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Jusqu’au 13 mars 2022, les Magasins généraux à Pantin célèbrent les dix ans du programme de résidences artistiques au sein des manufactures de la maison Hermès. Volet français d’un évènement d’envergure ayant également lieu à Séoul et Tokyo, « Formes du Transfert » rend compte des dialogues féconds entre artistes et artisans, à travers une présentation pédagogique d’œuvres où l’art se met au service de la main et vice-versa.
Les résidences d’artistes de la Fondation d’entreprise Hermès sont des séjours de trois à quatre mois qu’un plasticien, parrainé par de grands noms de l’art actuel – Susanna Fristcher, Jean-Michel Alberola, Michel Blazy, Robert Deacon ou encore, parmi d’autres, Giuseppe Penone –, effectue dans ses manufactures. Pour ne citer d’elles, la Maroquinerie Nontronnaise, en Dordogne, la Holding Textile Hermès à Lyon, la Cristallerie de Saint-Louis en Moselle, Puiforcat à Pantin, ou la Maroquinerie des Ardennes ont accueilli environ 30 créateurs, entre 2010 et 2020. Durant cette immersion, ces derniers sont amenés à expérimenter de nouvelles modalités de production et utiliser quatre matières d’exception – cuir, cristal, soie et argent, en fonction de la spécificité des ateliers -, pour réaliser des œuvres en double exemplaire, l’une étant conservée par la Fondation, l’autre leur appartenant. « Venus sans aucun projet au préalable, explique Gaël Charbau, commissaire de l’exposition, les plasticiens se sont ouverts aux compétences des artisans, dans un rapport teinté d’émerveillement et d’observation réciproques. »
Art et matière en formes
Dans une scénographie colorée compartimentant le plateau des Magasins, l’exposition fait état de la richesse de cette collaboration, à travers des pièces dont le livret didactique, délivré au visiteur à l’entrée, en explique les ressorts. Parmi beaucoup, celles d’Oliver Beer, en résidence en 2012 à la cristallerie de Saint-Louis, évoquent le son. Entre autres, son œuvre Outside-In, « cornet accoustique » sortant d’une vitre en cristal, permet d’entendre les bruits extérieurs à partir de l’intérieur. Installée à la maroquinerie de l’Allan, en 2020, Bérengère Hénin décrypte les restes d’une fête avec Melancholia, joyeuse boule à facettes faite de 2000 petits morceaux de cuirs, mais aussi La fin de la fête, installation empreinte de nostalgie, composée d’un guéridon, de cotillons et d’objets du quotidien en cuir.
Autre exemple encore, Emmanuel Regent, actif entre 2018 et 2019 à la cristallerie de Saint-Louis, a créé une série d’aquarelles « de verre », comme Le Naufrage de l’Espérance, version en 3D et en cristal du tableau « Mer de glace » de Caspar David Friedrich, rendue possible grâce aux nouvelles technologies. Une présentation foisonnante qui interroge la porosité de l’art et de l’artisanat d’exception, à travers tous ses interstices.
Magasins Généraux, 1 rue de l’Ancien Canal, 93500 Pantin.
Il était l’un des architectes espagnols les plus exposés à l’international et surtout salué pour ses centaines de projets d’envergure. Né en 1939, Ricardo Bofill Levi est décédé à Barcelone à l’âge de 82 ans le 14 janvier 2022. Il avait crée en 1963 son cabinet d’architecture, Taller de Arquitectura. Depuis plus de 50 ans, son travail aussi varié que coloré a marqué l’architecture mondiale.
Ricardo Bofill Levi faisait partie de ses architectes régulièrement qualifiés de visionnaires et novateurs, pour sa conception particulière de l’espace, entre une inspiration néo-classique (et notamment de Palladio) et une expression postmoderne. Auteur du célèbre immeuble Walden 7 et de l’Hôtel W en Espagne, des Arcades du lac et du marché Saint-Honoré, des sièges sociaux de Cartier ou de Shiseido, ou encore de l’Université Mohamed VI au Maroc, Ricardo Bofill Levi a su séduire de nombreux pays du monde, avec des réalisations audacieuses, colorées, parfois déstructurées.
Par ailleurs, il a aussi réalisé des projets très controversés, à l’image de l’ensemble Abraxas de Noisy-le-Grand, conçu à la fin des années 70. Un projet qu’il voulait en opposition au principe des barres d’immeubles, et qui apparaît dans de nombreux films cultes, de Brazil à l’un des volets d’Hunger Games.
Taller De Arquitectura, l’entreprise familiale aux 30 nationalités
Étudiant à partir de 1957 à l’École technique supérieure d’architecture de Barcelone mais expulsé pour des raisons de militantisme trop affirmé, il se lancera un peu plus tard, en 1963, dans la création de son propre cabinet d’architecte. Il sera par ailleurs entouré de nombreuses personnalités et professions artistiques, telles que le critique littéraire Salvador Clotas, le poète José Agustin Goytisolo ou encore l’économiste Julia Romea, marquant une nouvelle fois un éclectisme certain, à l’image du personnage.
Repris il y a quelques années par Ricardo Emilio et Paulo, les deux fils de l’architecte, le cabinet Taller de Arquitectura représente aujourd’hui près d’une centaine de personnes actives sur les projets et plus de 30 nationalités différentes.
Au cours de sa vie, Ricardo Bofill Levi aura été à la tête de plus de 500 projets différents dans une cinquantaine de pays à travers le monde.
Pour sa première collection de mobilier entièrement modulable, Lelièvre Paris a choisi José Lévy pour en designer les pièces. Exposée à partir du 12 janvier en exclusivité à la galerie Made In Design au Printemps Haussmann, cette collection dévoile des pièces à la fois contemporaines, aux formes audacieuses, et surtout hautes en couleur, valorisant les tissus de la maison. Un retour en enfance assuré !
La maison Lelièvre Paris, créatrice et éditrice de tissus pour la décoration d’intérieur et ameublement, est réputée pour décorer les plus beaux intérieurs à travers l’usage de ses tissus, papiers peints, tapis et autres accessoires emblématiques. Guidée par l’envie de toujours se renouveler, la maison sort sa première collection de mobilier afin d’exprimer autrement son expertise et son savoir-faire de la matière.
Une « récréation » proposée par José Lévy
Intitulée « Jeux de salon », cette nouvelle collection a été pensée par José Lévy. Dessinant des éléments volontairement modulables, le designer a cherché à conjuguer l’univers du jeu à celui de la finesse et du détail. Des pièces colorées aux matières nobles, en hommage aux tissus propres à la maison Lelièvre Paris. « Tous les tissus utilisés pour cette collection sont des tissus originaux de la maison Lelièvre. Aucun tissu n’a été crée spécialement pour ces pièces » précise le designer. En prenant le coussin comme point de départ et fil rouge, le designer a ainsi imaginé la collection comme une construction, qui s’empile et se désempile à l’infini, en fonction de chacun : « Je me suis inspiré de ces jeux de l’enfance, lorsque l’on s’empare sans complexe des éléments du salon pour construire, empiler les coussins, s’asseoir à cheval sur sur un accoudoir…» Baptisée « Jeux de Salon », la collection se compose donc de coussins, d’un divan, d’un fauteuil, d’un ottoman, de deux tapis, de quoi rassembler petits et grands. Comme un clin d’œil au showroom historique de la maison installé Place des Victoires à Paris, José Lévy s’est amusé à baptiser le pouf « Palais Royal », à nommer « Galerie Vivienne » un long banc cylindrique inspiré du cheval d’arçon. Les deux tapis ont un graphisme travaillé pour être positionnés aussi bien seuls qu’assemblés.
Une modularité audacieuse des formes
La collection est composée d’assises basses. Pour les fauteuils, une structure en bois aux finitions laquées délivre une belle profondeur qui assure un confort d’assise, souligné visuellement par le parti pris « Color Block ». On retrouve dans les accoudoirs aux formes oblongues une correspondance avec les coussins-traversins. En modifiant la position des coussins sur le divan imaginé par le designer, il est possible aussi bien de transformer l’élément en lit de repos, comme de dégager sur la structure un espace « table d’appoint ».
Une collaboration évidente avec Made in Design
Pour la distribution de la collection « Jeux de Salon », Lelièvre Paris a fait le choix de s’associer en exclusivité à Made In Design, qu’il considère comme un acteur majeur et décisif sur le marché du design actuel. Désireux de défendre le « made in France » et le savoir-faire français, ce partenariat semblait évident et surtout prometteur pour l’implantation du projet au sein du marché hexagonal. Pour Catherine Colin, cette collection « rappelle Sonia Delaunay dans ses formes et jeux de couleurs ». Un esprit joyeux et inventif que l’on retrouvait dans en novembre dans une exposition précédente en hommage au mouvement Memphis, pour laquelle la marque avait collaboré sur des exclusivités avec le Japonais Masanori Umeda.
Un design de haute facture, qui marie tradition, modernité et intemporalité, voilà ce à quoi tend Haymann Editions. En 2012, la maison se fait remarquer sur Maison et Objet avec une toute première collection conçue en collaboration avec un unique designer, Toni Grilo. Et il fallait oser ! Depuis, les signatures se multiplient, toutes orchestrées par le fondateur de la marque, David Haymann.
Si David Haymann fait ses premiers pas dans le monde du design sur le tard, il a cependant toujours été attiré par la créativité des autres. Fils d’une mère ayant travaillé dans l’univers du textile d’ameublement, avec des marques comme Souleiado ou Pierre Frey, David baigne alors déjà dans les prémices du décorum. Mais il prend la tangente en évoluant durant de nombreuses années dans l’informatique puis dans la grande distribution, histoire de ne pas être dans le sillon familial. « Je visitais tout de même Maison et Objet à chaque édition, avec cette envie inavouable d’exposer à mon tour en tant qu’éditeur ».
Au cours d’un séjour à Rio de Janeiro, David découvre le travail de Sergio Rodriguez et c’est le déclic. En rentrant en France, il prend la décision de changer de vie, cherche des designers brésiliens pour monter un projet de maison d’édition et rencontre alors Toni Grilo, installé au Portugal. En juin 2011, c’est avec aplomb que David et Toni se lancent dans l’aventure pour pouvoir exposer sur l’ancien Now de l’édition suivante de Maison et objet. David donne carte blanche au designer qui livre une dizaine de pièces pour ce premier lancement. L’incroyable pari est respecté !
Pas de collection mais de la cohérence…
…est le leitmotiv de Haymann Editions. L’éditeur travaille à la manière d’un décorateur, mais sans en avoir la casquette. Il imagine ses propositions de manière globale. Après le lancement de 2012 avec des pièces comme la lampe Marie ou la chaise Dartagnan qui fonctionnent très bien entre elles, il part à la recherche de designers qui travaillent le verre et la couleur et propose une collaboration à Lucie Koldova et Dan Yeffet. Le Wave stool est alors décliné en verre dans diverses finitions.
David approche par la suite le binôme David & Nicolas qui dessine des bureaux pour la maison. Vient le tour de Charles Kalpakian qui imagine des assises aux lignes épurées et très fonctionnelles. Les matériaux sont toujours au cœur du processus de développement de la marque. L’éditeur passe du marbre au liège, de l’inox au bois sans complexe et les marie avec harmonie.
Deux entités
Haymann Editions propose aussi une offre contract baptisée Hospitality en prime des pièces de la gamme Residential. La collection Cocorico, dessinée par le studio de design éponyme Cocorico Paris, présente une quizaine de produits. Traités en couleurs soulignées de noir, assises, table et autres accessoires font désormais partie d’une entité spécifique aux besoins de la collectivité.
Encore néophyte en termes de culture du design il y a quelques années, David a aujourd’hui gagné ses galons en tant qu’éditeur émérite et designer improvisé avec le fauteuil Victor aux accents seventies.
Après le report en mars de Maison & Objet, c’est le Salon du Meuble de Milan qui repousse à juin son édition 2022 et bouscule les agendas. Le point sur les prochains évènements.
Maison & Objet : Reporté du 24 au 28 mars 2022
Initialement prévu du 20 au 24 janvier 2022, le salon Maison & Objet, qui se tient au Parc des Expositions à Villepinte, a annoncé fin décembre le report de son édition initialement prévue fin janvier : celle-ci devrait se tenir au mois de mars, du 24 au 28 mars 2022. Cette nouvelle édition devait s’accompagner d’un parcours Maison&Objet In The City, qui est de ce fait également décalé du 23 au 28 mars. Pour le moment l’édition d’automne du salon est annoncée du 8 au 12 septembre, en même temps que la Paris Design Week.
Journées européennes des métiers d'art : annoncées du 28 mars au 3 avril 2022
Les JEMA 2022 sont maintenues du 28 mars au 3 avril 2022. À destination des passionnés des métiers d’arts et du patrimoine, les JEMA proposent chaque année de retrouver les professionnel partout en France et du 1er au 3 avril dans toute l’Europe.
Art Paris Art Fair : annoncé du 7 au 10 avril 2022
Art Paris Art Fair, après son édition de septembre en 2021, revient du 7 au 10 avril au Grand Palais Ephémère, en annonçant déjà 130 galeries (dont une partie dédiées au design) d’une vingtaine de pays. Cette année, un accent particulier sera mis sur les nouvelles approches de l’art centrées sur les relations au monde du vivant, à travers deux thématiques complémentaires, Histoires naturelles et Art & environnement. Elles seront associées à une démarche d’écoconception de la foire, une première dans le monde des salons d’art.
Wanted Design : annoncé du 15 au 17 mai 2022
Pour le moment, le salon new-yorkais Wanted Design, organisé au Jacob K. Javits Convention Center dans le quartier de Manhattan, se tiendra comme annoncé du 15 au 17 mai 2022. À noter que pour cette édition, le salon ICFF (International Contemporary Furniture Fair) sera également présent aux mêmes dates.
Salon du meuble de Milan : reporté du 7 au 12 juin
Les rumeurs des dernières semaines viennent d’être confirmées : la 60e édition du Salon du meuble de Milan (Salone del Mobile) qui devait se tenir du 5 au 10 avril a finalement bel et bien été décalée du 7 au 12 juin 2022. Comme l’a précisé Maria Porro, présidente du Salon, cette 60e édition devrait être fortement axée sur le thème de la durabilité.
Révélations : annoncé du 9 au 12 juin 2022
Annulé l’an passé, le salon Révélations – ou Biennale Internationale Métiers d’art et Création – est prévu du 9 au 12 juin au Grand Palais Ephémère. Créée par Ateliers d’Art de France, cette biennale est devenue un rendez-vous important de la création française et internationale pour y découvrir des œuvres inédites, mettre en lumière les savoir-faire des pays invités, et une occasion de rencontres entre professionnels, collectionneurs et amateurs éclairés.
Stockholm Furniture & Light Fair : reporté du 6 au 9 septembre 2022
Initialement prévu du 8 au 12 février, le salon scandinave a été reporté en raison de la crise sanitaire du 6 au 9 septembre. Pour les plus impatients, il sera tout de même possible de découvrir les marques de design nordiques en visitant showrooms et boutiques à l’occasion de la Stockholm Design Week qui elle est maintenue 7 au 13 février.
IMM Cologne : Edition 2022 annulée
L’édition 2021 du salon de Cologne avait été annulée en raison de la crise pour un report en physique du 19 au 23 janvier 2022… qui a elle-même été annulée. Les prochaines dates annoncées sont du 16 au 21 janvier 2023.
Les inscriptions pour participer à la 9e édition du concours de design Gainerie 91 sont ouvertes jusqu’au 28 mars 2022. Le thème de cette année s’intitule « Les bibelots du luxe »et demande aux participants de créer un gift original.
Le concours Gainerie 91 revient pour une 9e édition sur le thème des « Bibelots du luxe » et plus particulièrement sur les gifts, ces petit objets ou attentions remis gratuitement dans un but marketing. Véritables témoins de l’univers d’une marque, ils sont aujourd’hui au cœur de toute stratégie de communication et sont le meilleur moyen pour retenir l’attention. Ainsi, les candidats doivent se glisser dans la peau d’une marque de luxe et imaginer un gift original. Les secteurs d’activités concernés pour le concours sont : la joaillerie, l’horlogerie, les vins & spiritueux, la parfumerie, les cosmétiques, la petite maroquinerie. Les maquettes et prototypes seront évidemment appréciés par le jury.
Conditions de participation
Pour participer au concours, les candidats doivent être majeurs avec un statut d’étudiant ou avoir été diplômé depuis moins d’un an et résider en France. Aussi, ils ne doivent pas avoir participé directement ou indirectement à l’organisation du concours ou avoir travaillé pour Gainerie 91 par quelque biais que ce soit (stages, alternance, apprentissage, salariés, partenaires directs).
1er prix : 2500 € ou au choix, un lot de valeur équivalente et la mise en production de sa proposition avec 1 an de suivi par Gainerie 91.
2nd prix : 1500 € ou un lot de valeur équivalente au choix.
3e prix : 1000€ ou un lot de valeur équivalente, au choix.
Prix du Public : 800€ ou un lot équivalent, au choix.
Concours Gainerie 91 : les dates à retenir
28 mars 2022 : limite de dépôt des candidatures
4 avril au 30 mai 2022 : votes en ligne et sur Instagram pour le prix du public
28 avril 2022 : Présélection des 10 meilleurs projets
19 mai 2022 : Présentation des projets devant un jury et sélection des 3 meilleurs projets à l’issue de cette journée.
16 juin 2022 : Remise des prix
Pour plus d’informations, rendez-vous sur le site officiel du concours : https://concoursdesign.gainerie91.com
Formée en arts appliqués à l’école Duperré à Paris, Jeanne Goutelle s’est spécialisée dans l’art de la passementerie. Tissage, noeuds, tresses… Les techniques et les matières n’ont plus de secrets pour elle. Sensibilisée à l’Upcycling, toutes ses créations sont faites à partir de chutes de tissus. Après un passage à la « Biennale du Design » de Saint-Etienne en 2019 et une participation à l’exposition « Objet Textile » de Roubaix en 2020, Jeanne Goutelle s’est vu relever un défi d’envergure : décorer le bureau du président de la commission européenne à Bruxelles, dont la France prend la direction en Janvier 2022.
Fille et petite-fille d’architecte, Jeanne Goutelle confie avoir été nourrie depuis toujours par l’univers du textile et de la création. Après des études à Paris et deux ans passés en Angleterre à forger son identité créative, elle est retournée vivre à Saint-Etienne, ville dans laquelle le textile est très présent, notamment via son passé lié à la rubanerie. Forte de ses vingt années d’expérience, elle qualifie son travail comme étant « à la croisée de l’art, du design et de l’artisanat, je ne veux pas cloisonner ».
L’upcycling comme une évidence
C’est au cours de son expérience dans une usine de maille que Jeanne Goutelle a eu le déclic concernant l’upcycling. Au sein même du processus de fabrication, elle a été frappée par les pertes engendrées lors de la production. « J’étais mal à l’aise avec le fait que personne ne cherche de solutions intermédiaires à ces pertes ». Pour y remédier, elle a démarré sa propre démarche responsable en se rapprochant d’industriels qui accepterait de lui redistribuer leur pertes. Une idée qui a été très bien reçue dès son premier échange auprès de l’usine de textile SATAB, qui est resté son premier fournisseur depuis fin 2017. Elle s’est donc éloignée du monde de la mode qui ne correspondait aux valeurs durables qu’elle souhaitait développer dans ses œuvres et s’est ainsi lancée à son compte début 2018.
Jeanne Goutelle Atelier : 3500 références de matières
Avec les dons dont elle dispose, Jeanne Goutelle compte près de 3500 références de matières (rubans, tresses, sangles). Une multiplicité de matières pour une infinité de processus créatifs : « Je suis convaincue que tout le monde est créatif, mais certains mettent du temps à l’accepter ». Pour créer, elle utilise 3 techniques différentes : le tissage qui lui permet de superposer plusieurs matières comme le tissu, le ruban et les sangles ; le noeud qu’elle développe avec la technique du crochet et qui offre une infinité de modèles et enfin les tresses, procédé pour lequel elle travaille à partir de modules.
Si Jeanne Goutelle accorde une importance particulière à l’aspect durable de ses créations, elle n’en oublie pour autant pas l’aspect esthétique qui garde une place imporante : « Je veux montrer qu’on peut faire de belles choses à partir de l’upcyling et que l’on peut créer des oeuvres durables dans le temps » .
Une ascension de projets
En 2019, Jeanne Goutelle expose son travail à la Biennale du Design de Saint-Etienne et se fait remarquer par son procédé et ses paravents d’envergure. Début 2021, Jeanne Goutelle s’est chargée de la décoration de l’enseigne de prêt-à-porter pour homme « Bonne Gueule » à Lille. Une boutique sensibilisée par sa démarche d’Upcycling et qui a souhaité suivre l’exemple. De fait, pour le projet, tous les tissus utilisés pour décorer les portants de la boutique sont issus de chutes de tissus de l’usine de fabrication des vêtements de la marque.
Pour autant, ce projet n’a pas été le seul d’envergure pour Jeanne Goutelle. Aux côtés de l’architecte et scénographe Adeline Rispal, elle a été sélectionnée pour l’aménagement des salons du Conseil de l’Union Européenne pour la présidence Française, effective six mois à partir de Janvier 2022. Baptisé Intersection(s), le fil conducteur de ce projet était de représenter les liens de l’Europe à travers le tissage. Inaugurés le 10 janvier, le projet a nécessité le travail de 4 personnes pendant 4 semaines au sein de ses ateliers à Saint-Etienne.
Depuis le début du mois de janvier, la France prend la présidence du Conseil de l’Union européenne jusqu’en juin. C’est l’architecte et scénographe Adeline Rispal qui a remporté le concours pour la scénographie de cette mission, pour un projet qu’elle a co-construit avec le studio SI/ Studio Irrésistibles, autour du thème « L’Etoffe de l’Europe ». En « fil conducteur », un travail de « data design » pour incarner un maillage de nations.
Ce n’est pas la première mandature française, mais c’est bien la première fois qu’un concours est organisé pour l’aménagement des 8 espaces du Conseil de l’Union européenne. Une « vitrine » importante de la tonalité souhaitée par le gouvernement (exprimée par la devise « Relance – Puissance – Appartenance »), qui ne sera certes pas vue du grand public, mais sera le cadre de travail quotidien des négociateurs.
« Dans l’ADN de notre studio, nous souhaitons montrer la complexité plutôt que l’éviter », exprime Adeline Rispal, et c’est clairement ce qui ressort de cette présentation. En lien avec le Studio Irresistible et avec son équipe, elle a conçu une scénographie qui file la métaphore du tissage, du réseau, de la construction en présentant des oeuvres magistrales. Ainsi, dans l’atrium, se déploient les « Ailes » , reprenant un motif construit autour de l’imbrication des différents 27 drapeaux et 37 couleurs des 27 représentants.
Photo Luc Boegly
Photo Luc Boegly
Data design au Forum Europa
Dans le second bâtiment, au Forum Europa – où se tiennent notamment les conférences de presse – Studio Irrésistible ont travaillé sur une fresque symbolisant efficacement les étapes d’intégration la construction européenne : en reprenant les mêmes datas, ils ont conçu une trame qui traduit de façon chronologique les grandes étapes. Chaque pays prend la forme d’un ruban, qui viennent s’agréger pour concevoir le fil de chaîne, et présenter – à nouveau – la construction de l’Europe sous forme d’un tissage. Le résultat est étonnant : cette fresque magistrale rend visibles les maillages, relations inter-Etats, (même le Brexit, avec l’interruption du « ruban » de la Grande Bretagne) , les 154 mandatures, dans une synthèses graphiques de données qui traduit ce flux d’informations et d’inter-échanges. Une façon de mettre en scène à la fois l’appartenance à cette « étoffe commune », sans uniformiser à outrance. En somme, comme le soulignait dans l’inauguration Eva Nguyen Binh, Présidente de l’Institut français, « une mise en scène de la devise européenne : unir dans la diversité ».
Photo Luc Boegly
Photo Luc Boegly
Une scénographie jusque dans les ascenseurs
Comme le souligne Hervé Lemoine, directeur du Mobilier national et par ailleurs président du jury du concours : « ce qui nous a séduit dans la proposition d’Adeline Rispal, c’est cette dimension positive et clairement européenne. » Dans la démarche, il s’agit aussi que chacun puisse s’approprier cette vision. Pour la première fois investis dans une scénographie, les ascenseurs reprennent chacun une déclinaison de cette version graphique chacun dans une version différente.
Intersection(s) dans les bureaux de la Présidence
Le thème du tissage est aussi poursuivi dans le bureau de la Présidence, les salons attenants et dans les salons de négociations, avec la présence de paravents de Jeanne Goutelle. Conçue spécialement pour l’occasion, la ligne est baptisée « Intersection(s) » : une autre façon de symboliser le tissage de liens, tout en reprenant une déclinaison de rubans bleus, blancs et rouges. Dans ces espaces très austères, ces paravents, qui éclairés, font courir l’ombre de leurs motifs sur les murs, confortent une atmosphère calme aux tonalités apaisantes : ils viennent entourer des ensembles tirés du Mobilier national : la collection Hémicycle désignée par Philippe Nigro et d’une co-édition inédite entre l’institution et Ligne Roset, ainsi que des tables basses designées par Olivier Gagnière.
Photo Luc Boegly
Photo Luc Boegly
Un cahier des charges complexe
Le jury s’est prononcé au printemps 2021, le projet s’est donc construit en huit mois. Avec un cahier des charges très contraint : des espaces de tailles extrêmement variés, très peu de possibilités d’intervenir sur les structures, des conditions de sécurité, des délais… En effet, l’équipe avait trois jours pour tout monter, dans le jeu de la succession des présidences. Dans l’Atrium, l’installation devait être démontée quatre fois : l’équipe a utilisé un principe d’enroulement des différents laizes sur des échafaudages habituellement destinés à de l’événementiel.
Installations artistiques
Des installations d’artistes viennent compléter ce dispositif. L’artiste Jacques Perconte présente un dispositif « Aour Europe » immersif sur écran leds, véritable ode aux paysages de l’Europe. Il est situé dans un espace d’attente ou de repos meublé par des fauteuils Maximum. À l’étage de la présidence, 6 jeunes artistes français installés à Bruxelles présentent également leurs œuvres rassemblées autour de la thématique « Décors et Paysages » : là aussi on retrouve des œuvres tissées, ou des panoramas reconstruits. Encore et toujours, assembler, rassembler, trouver ce qui unit.
Une scénographie extrêmement politique, mais avec le ton juste : une affirmation d’une identité européenne, avec une élégance dans le propos et sérénité. So French ?
Le 14 décembre 2021, le Conseil d’Administration de l’école de design de Nantes Atlantique a élue la nouvelle présidente. A l’issue de cette réunion, c’est Anne Brochard, psychologue de formation et fondatrice de l’Etincelle RH, qui a été choisie pour succéder à Emmanuelle Gaudemer.
C’est une page se tourne, mais également le signe de nouveaux projets qui vont voir le jour. Aux côtés de Christian Guellerin, directeur général de l’école, Anne Brochard, nouvelle présidente élue au Conseil d’Administration le 14 décembre 2021, sera aux premières loges d’une nouvelle étape en terme de développement pour l’école. En effet, d’ici quelques mois, l’école de design de Nantes Atlantique va s’implanter sur l’île de Nantes. Un projet important « qui va ouvrir considérablement le champ des possibles » si l’on en croit les déclarations de l’intéressée.
Formée en tant que psychologue sociale et fondatrice de l’Etincelle RH, un cabinet de conseil en recrutement et stratégie basé à Nantes, Anne Brochard a d’ores et déjà occupé des fonctions de conseil au sein de divers cabinets indépendants. Elle a également codirigé l’entreprise SABE spécialisée dans l’ingénierie d’équipements spéciaux et est également membre du Centre des Jeunes Dirigeants (dont elle a pris en charge les relations extérieures entre 2017 et 2019). Un palmarès conséquent qui prouve le professionnalisme et l’expérience de cette nouvelle présidente et qui se traduit ainsi en tant qu’atout majeur pour le développement de l’école nantaise.
Pour ceux qui n’ont pas eu l’occasion de la visiter, découvrez en images la chambre de Chromosaturation qui anime le Pavillon français depuis mi-décembre jusqu’au 14 janvier, dans le cadre de l’exposition universelle Dubai 2020. Une sublime immersion dans la couleur.
Présenté au sein de l’exposition temporaire « Lumière, Lumières », accueillie au pavillon français de l’exposition universelle de Dubaï 2020, Chromosaturation est un environnement lumineux plaçant la couleur pure au cœur de son dispositif. L’installation, composée de trois chambres de couleur (une rouge, une verte, une bleue) baignant le visiteur dans une situation monochrome absolue, reprend de manière particulièrement immersive les expérimentations autour de la couleur du plasticien Carlos Cruz-Diez, grand penseur du courant cinétique.
Alors que notre vision est généralement habituée à percevoir simultanément d’amples gammes colorées, l’expérience pure de la couleur de Chromosaturation cajole autant qu’elle trouble la rétine. Fidèle aux principes de l’art cinétique, où le mouvement et le déplacement du spectateur participent directement à l’œuvre par effets optiques, Chromosaturation procède également de son interaction avec le mouvement des spectateurs qui génère sa mutation constante.
Dans ses œuvres, Cruz-Diez évoquait cette couleur qui « apparaît et disparaît au fil du dialogue qui s’établit entre l’espace et le temps réel ». En s’offrant au regard du public dans toute son épure physique, Chromosaturation rappelle cette « vision élémentaire » de la couleur, dépourvue de significations préétablies, et à travers laquelle Cruz-Diez pensait pouvoir « réveiller d’autres mécanismes d’appréhension sensible, plus subtiles et complexes que ceux imposés par le conditionnement culturel et l’information de masse des sociétés contemporaines. »
La chambre de Chromosaturation © Copyright 2022
Atelier Cruz-Diez Pavillon français Dubai 2020
Kim Layani a fondé en 2017 l’agence Coppery qui croise architecture d’intérieur, objets de design et menuiserie au sein de ses projets. Une multitude de savoir-faire qui permettent de nombreuses possibilités pour un rendu qu’elle souhaite unique. La première collection de mobilier sortie en 2020, issue de la branche design de l’agence développée récemment, se base sur le concept de la semi-mesure.
Formée à l’école Penninghen de Paris et à l’institut MJM, l’interêt de Kim Layani pour l’architecture s’est développé dès son enfance. Issue d’une famille de créateurs, elle a été bercée au quotidien par l’univers de la mode. « J’ai grandi dans les crayons et le dessin. Petite, j’accompagnais ma mère dans son atelier de création et j’ai donc très vite commencé à dessiner. Mon envie de me diriger vers l’architecture a donc été assez évidente ». À la sortie de sa formation, elle travaillera pour Isabelle Stanislas et Jean-Michel Wilmotte, avant de se lancer dans sa propre aventure.
Coppery Design, une première collection de mobilier en « semi-mesure »
La première collection de mobilier issue de la branche design de Coppery Architecture est le reflet de l’univers de Kim Layani : un mélange de matières nobles comme le cuivre (sa matière de prédilection qui a donné le nom de l’agence), le laiton, le velours, le bois, le marbre… qui cohabitent ensemble pour un rendu toujours plus distingué. Les pièces de la collection sont toutes « semi-mesurables », c’est-à-dire qu’elles sont toutes personnalisables avec la seule condition de ne pas changer le design du produit. Une possibilité de personnaliser qui offre aux clients un choix de la matière, des tissus et des couleurs utilisées. Et une forme de liberté que la jeune femme veut développer aussi bien pour ses clients que pour ses collaboratrices : « Toutes les idées de création sont bonnes, c’est pourquoi je souhaite offrir une liberté à chacune de mes cheffes de projet. Evidemment, je peux avoir un avis tranché, mais elles ont toutes leur mot à dire. »
Une inspiration venue d’autour du monde
L’agence, située à Paris, oscille entre showroom, bureau d’architecte et matériauthèque. Ainsi, le premier étage comprend les bureaux et une partie du mobilier tel que l’imposant canapé Snake, la chaise Nest, le Bubble sofa, la lampe Cubic ou la table Asbloc. Les marches qui mènent au sous-sol offrent un espace qui se définit selon Kim comme le lieu « où tout se joue ». Les premières discussions, les propositions et les plans des projets d’architecture y sont pensés et proposés en ces murs. L’espace regorge d’échantillons de matières et de couleurs différentes, transformant le lieu en un cocon de création dans lequel le client se livre et peut faire ses choix. « Notre objectif est de découvrir qui est le client, ce qu’il recherche en réussissant à rentrer dans sa tête. Avec de tels projets, nous entrons dans leur intimité et nous devons leur proposer quelque chose qui fasse ressortir au maximum leur univers. » témoigne l’une des cheffes de projet, Eléa Kelly.
Si elle s’inspire de ses expériences passées pour forger son identité et faire valoir ses principes au sein de son agence, Kim Layani puise beaucoup dans ses souvenirs de voyage dans son processus de création. Les lumières, les ambiances, les couleurs et les paysages des endroits qu’elle a eu l’occasion de visiter nourrissent un panel d’idées et font ressortir un maximum de choses nouvelles. « J’ai cette volonté de faire du beau tout en restant la plus inventive et originale possible dans mes créations. Mon objectif est de pouvoir me démarquer en créant un ADN qui sera distinguable et propre à la maison Coppery ».
Pour cette 2e édition du concours Ecole Camondo-Intramuros, les partenaires Adagio, Serge Ferrari et Lafuma ont respectivement sélectionné les lauréats Thomas Delagarde, Léna Micheli et Clémentine Doumenc. En attendant de découvrir les parcours de ces trois jeunes créateurs dans le prochain numéro d’Intramuros, la rédaction fait tout au long du mois de janvier le point sur chaque «duo». Premier point d’étape avec Elena Apiou, designeuse intégrée chez Adagio (à retrouver également dans le dernier numéro).
En devenant partenaire du concours, quels besoins ou orientations en interne aviez-vous identifiés ?
En amont, nous avons travaillé sur nos besoins et le sujet que l’on voulait confier à l’étudiant. Nous les avons identifiés dans notre gamme Aparthotels Adagio Access. Nous avions envie de travailler sur la problématique du mobilier, donc une problématique de design produit plus que de design d’espace ou d’aménagement intérieur comme nous avions pu le faire jusqu’à présent dans nos concepts d’appartement. De façon générale, en effet, nous définissons la couleur des murs, le revêtement de sol, l’agencement… Cette vision d’un projet complet donne un produit facile à déployer sur une construction neuve mais plus compliqué à étendre sur un bâtiment existant. Réfléchir comme cela n’est pas forcément ce qu’il y a de plus flexible en termes de déploiement. Par exemple, il est souvent nécessaire de recomposer un concept pour la réhabilitation d’un actif existant. Face à ce constat, nous nous sommes dit que ce qui entrerait dans n’importe quel bâtiment, dans n’importe quel type de trame et qui était un incontournable de l’expérience de nos client était le mobilier. Avoir une collection de mobilier pour Adagio Access créerait une vraie continuité sur notre réseau quelle que soit la construction, car, indépendamment de la forme de la coquille, à l’intérieur, on pourrait trouver une identité qui correspond au réseau. Un dénominateur commun.
Comment s’est passée la sélection ?
Nous avons effectué une première visite à l’école de Toulon fin juin, et à Camondo Paris début juillet. Les projets de diplômes étaient suffisamment détaillés, les démarches bien expliquées, ce qui nous a permis d’identifier des étudiants qui avaient des travaux sur cet aspect mobilier, chez qui nous sentions une appétence pour le design de produit. Nous avons donc présélectionné neuf étudiants (sur 90 au total). Nous les avons tous rencontrés dans le cadre d’une journée de speed dating que nous avions organisée au Shack – nous voulions sortir de nos bureaux et ne pas non plus les rencontrer sur un site Adagio Access. C’était d’ailleurs une bonne idée de tout concentrer sur une journée : en échangeant avec les étudiants, nous avons affiné notre discours, nos besoins, le brief. Et mieux compris leur logique. Je menais les entretiens avec Stéphanie de La Roncière, directrice marketing, afin d’avoir des visions complémentaires sur le projet.
Qu’est-ce qui était déterminant dans ces échanges ?
Nous voulions être sûrs que les étudiants étaient intéressés par la problématique, que ce n’était pas juste de l’opportunisme pour obtenir une première expérience professionnelle. Car elle oriente aussi beaucoup la suite. Nous avons beaucoup insisté pour que l’intérêt soit sincère, que la mission corresponde au projet professionnel de chacun. Certains avaient la volonté de créer un produit unique, parfait, avec des matériaux rarissimes, voire innovants, en très petites séries. Or nous avons besoin d’habiller un réseau d’une cinquantaine de sites et, donc, d’une forte capacité de production. Nous avons cherché à déceler les étudiants qui n’en avaient pas peur.
Qu’est-ce qui vous a convaincus dans la démarche de Thomas Delagarde ?
Nous avons senti que la production en masse pour M. et Mme Tout-le-monde l’intéressait, que c’était un vrai défi. à l’issue des entretiens, nous avions deux short-listés. Or son projet de diplôme, baptisé Système Latte, cochait presque toutes les cases du brief, et notamment le réemploi, avec un système de mobilier basé sur la récupération de lattes de sommier. Dans notre secteur, c’est une matière première facile à trouver. Nous aimions beaucoup aussi le caractère modulaire de son système. L’aspect durable était un critère de sélection, sans pour autant être plus royaliste que le roi, car nous avons encore beaucoup d’étapes à franchir. Réfléchir au recyclage, à la seconde vie, à l’upcycling…
Comment avez-vous donné forme à cette mission ?
Nous avions aussi été très intéressés par le fait qu’il a cofondé un studio durant ses études, appelé Studio Mogo, lié à son projet de diplôme. Nous lui avons proposé soit de se mettre en avant, sous son nom, et de partir sur un stage ou un CDD, soit de mettre en avant son studio avec un contrat de prestations intellectuelles comme on a l’habitude d’en faire avec les agences. C’est cette dernière option qu’il a choisie. Nous avons donc signé une mission de prestation de service pour les six premiers mois pour affiner le cahier des charges du projet et produire des premiers croquis et une réflexion sur la conception. Avec, ensuite, la perspective d’un autre contrat sur le suivi du prototypage. La force d’Adagio est d’avoir deux actionnaires comme Accor et Pierre & Vacances, avec des départements achats performants avec lesquels nous travaillons beaucoup et qui nous mettent à disposition un carnet d’adresses assez large d’éditeurs de mobilier et de fabricants.
À quelle étape de la mission êtes-vous ?
Nous avons commencé à travailler en septembre. Nous avons prévu deux mois d’études pour analyser l’existant et les usages futurs que pourraient avoir les Aparthotels Adagio. Nous nous rencontrons donc sur les sites pour montrer la réalité du produit à Thomas et pour échanger avec les équipes opérationnelles sur place. C’est important, car elles ont un autre état d’esprit que les concepteurs, elles ont la vision client : ce qui est accessoire versus ce qui est nécessaire. Il ne faut pas s’enfermer dans une solution préétablie, mais avoir des échanges très réguliers. Thomas teste aussi les sites à Paris et en province en dormant sur place pour appréhender au mieux la réalité du produit et ne pas imaginer des croquis fondés sur une intuition.
Label Famille est un label de création fondé en 2017 par Camille Zonca et Cyril Quenet. Leurs spécificités ? Associer à la fois l’art, le design, le conseil et la stratégie au sein de ses contenus pour retranscrire l’identité d’un client. Le film 1601 MN 2021 dévoile un exemple de collaboration intéressante avec le Mobilier national.
Penser la communication à travers la création artistique, en faisant travailler différents corps de métiers ensemble, c’est l’objectif que s’est donné Label Famille au moment du lancement du label. « On a eu envie de créer un modèle de studio qui puisse fonctionner de manière pluridisciplinaire en retirant les frontières entre les différents métiers de la création » témoigne Camille Zonca. Aujourd’hui, Label Famille rassemble plus de 40 indépendants et 15 métiers différents qui collaborent ensemble pour réaliser des œuvres collectives.
Le film 1601 MN, dont le titre est symboliquement choisi en écho à l’année de création du Mobilier national, est le fruit d’un long travail collectif et réfléchi. Un partenariat qui s’inscrit dans la continuité de la transformation d’image de cette institution ancrée dans le paysage de la création artistique française.
1601 MN de Label Famille : une vidéo qui associe création et circularité
Le film 1601 MN, dont le titre est symboliquement choisi en écho à l’année de création du Mobilier national, est le fruit d’un long travail collectif et réfléchi. Le recours à Label Famille s’inscrit dans la continuité de la transformation d’image de cette institution ancrée dans le paysage de la création artistique française. Conçu en étroite collaboration avec l’équipe de communication, le film 1601 raconte en 2 minutes 24 l’institution qu’est le Mobilier national. Un temps court, qui traduit pourtant une minutie dans le choix des plans, des couleurs, de la lumière, du montage… Le cercle, formé par l’ascension des escaliers de l’institution, se démarque en tant qu’angle et fil rouge de la vidéo. Présent tout au long de la vidéo sous différentes formes et divers aspects, il symbolise le mouvement circulaire du temps qui passe, des collections exposées qui se renouvellent et des œuvres qui sont régulièrement restaurées. Un propos qui traduit la volonté du Mobilier national de se réinventer et de s’ancrer dans la modernité, à l’ère du numérique. Plus qu’une classique vidéo de promotion, le film, pensé comme un court-métrage de cinéma – donc en lui-même un objet artistique – fait ressortir l’unicité de l’institution. Et c’est précisément ce que propose le concept fondateur de Label Famille : communiquer autrement, transmettre par le prisme de l’art.
Le film est réalisé par Alexandre Silberstein, désigné par Rebecca Renault et Toco Vervisch (design sonore). À la Direction artistique : Cyril Quenet et Camille Zonca. Post Production : Everest.
Une offre focalisée sur l’identité
En parallèle de ce projet, depuis sa création, Label Famille a su démontrer son savoir-faire créatif à travers nombres de collaborations notables. Parmi son palmarès, on citera deux vidéos réalisées pour Boucheron mais également des réalisations pour de grandes entreprises nationales telles que SNCF réseau, Bouygues Immobilier ou Hermès. Un travail fastidieux et réfléchi, à distinguer de la publicité : « Nos projets ne sont pas des pubs, ce sont des films d’art. Ce qu’on souhaite, c’est créer un imaginaire visuel de l’institution qu’on présente ».
Fortement axés sur l’identité, Label Famille a également développé une offre de création d’un objet identitaire. Inspiré du principe d’un logo qui permet de faire valoir les valeurs et l’image d’une entreprise, cet objet part du même principe, mais en devenant un objet physique. L’agence s’appliquant ce principe, La bouteille LF de 350 ml est par ailleurs le fruit de ce concept et symbolise Label Famille. De même, ils ont ainsi réalisé la pince re-dessinée et produite en 50 exemplaires à l’occasion des 250 ans de l’Ecole des arts décoratifs de Paris, école où le duo a d’ailleurs été formé.
Ces principes de création et des valeurs fortes sont expliqués et défendus dans leur livre-manifeste intitulé « Artistes Corporate » (éditions Débats Publics), dans lequel Camille Zonca et Cyril Quenet tentent de faire valoir l’importance de l’art en tant que levier de création, en se basant sur les projets menés avec Label Famille. Un positionnement très novateur, qui vient bousculer de façon très réjouissante les mécanismes bien huilés des stratégies marketing.
Tranquillement installé derrière son bureau à Stockholm, (dans sa Villa Rose), simplement vêtu d’un pull rouge et blanc, Luca Nichetto donne une impression de douceur, de chaleur et de tranquillité. Quand on le rencontre en personne, on est frappé par sa taille et son aisance à se mouvoir dans des univers qui ne sont pas forcément adaptés à son gabarit. C’est un géant du design, et le monde du design se l’arrache.
L’esprit Luca Nichetto est un savant mélange d’ingrédients de couleurs et de goûts, longtemps et savamment testés comme le sont les Spritz, ces apéritifs vénitiens qui s’adaptent très bien aux grands froids de la Suède. Le Nichetto Spritz a besoin dans sa version très spéciale de très bons ingrédients : une bouteille de Cava, un vin fou, une bouteille d’Aperol, de l’eau pétillante, des oranges et des glaçons. Pour les proportions, cela reste un peu flou. Mais les résultats sont pleins de conforts, de couleurs et de bon goût.
Un Vénitien de souche
On ne peut pas parler de Luca Nichetto sans évoquer sa famille. Né à Venise en 1976, il est toujours fier de faire visiter la pharmacie du Musée du verre de Murano et de pointer le blason accordé à sa famille par la Sérénissime pour leur travail du verre en tant que spécialiste. La fabrication du verre a longtemps été un secret, et la simple visite d’un atelier de soufflage permet de réaliser la grande qualité et coordination des ouvriers pour aboutir à des formes et des coloris indescriptibles qui nécessitent autant en puissance dans le souffle qu’une connaissance pointue des teintures et autres poudres de couleurs. Enfant, on aime l’imaginer courant partout, d’un point A à un point B de la ville, pour aider son père ou sa mère à la confection des verreries de Noël.
En 2017, sur le off du Salon du meuble de Milan, il avait apposé le blason sur une chaise-fauteuil Canal dessiné pour Moooi, le fabricant hollandais, avec différents types de tissus et sur différentes formes de pieds à la Eames. Via Savona, dans un espace régulièrement loué par la marque, il faisait face à la projection d’un bison à la marche forcée mais calme, allégorie à la disparition de certaines espèces rares.
Manier le froid et le chaud
Après des études d’Art et un diplôme de design industriel obtenu à l’Institut Universitaire d’Architecture de Venise, il dessine ses premières formes en verre de Murano en 1999 pour la Maison Salviati et une série de projets pour l’éditeur Foscarini. Mais l’île ne lui suffit pas, un appétit insatiable de découverte du monde l’entraîne au-delà des frontières et pour s’assurer la capacité de voyager, il fonde son agence en 2006 à Venise, puis cinq ans plus tard à Stockholm. Ces deux géolocalisations lui permettent aujourd’hui de jouer des effets de froid et de chaud et de tempérer sa culture latine. Il injecte du fun et du flamboyant dans un paysage d’objets produits pour une liste surprenantes de fabricants italiens et internationaux. Arflex, Cassina, De Padova, Ethimo, Established&Sons, Foscarini, Gandia Blasco, Ginori 1735, La Chance, Molteni&C, Offecct, Venini, &Tradition, Lodes, Rubelli, Hermès… ou l’éditeur chinois Zao Zuo.
Design et industrie
Sa définition du design reste liée à la production en série car le travail du designer est dédié à l’industrie. Comme le disait Vico Magistretti, l’entreprise est la mère, le designer est le père, et l’identité propre s’atteint par un nombre infini d’échanges entre les exigences de l’usine et la conception et la créativité du designer. Si l’art ne connait aucune limite, le design en connaît beaucoup. Plus les contraintes sont fortes, meilleure est la réponse. Directeur artistique de l’éditeur chinois Zao Zuo en 2015, il a signé les boutiques physiques du label qui en compte aujourd’hui quatre, à Pékin, Shanghai, et d’autres villes chinoises. Le succès du design en Chine est un succès de masse. Il touche ainsi le mainstream, des populations qui ne lui étaient pas accessibles via des marques plus haut de gamme comme Wittmann, Offecct ou Bernhardt Design. Il a attaqué l’Empire du Milieu avec la même énergie qu’un Pierre Paulin ou Achille Castiglioni en Europe en embarquant dans son aventure Constance Guisset, Noé Duchaufour-Lawrance, Richard Hutton ou Philippe Malouin.
L’option de La Manufacture
En France, avec La Manufacture, la maison d’édition de Robert Acouri, il a retrouvé cette possibilité de développer une large gamme de produits qui vont de l’objet au vêtement. Donner forme à des projets est ce qui compte le plus pour lui, du mobilier à l’architecture en passant par la scénographie d’expositions. Les prochains salons sur lesquels on risque de le revoir sont Milan, le plus grand salon en matière de créativité, ou les Biennales comme celle de Venise qui draine une population haut de gamme d’aficionados du design.
Difficile de trouver un territoire sur lequel il ne s’est pas exprimé. Toujours à surprendre, à l’image des formes originales de la collection Paradise Bird pour Wittman (retrouvez le bureau dans la sélection de la rédaction Les Intemporels 2021-2022). À venir en 2022, une cuisine-salle de bains pour Scavolini, des fauteuils pour Arflex, des chaises de conférence pour Bernhardt Design… Il boucle une proposition de coque de pianos Steinway&Sons en édition limitée, tout en respectant l’intérieur de la « boîte ». Pas de son révolutionnaire, on respecte le clavier et ses touches en feutre. Une nouvelle lampe doit sortir chez Barovier & Toso. Il signe une gamme de parfums d’intérieur pour Ginori 1735 et une extension de marque d’accessoires via la Home collection. Une table est en préparation pour Offecct, une chaise longue pour Swedese, une lampe pour &Tradition.
À la tête d’un studio de 8 personnes, il vient de gérer avec succès le déménagement de ses bureaux suédois passant de Hägersten à Stockholm à une jolie maison rose où les visiteurs pourront venir tester en vrai la qualité du confort de ses produits. L’hospitalité, est peut-être le mot qui lui vient le plus souvent à la bouche. Il ne voit pas ses ‘collègues’ comme des concurrents mais utilise le design comme un outil de rapprochement. Pour la Manufacture, il n’a pas hésité à convier certains à la construction de la collection dans les règles les plus strictes du développement durable et de la production locale. Il ne se prend pas pour un grand. Son honnêteté intellectuelle est à louer. Canapé, chaise, tabourets, luminaires, vases, textile… peu de typologies n’ont éprouvé sa créativité. S’il est une marque qui le ferait rêver d’une collaboration, peut-être citerait-il Opinel.
Robinetterie, WC, sol stratifié… découvrez de nouvelles collections dans une sélection spéciale « salle de bains ».
Robinetterie gamme Zephyr par Horus
Cette nouvelle gamme de robinetterie en laiton adopte des traits épurés, inspirés de l’élégance à la française et du mouvement américain « Streamline », un courant artistique des années 1930 également connu sous l’appellation « Style Paquebot ». Le fabricant s’est notamment inspiré de la silhouette des voitures de cette époque et a imaginé des robinetteries élancées où les angles s’arrondissent ; les manettes sont longilignes ou en forme de croisillons, semblables à des hélices et de fines stries, réalisées grâce au procédé de guillochage, apportent du relief et complètent cette illusion de mouvement. Si la gamme se présente dans des coloris classiques – chrome, nickel brillant ou mat -, elle arbore également des teintes plus contemporaines et décoratives : noir mat, canon de fusil et laiton satiné. Enfin, de nouvelles finitions exclusives tels le rose ou bleu pastel, le vert forêt ou le blanc « Ice », sont disponibles.
Washlet RG de TOTO
Remplaçant deux modèles d’entrées de gamme emblématiques de la marque (GL et EK), ce WC lavant, plus aplati, moins haut et plus compact, affiche un design simple composé de lignes douces et lisses, lui permettant de s’adapter et de se coordonner facilement à n’importe quel espace. Il est par ailleurs doté de la technologie inédite EWATER+ : une eau du robinet traitée par électrolyse qui possède des propriétés nettoyantes et résistantes à la saleté ; disponible jusqu’alors dans l’offre haut-de-gamme de la marque, cette innovation est désormais accessible dès l’entrée de gamme. À noter enfin que ce WC lavant intègre un système actif anti-calcaire ainsi que la lunette chauffante.
Trone en arc-en-ciel
Le concept de ce fabricant de WC ? Casser les codes et révolutionner cet espace intime en proposant des projets et des idées innovants, empreints de liberté et d’imagination. Selon lui, l’heure est ainsi aux néons et à la lumière, qui apportent une vibrance exceptionnelle à la pièce, avec un effet hallucinant et lumineux, résolument futuriste, qui se réverbère sur la céramique lisse du produit. En se reflétant sur la céramique des toilettes et sur les différents matériaux de la pièce, le néon se déforme, joue et ondule. « Le contraste des couleurs et des lumières modifie indéniablement la perception que l’on se fait de l’espace mais surtout des toilettes », déclare Romain Freychet, directeur artistique chez Trone.
Egger Design Green Tech
Avec ce produit, le fabricant démocratise l’usage du sol stratifié bois dans toutes les pièces de la maison, du salon à la cuisine en passant par la salle de bains : grâce à une surface adaptée et antidérapante associée à un système d’installation « CLIC it ! », l’eau perle sur sa surface sans imprégner ou pénétrer le sol, ce qui le rend parfaitement adapté pour une pose dans les pièces les plus humides, mais également dans les zones commerciales ou de grand passage. Du reste, cette technologie inédite permet à ce sol stratifié d’être certifié par le NALFA test et de repousser les limites conventionnelles, avec une résistance à l’eau garantie jusqu’à 72 heures. Et, présentant une épaisseur de 7,5 mm, il est adapté à la rénovation, notamment pour une pose facilitée sur carrelage.
Robinetterie gamme Baulines par GROHE
La marque allemande GROHE propose la nouvelle gamme de robinetterie Baulines : des produits d’entrée de gamme mêlant à la fois un bon rapport qualité prix et un confort d’utilisation. Le design des robinets à l’angle élargi et bec plus affiné assure une meilleure maîtrise du débit d’eau, réduit les éclaboussures, et permet des économies d’eau, notamment grâce à la technologie GROHE EcoJoy, dont tous les robinets de la gamme sont équipés. Une technologie qui se traduit par l’installation d’un limiteur de débit d’eau, réduisant la consommation d’eau de 10 litres à 5 litres par minute.
Studio Klein a rénové ce duplex familial situé à Neuilly. L’objectif ? À travers une composition habile d’aménagements et de matériaux, le studio a valorisé la collection éclectique d’objets et de mobilier d’un propriétaire féru des années 70.
[Cet article est un complément de l’article « Duplex familial par Studio Klein » publié dans le numéro 210 d’Intramuros]
Projet : rénovation duplex
Lieu : Neuilly, Hauts de Seine
Surface : 140 m2
Année : 2018
Les deux appartements de ce bien ont été acquis au cours d’une opération immobilière avantageuse afin y loger un couple et ses trois enfants. Séduits par le potentiel de ce duplex un peu vieillot, les propriétaires ont conservé la configuration de l’existant, deux niveaux reliés par un escalier en colimaçon, dont la trémie réduite optimise l’espace. En revanche, la partie à l’étage était à remanier dans sa totalité. « Nous partageons les mêmes goûts pour les seventies, et nous avons créé un écrin pour les pièces de mobilier vintage, ainsi que pour les oeuvres d’art. C’est un travail à quatre mains », explique David Duron, architecte du Studio Klein en charge du projet.
L’escalier d’origine est remplacé le M400 hélicoïdal dessiné par Roger Talon en 1966, pour sa forme sculpturale unique. « Ce modèle original déniché par le propriétaire était en bon état. On a juste refait à l’identique une marche chez Galerie Sentou », (note de l’auteur distributeur exclusif du modèle depuis 1986, réédité et fabriqué en fonte d’aluminium dans les moules d’origine). Dans l’implantation imaginée par l’architecte, chaque enfant a sa chambre ; la suite master a été créée dans un volume compact, avec au programme, salle de bains, télé et dressing intégrés dans un agencement astucieux.
La cuisine ouverte est habillée de bois métallisé en contraste avec le placage de chêne clair. Ouverte sur le couloir de transition et offrant une perspective sur le séjour, elle met en exergue la table étonnante du coin repas, en porte à faux, fabriquée sur mesure par un serrurier. Au sol, le parquet en chêne à bâton rompu, dont la teinte sombre souligne la mise en scène des pièces de design, jusqu’au salon/salle à manger. Chaque matériau est choisi, dans un esprit chaleureux teinté de modernité qui revisite le mobilier vintage. « Dans le salon, nous avons dessiné ensemble avec le client ces étagères inspirées des années 70, composée d’un fond, en grès cérame imitation marbre et rétro éclairée. Elles accueillent les objets et œuvres d’art colorées du style pop. »
La salle de bains des enfants joue avec la géométrie des motifs en grès cérame imitation rotin, autre réminiscence des seventies. Quant aux pièces de design iconiques, c’est l’affaire du propriétaire qui chine les modèles originaux de l’éditeur Knoll, tabourets Tulip de Eero Saarinen et fauteuils Culbuto de Marc Held. Enfin les radiateurs de la marque italienne Tubes conçus par Antonia Astori et Nicola de Ponti poursuivent la quête de l’esprit stylistique et fonctionnel d’un collectionneur passionné.
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