ingels Group (BIG) pour le lounge bar du siège du studio.

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Blēo : une mosaïque de couleurs

Comme un petit pas de côté par rapport à l'univers du meuble, Fien Muller et Hannes Van Severen  ont collaboré avec la marque Blēo, pour l'élaboration d'une gamme de carreaux. Une première approche de la céramique pour la marque habituellement spécialisée dans la peinture. Connus pour leur usage expressif de la couleur, les créateurs belges ont imaginé une palette de 12 couleurs. Réalisé à la main à Fès au Maroc, chaque élément est recouvert d’un émail brillant attirant le regard à l'image des pièces du studio constamment ponctué de couleurs.

Fondée au Danemark en 1941 par Villum Kann Rasmussen, la marque Velux est aujourd’hui une référence inégalée du marché de la fenêtre de toit, à tel point que dans le langage courant, indiquer que l’on possède « un VELUX » est devenu chose commune. Aujourd’hui, la marque danoise bien ancrée dans son secteur, n’a plus besoin de prouver sa qualité et compte plus de 11 000 collaborateurs répartis dans 37 pays différents. Pour autant, l’ambition est aujourd’hui à l’engagement durable de la marque, qui peine à faire valoir ses actions au grand public. Pour tenter d’y remédier, le programme VELUX & Friends a été lancé dans le cadre d’événements culturels notamment, et permet de promouvoir les produits de la marque, mais pas seulement.

Une première opération remarquée à St-Lazare

Pour son premier événement VELUX & Friends lancé en novembre-décembre 2023, c’est sur le parvis de la Gare St-Lazare à Paris que la marque avait posé ses valises, ou plutôt ses planches. Au sein de sa « Maison de Noël », transformée en véritable pop-up store, les passants avaient la possibilité d’y découvrir des produits VELUX bien évidemment, mais également d’autres marques partenaires, telles que Smeg pour la partie électroménager, Kramer pour l’espace salle de bain ou encore les bougies Belaia côté accessoires.

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Une première participation au Festival We Love Green

Afin de faire valoir son engagement durable et attirer de nouveaux publics, VELUX a participé pour la première fois au Festival We Love Green, organisé du 31 mai au 2 juin derniers, et notamment connu pour son engagement environnemental. Pour y participer, la marque a dû se contraindre au cahier des charges très précis de l’organisation du festival. Ainsi, le stand baptisé Summer Camp a notamment réutilisé la structure utilisée pour son premier événement. Une installation qui proposait des stands de maquillage et de photos, accompagnées de boissons rafraîchissantes  pour tous les goûts, aménagé avec du mobilier récupéré. « Depuis 3 ans, on nous dit que la marque a des produits de qualité, mais commence à être vieillissante. En lançant des actions comme celles-ci, on espère changer l’image de la marque » expliquait notamment Benjamin Dondina, directeur des Relations Presse pour la marque. Il ne reste plus qu’à attendre le prochain !

En s’intéressant aux nouveaux rapports entre voyage et mobilité permis par les outils numériques et leur interprétation artistique nomade, l’exposition centrale du festival nantais Scopitone ouvre un large champ esthétique dans lequel le design trouve une place presque rassurante. Au milieu des paysages abstraits numériques – comme ces impressionnantes impressions digitales de souches d’arbres enchevêtrées, traduisant dans les Artefacts de Paul Duncombe le lointain écho d’une chute météorite gravée dans le sol du grand nord québécois – ou des scénographies art/science ouvertes sur les mises en son d’aurores boréales ou les mutations d’espaces vivantes imaginaires, des objets et installations plus formels témoignent d’une matérialité palpable, du moins en apparence.  

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Reproduisant les mouvements de la mer à partir des données récupérées en temps réel par une bouée connectée partie à la dérive depuis douze ans, la pièce Tele-Present Water de David Bowen instaure un étrange rapport d’interaction entre les mouvements gracieux et hypnotiques d’une grille métallique articulée et un phénomène d’absence, de disparition auquel la technologie vient en quelque sorte palier en faisant fi des notions de distance. Un design immatériel presque puisque sans contact physique qui fait écho au design intemporel de Stéphanie Roland dans la pièce Science-Fiction Postcards voisine. Ici, un mur-présentoir accueille des dizaines de petites cartes postales monochromes noires. Une fois présentées devant un appareil chauffant, celles-ci laissent apparaître au recto des rémanences de territoires insulaires isolés tandis que le verso en indique la localisation lointaine et la fin programmée du fait du réchauffement climatique. Humour…noir, bien sûr, où l’objet prend vie au fur et à mesure que sa temporalité se dilate.

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Mimer l’intelligence artificielle peut faire rayonner le design critique

Dans ce design d’objet curieux, la palme du dispositif revient au cabinet de curiosités inspiré des modes de calcul de l’intelligence artificielle du Of Machines Learning To See Lemon d’Alistair McClymont et John Fass. En mimant les principes de la technologie du machine learning, les deux créateurs s’amusent à interpréter manuellement la façon dont une IA aurait pu classifier et répartir dans un espace physique donné, se présentant ici sous forme de rayonnage à casiers géant, les objets se rapprochant – ou à l’inverse s’éloignant – d’un simple citron. Une démonstration de design plastique, qui se veut surtout éminemment critique puisque venant opposer aux circuits imprimés de la machine les circuits courts des produits ainsi présentés, tous récupérés in-situ.

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Bien évidemment, la pièce la plus monumentale de l’exposition, l’installation lumineuse Cymopolée du studio Luminariste qui trône au milieu de l’esplanade extérieure s’avère de facto la plus démonstrative. Sa structure métallique vient subitement s’éveiller de torsades lumineuses spasmodiques, de jeux de fumée et d’ambiances sonores redoutables ou harmonieuses évoquant le passage d’un ouragan, avec ses pics intensifs et ses temps plus suspensifs. Son design évoque là une mobilité voyageuse subie, celle de la tempête qui nous guette, nous surplombe, puis s’éloigne. Un cycle dont la fatalité renvoie ici autant à la force des éléments qu’à nos propres incapacités collectives à lutter contre un monde de plus en plus naturellement déréglé.

C’est sous l’impulsion de l’American Hardwood Export Council (AHEC) que les designers espagnols Inma Bermúdez et Moritz Krefter (Studio Inma Bermúdez), Jorge Penadés et Alvaro Catalán de Ocón ont été invités pour participer « Natural Connections ». Leur mission était de créer trois pièces de mobilier pour les espaces publics, conçues pour aider les gens à se rencontrer et redécouvrir la nature. Une exposition présentée au Matadero Madrid, et inscrite au programme du Madrid Design Festival 2023 qui se tient jusqu’au 9 avril, créant des synergies avec SLOW Spain, également organisée par l’AHEC et qui expose le travail de 17 étudiants en design en Espagne. Un rapprochement pensé pour que les designers soient des mentors pour les étudiants mais également pour développer des designs utilisant des bois durs américains durables tels que le chêne rouge, l’érable ou le merisier.

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La Manada Peridida par le studio Inma Bermúdez

Pour cet ensemble de pièces réalisées en chêne rouge, érable et cerisier, les designers Inma Bermúdez et Moritz Krefter du studio Inma Bermúdez se sont inspirés du bâtiment Matadero, qui était autrefois un abattoir. Dans le hall d’entrée du bâtiment, ce qui semble évoquer un groupe d’animaux perdus prend la forme de bancs ou de sièges, mais la conception va au-delà du mobilier pour faire appel au jeu et à l’imaginaire. En effet, leur fonction n’est pas directement définie, et laisse au visiteur la liberté de décider comment interagir avec ces derniers.

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Nube d’Álvaro Catalán de Ocón

Pour son projet Nube, Álvaro Catalán de Ocón s’est inspiré des stores en bois traditionnels des villes méditerranéennes. Il interprète le bois par la lumière et crée un nuage électrique pour l’espace Matadero. Nube (« nuage » en espagnol) est composé de petits morceaux de bois, tous identiques et produits mécaniquement. Le designer a utilisé un processus de production de masse, qui permet la création de nombreux éléments répétés plusieurs fois de manière très simple, laissant la composante artisanale, qui est au cœur de sa démarche, dans l’assemblage et l’installation. Des petites boules de bois en chêne rouge, du merisier et de l’érable, forment une sorte de maille électrifiée qui filtre la lumière et entour le visiteur d’un jeu d’ombre.

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Wrap de Jorge Penadés

Pour ce projet, le designer étudie une nouvelle application en  bois basée sur le système de production de tubes en carton. Au lieu d’un meuble traditionnel, Jorge Penadés a développé un système structurel utilisant deux pièces de placage de cerisier de 0,7 mm, collées et roulées dans des directions opposées pour créer une structure tubulaire résistante et polyvalente. Une réalisation qui démontre la force, la stabilité et l’esthétique du merisier américain.

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Auréolé encore cette année, et pour la quatrième fois de son histoire, du prestigieux Tipa (Technical Image Press Association) Award du « meilleur laboratoire photo du monde », WhiteWall participe aux Rencontres photographiques d’Arles par le biais de tirages de très haute qualité d’œuvres exposées dans la cité arlésienne. Depuis sa création en 2007, à Frechen, en Allemagne, par Alexander Nieswandt, WhiteWall a réussi à s’imposer pour l’excellence de ses services comme un acteur fondamental du secteur, et à devenir partenaire de plus de 20.000 photographes professionnels, d’artistes, designers, décorateurs, comme de 500 galeries et de nombreux collectionneurs. Ses tirages témoignent d’une diversité de techniques tant à la pointe que traditionnelles, et d’une pluralité de matériaux, du contrecollage sur Alu Dibond, impressions sous plexiglas ou sur bois, toile-photo, en passant sur les papiers Hahnemühle, baryté ou Ilford, tous choisis de concert avec l’amateur éclairé, le professionnel ou l’institution.

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A Arles, à la fondation Manuel Rivera-Ortiz, le concept d’exposition FotoHaus, fondé par ParisBerlin >Fotogroup depuis 2015, présente D’ici, ça ne paraît pas si loin et Sauver les corps, deux expositions au programme, dont WhiteWall a réalisé les tirages. La première montre des photographies du collectif « LesAssociés » qui questionne la notion de territorialité. La seconde analyse avec acuité et de manière plurielle, les conséquences de la crise sanitaire exacerbant les inégalités sociales, les fractures de la société, par le prisme de photographies pour certaines réalisées durant le premier confinement. Et pour l’ouverture de la galerie IRK, nouvel espace d’exposition à l’initiative du magazine international éponyme, dans le quartier historique d’Arles, WhiteWall a réalisé de splendides grands formats d’un récit « le Sud », conçu comme un scénario de cinéma empreint de poésie sensuelle, étrange et sauvage, que l’on doit au duo de photographes French Cowboy – Mia Macfarlane & Julien Crouïgneau.

Présent dans plus de treize pays dans le monde, mais aussi dans les plus grandes villes européennes, dont une adresse Rive gauche, à Paris, WhiteWall a su donner aux tirages photo ses lettres de noblesse et en faire de très beaux objets d‘art. Ce que ne dément pas le festival à Arles !

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L’édition 2020 du Festival international de jardins des Jardins de Métis portait sur la mise en relation des designers, appelé “métissage”.
Dans le contexte canadien, bien que les Premières Nations (les populations autochtones présentes avant l’arrivée de Jacques Cartier en 1534) aient souvent été méprisée, les métissages qui sont nés notamment au XXIe siècle ont favorisé la créativité et encouragé l’émergence de nouvelles pratiques.
Dans le contexte du Festival, le métissage concerne les pratiques (architecture de paysage, architecture, arts visuels, design industriel…), les plantes (indigènes ou exotiques) ou les matériaux (naturels ou manufacturés).

Sur les cinq installations retenues, le visiteur devient participant actif, en s’allongeant sur le tapis de Augmented Grounds, en se faufilant dans les cercles de (Mé)Tissages, en devenant vibraphoniste dans Corps de résonance, en explorant un récif de corail dans Forêt corallienne ou en s’entrelaçant dans le macramé de Entwine.

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``Augmented Grounds``
Soomeen Hahm, architecte, Jaeheon Jung, architecte et Yumi Lee, architecte paysagiste - Séoul (Corée du Sud)

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L’installation s'inspire de l'écharpe traditionnelle de la nation métisse des plaines de l'Ouest canadien, et représente l'harmonie grâce à des cordes colorées qui sont étroitement posées sur un terrain sculpté.
Les conceptrices sont particulièrement intéressées par l'exploration d'une écologie harmonieuse entre l'homme, l'ordinateur et la machine. Elles se concentrent actuellement sur les moyens de construire des formes complexes par des humains pour développer des processus de construction qui ne peuvent pas être réalisés entièrement par l'automatisation, ni par le travail humain.

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``Corps de résonance``
Charlotte Barbeau, designer, Leila Desrosiers, designer, Félix Roy, designer de l’environnement et Jean-Benoit Trudelle, stagiaire en architecture - Montréal (Canada)

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Cette folie musicale prend forme dans une clairière de la forêt. Les visiteurs se déplacent dans et autour de cet instrument géant, qui prend vie en vibrant aux sons de la forêt.

Charlotte Barbeau, Leila Desrosiers et Félix Roy sont des designers de l’environnement, diplômés de l’École de design de l’UQAM. Jean-Benoit Trudelle est diplômé d’une maîtrise en architecture de l’Université de Montréal. Ils se sont réunis pour ce projet afin de créer une équipe multidisciplinaire, capable de raisonner entre l’objet, l’architecture et le paysage.

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ENTWINE
Waiyee Chou, architecte paysagiste et Carlos Portillo, architecte-paysagiste, Toronto et Montréal, Canada

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L’intégration d’une ancienne technique de nouage du macramé permet de mettre en valeur des variétés de plantes hybridées pour l’horticulture. À l’intérieur d’une spirale, les visiteurs sont libres de se promener pour voir de près les éprouvettes.

Waiyee Chou et Carlos Portillo sont diplômés d’une maîtrise en architecture du paysage de l’Université de Toronto. Waitee a travaillé, entre autres, chez Urban Strategies, section de l’aménagement urbain de la ville de Toronto, et chez Forest and Field Landscape Architecture. Carlos est architecte paysagiste chez Claude Cormier et Associés, il travaille actuellement à la conception et à la construction d’un parc pour le centre-ville de Toronto.

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Forêt corallienne
Lucie Bulot, architecte et Dylan Collins, concepteur - Montréal, Canada

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Une barrière de corail d’un autre genre prend forme le long d’un sentier. Une communauté de calcaire s’enracine dans le boisé avec un métissage de formes qui crée un paysage insolite et une nouvelle communauté hybride.

Lucie Bulot est architecte d’intérieur HMONP, diplômée de l’École nationale supérieure d’architecture (ENSA) de Paris-Val de Seine. Dylan Collins est architecte DE, diplômé de l’ENSA Paris-Malaquais. Ils vivent et travaillent à Montréal depuis 2019. Leur travail collaboratif commence en 2017 avec la réalisation du jardin Éternelles éphémères au Festival International des Jardins de Chaumont-sur-Loire. En 2019, ils créent Neiges éternelles, dans le cadre de l’événement Passages Insolites présenté dans le Vieux-Québec.

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(Mé)Tissages
Duc Truong, architecte - Strasbourg (France)

Un paysage tissé qui invite les visiteurs à pénétrer dans un espace créé par un accrochage de cordes colorées. Ce jardin expérimental rassemble les visiteurs autour d’une installation entre l’architecture et la nature. Une invitation à se questionner sur le tissage des liens entre les communautés.

Duc Truong est un architecte français diplômé de l’École d’architecture de Strasbourg. En 2017, il cofonde le collectif d’architectes Figures vives et part à Tokyo pour travailler à l’agence Sou Fujimoto Architects, où il développe une réelle sensibilité pour le métissage de l’architecture et de la nature. Après un an et demi passé au Japon, il décide de rentrer en Europe et poursuit son apprentissage de l’architecture chez O.M.A. (Office for Metropolitan Architecture) de Rotterdam au Pays-Bas.

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Les jardins Extra-muros

Le ruban de barricade, qu’on a pu abondamment voir dans les aires de jeux publiques canadiennes pour en interdire l’accès au printemps dernier, est ici utilisé à l’inverse pour inviter les visiteurs du Musée de la civilisation dans le Vieux-Québec à gravir les marches menant au toit-terrasse. Les couleurs de cette troisième édition sont inspirées d’une mouche à pêche d’Elsie Reford. Quelques accessoires de pêche de la collection des Jardins de Métis sont également présentés dans l’exposition, Histoires de pêche.

Julia est professeure adjointe au département d’architecture de l’Université de Buffalo, et Coryn est professeur auxiliaire adjoint. Travaillant en collaboration depuis 2003, ils s’efforcent de créer des objets, des espaces et des situations qui transfigurent le quotidien de façon ludique et hautement stimulante. Leur travail a été récompensé par le League Prize de l’Architectural League of New York en 2018.

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Fruit d’une collaboration entre l’UQAM, le Partenariat du Quartier des spectacles (PQDS) et le Festival international de jardins, l’installation Ressac se déploie jusqu’à la fin octobre dans l’espace public adjacent à l’édicule du métro Saint-Laurent à Montréal.

Un jardin sec représente la grève alors qu’une passerelle en bois clair, rappelant le bois flotté, traverse celui-ci. Épousant la ligne de désir formée par les passants, le tracé sinueux s’inspire aussi de la forme de l’embouchure de la rivière Mitis, voisine des Jardins de Métis, qui se jette dans le fleuve. Le soir, l’horizon se dégage alors qu’un film est projeté sur le mur de brique qui, de jour, s’interpose entre le regard du passant et le fleuve, à peine un kilomètre plus au sud. La projection nous transporte au-delà de cette limite en amorçant une conversation entre corps et fleuve, incarnée par la danseuse Ivanie Aubin-Malo.

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