Photographie

It was at FUJIFILM’s Milan offices last April that Sumire Kuroda and Masahiko Yamamoto presented the brand’s philosophy, its approach to design, and its iconic products. The event was all the more symbolic for having taken place during Milan Design Week. "Introducing the concept of 'Faithful Design' in Europe for the first time during Milan Design Week is a highly symbolic moment for us," stated Luana Porfido, Head of European Communications at FUJIFILM.

Since its inception in 1934, the FUJIFILM world has evolved significantly, both in terms of its product range and its international footprint. Today, the company comprises over 75 entities in Europe—the first having been established in Düsseldorf, Germany, in 1966—and employs more than 7,500 people across the continent. Beyond this growing and strategic presence, the brand is primarily driven by a commitment to offering increasingly diverse products for a wide audience, all while remaining true to its DNA.

A Motto: "Faithful Design"

"Our 'Faithful Design' philosophy is an approach that places authenticity, innovation, and a deep focus on individual needs and usage at the heart of everything we do,"said Luana Porfido. It is a vision that centers the user in the design process, rooted in careful observation of real-world behavior. Whether in offices developing printers or in hospitals and radiology departments working on X-ray or MRI machines, studying user habits and needs is the cornerstone of the design process. "Design is not just about aesthetics; it is also about how products are actually used. Today, we can apply our philosophy to every product we design, even when entering new sectors,"explained designer Sumire Kuroda.

A Goal: Product Diversification

Since its founding, the brand has been dedicated to developing an increasingly diverse range of products across sectors that are sometimes quite far apart. This includes photography, with its highly successful digital and instant cameras like the Instax Mini, Evo, and Pal. The company is also active in office printing solutions with the Apeos and Revoria lines, as well as in the medical field, where it developed a portable X-ray device—a first for the industry. These products, recognized for their innovation and diversity, have earned FUJIFILM numerous international accolades, including the IDEA (International Design Excellence Awards), iF Design Awards, Red Dot Design Awards, and Good Design Awards.

A Space Dedicated to Design: Clay Studio

After long working in shared spaces with other departments, FUJIFILM decided to create a facility entirely dedicated to its design teams, which include nearly a hundred designers in Japan. Initiated before the pandemic, this project was finally inaugurated in Tokyo in 2023 under the name Clay Center. It is a bespoke space, designed entirely by the designers themselves, from the building's exterior facade to the interior layout and furniture selection. Conceived as a research and development hub, it fosters collaboration between different design sections, research labs, and business teams, as well as with students and external creators. As a true laboratory of ideas, the Clay Center encourages collective inspiration and offers everyone the opportunity to develop projects in line with the brand's "Faithful Design" philosophy.

By unveiling its design vision in Europe for the first time, FUJIFILM reveals an approach where innovation is born primarily from observing and listening to how things are used. It is a discreet yet ambitious vision that turns design into a tool for dialogue between technology and human experience, helping to support the company's ongoing diversification.

C’est dans le cadre de la seconde édition du Modulnova Art Project, à la croisée de l’art, de l’architecture et du design que la marque de cuisine italienne présentait début janvier son nouveau projet intitulé Weight of Light. Après Photopastel de Patrizia Mussa, célébration de la mémoire et des lieux suspendus, la marque s’est tourné vers Renato D’Agostin, figure majeure de la photographie contemporaine et qui propose ici un projet entreobscurité et révélation, geste et contemplation.

La lumière comme matière première

Chez Modulnova comme chez D’Agostin, la lumière n’est jamais un simple outil : elle devient matière première. Les dix-sept photographies qui exposées à Paris rendent sensibles l’attention portée aux détails comme c’est le cas dans les collections de la marque italienne. Conçu comme un récit initiatique en trois actes intitulés L’origine dans l’obscurité, Devenir lumière et Le poids de la lumière, le parcours nous plonge dans une expérience de transformation. La chambre noire - dans laquelle les photographies prennent vie - occupe une place centrale. Un travail de patience et de minutie qui prend vie dans l’obscurité sous la lumière rouge, à travers un processus artisanal qui résonne avec la philosophie de Modulnova, pour qui le temps, la précision et l’écoute sont au cœur de toute création. « Pour toutes les photographies, il faut beaucoup de patience pour permettre à chaque détail d’apparaitre au fur et à mesure. Pour cette exposition, j’ai aimé l’idée de faire dialoguer les photographies avec les collections de Modulnova, notamment avec les matériaux » expliquait Renato D’Agostin.

Une exposition à retrouver au flagship parisien de Modulnova boulevard Raspail, première étape d’une tournée internationale qui sera organisée au sein des showrooms les plus emblématiques de la marque. Une manière pour Modulnova d’affirmer, une fois encore, que le design peut être un territoire de dialogue où la lumière devient expérience et la matière, émotion.

De Snoopy – nouvellement disponible en bleu - à la collection IC en passant par les modèles Parentesi et Taraxacum 88, tous constituent Icons. Les luminaires de la maison d'édition italienne Flos sont nombreux à avoir marqué visuellement l'histoire du design. C'est en guise d'hommage, mais également comme témoignage de la pérennité de leur design que la maison d'édition a décidé, plus de dix ans après sa dernière exposition, de consacrer un nouveau travail photographique à 12 de ces objets. Coordonné par Barbara Corti, la directrice de création, ce projet artistique décliné en formats digital, print et vidéo, est né dans l'esprit d'Omar Sosa, co-fondateur d'Apartamento Studios.

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L'objet architecturé

Plus d'un demi-siècle de création au sein d'un même projet. Pour cet ensemble, le directeur artistique a souhaité conjuguer les styles et les époques en associant ce qui traduit le mieux l'évolution du temps à travers l'art de la lumière : la couleur et le monochrome. Conçu comme un dialogue visuel, cette lecture parallèle propose d'aborder les luminaires par une dualité entre l'éclat du matériau et sa forme sculptée par des clichés en noir et blanc léchés. Capturés au sein d'architectures milanaises datant des années 30 à 60, chaque cliché est une ode à l’Italie. Les grands noms de l'architecture tels que Renato Ferrari, Gio Ponti, Alberto Rosselli et Vito côtoient leurs cousins du design parmi lesquels Gino Sarfatti, Pier Giacomo Castiglioni ou Michael Anastassiades. Autant de maîtres modernes dont les conceptions géométriques ont été figées par Daniel Riera.

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Valeurs d'images et valeurs de marque

Choisi pour sa résonance avec l'objet, le cadre de la prise de vue fait converger au-delà de l'architecture et du design, trois autres facteurs chers à Flos, et en premier lieu une esthétique contemporaine. Pour Matteo Luoni, Directeur général adjoint de Flos, « Il n’y a pas la moindre pointe de nostalgie dans ce récit. Bien au contraire, Icons incarne notre volonté de continuer à puiser notre inspiration dans notre identité historique pour regarder toujours vers l’avant et proposer un design qui place au centre de ses préoccupations l’humain, la planète et la culture. » Trois éléments dissimulés autant que révélés par l'utilisation de la photographie monochrome au sein de laquelle se greffe un second plan fait d'ombres et de silhouettes humaines aux styles contemporains. Une manière d'inscrire chaque image dans nos années 20, celles du XXIe siècle, et de prouver que « certes, le design ne se porte pas, mais il demeure un puissant intermédiaire entre nous et les endroits que nous habitons » précise Barbara Corti.