Interview

As a legendary architectural duo, Charles and Ray Eames helped bring modernism into the residential sector. Nearly a century after their most famous projects, publisher Phaidon is releasing "The Eames Houses." More than just a monograph, the book—developed over two years—revisits eight projects that explore prefabrication, flexibility, and industrial materials. Here, architecture is not a stylistic exercise, but a generous system designed to serve daily life. To delve into this philosophy, we asked a few questions to Eckart Maise, former creative director at Vitra and a long-time collaborator of the Eames family, and to Antonio Navarro, artistic director of the Spanish company Kettal, which launched the Eames Pavilion last April.

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To start, could you provide some context on how the Eames houses came to be?

Eckart Maise: These houses emerged in the United States after World War II. At the time, a severe housing shortage coincided with an industrial model that was finally capable of producing standardized components on a massive scale. In California, the population was growing rapidly, and changing work and family life patterns called for new forms of domestic architecture. Consequently, the Case Study House program was launched in 1945 by John Entenza’s magazine, Arts & Architecture. The goal was to ask architects to apply advancements in materials to modern, affordable housing. Charles and Ray Eames conceived the house as a system rather than an object in the traditional sense. They favored a lightweight structure assembled from readily available components, capable of adapting to different sites, occupants, and lifestyles.

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So, was the fundamental idea behind the Eames approach to create industrialized, modular design?

Antonio Navarro: Absolutely. Charles and Ray demonstrated that this idea was viable through the Eames House. However, its transformation into an industrial system that could be produced and distributed on a larger scale did not succeed. The concept was likely just too far ahead of its time. In the late 1940s, many of the materials, components, and technologies required to efficiently produce this type of architecture did not yet exist or were not sufficiently accessible. The Eames House itself was built using industrial components originally manufactured for other purposes. In fact, Charles and Ray developed a prefabricated house for Kwikset intended for mass production, but the company changed ownership and went bankrupt before the prototype could be built.
Architecture is much harder to industrialize than furniture. Each project must respond to its climate, location, foundations, local regulations, utilities, and logistics. So, the idea was sound, but the technical and industrial ecosystem needed to make it possible was missing. Today, many of those conditions are finally in place.

This was demonstrated in April at the Milan Triennale with the launch of an Eames Pavilion. How did Kettal and the Eames Office collaborate to design this 2026 version, which is not a replica of a blueprint, but an extension of a vision?

EM: The pavilion was born from archival research into the experimental houses and construction systems developed by Charles and Ray between 1945 and 1955. The Eames Office and Kettal translated their recurring principles—a structural grid, prefabricated components, and interchangeable infill panels—into a contemporary kit of parts. For Kettal, the brand was a natural fit because it already had experience in aluminum construction, particularly with modular pavilions. Its engineering and manufacturing capabilities allowed the Eames' ideas to move beyond the prototype stage. The goal was not to reproduce a single historical project, but to develop an adaptable system that could be manufactured, configured, and expanded to meet current requirements.

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And those requirements have surely led to some changes?

AN: I wouldn’t say we changed the architecture. Our intention was to translate the original system into a contemporary production while preserving its logic, proportions, and visual character. From the start, we wanted the technical work carried out by Kettal to be almost imperceptible in the final result.
We therefore studied the Eames House as a built prototype, measuring and analyzing its components, profiles, surfaces, colors, and construction details. This study was combined with research conducted by the Eames Office on their other built and unbuilt architectural projects.

But moving from an unbuilt project to a product available for sale requires standardization, particularly regarding technical elements?

AN: Indeed. We reduced the number of elements, streamlined the assemblies, and established clear configuration rules. Paradoxically, simplifying the system increases its possibilities, because the same components can create many different structures.
So, it is the technical aspect that we primarily modified by introducing high-precision extruded aluminum profiles, improving thermal and acoustic insulation, and taking into account contemporary requirements regarding waterproofing, tolerances, weather resistance, durability, and local regulations. We also integrated lighting, ventilation, climate control, and connectivity. There is novelty, then, but the underlying architectural intelligence remains that of Charles and Ray Eames.

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How do you explain that this intelligence, nearly a century old, still meets contemporary needs and aspirations?

AN: Perhaps the most surprising thing is that many of the questions Charles and Ray sought to answer have become even more urgent today. In any case, there are multiple factors.
From a technical standpoint, they conceived of architecture as an adaptable system rather than a fixed object. A rational grid and a limited number of interchangeable components allow a structure to be configured for different uses, expanded, reduced, dismantled, or moved. Elements can be repaired or replaced individually, and components that are no longer needed can be reused elsewhere. This is a much smarter use of materials than when every building is considered a permanent and inseparable whole.
From a sociological perspective, our lives have become increasingly mobile and fluid. Families grow or shrink; businesses expand, contract, or relocate; and the boundaries between home, work, and hospitality continue to blur. A space that is suitable today may need to function very differently in five or ten years. The Eameses understood that architecture should support these changes rather than resist them.
There is also an environmental dimension. In certain contexts, architecture should be reversible, allowing a structure to be removed and the landscape restored rather than permanently transformed.

What must be remembered is that they were not designing architecture to fit a particular image of modern life. They were thinking of a structure capable of responding to life as it evolves.

Beyond their functionality as living spaces, the Eames buildings were also visual. What role did the Eameses and their wireframe architecture play in modernist aesthetics and the famous Case Study Houses program?

EM: Of the 36 Case Study Houses proposed, Charles and Ray Eames developed the original design for the Bridge House as well as the Entenza House with Eero Saarinen, followed by the Eames House, which was the one actually built. Although all 36 projects followed the same brief for affordable, contemporary housing, their architectural approaches differed significantly.

The Eameses' unique contribution was to treat exposed steel structures, standardized industrial components, glass, and colored panels as both a construction system and a visual composition. Their importance lay not in defining a single aesthetic for the Case Study Houses, but in demonstrating that industrial standardization could foster architectural freedom and highly individualized ways of living.

From April 21 to 26, 2026, Salone del Mobile will bring its latest creations to the Lombard capital, gathering over 1,900 exhibitors across the vast aisles of Europe’s largest exhibition center. Beyond the sheer scale of this major event, the 64th edition stands out for its embrace of new paradigms. In a shifting geopolitical and economic landscape, the event is recalibrating its position as a global player. With the launch of Salone Contract, developed with OMA, the introduction of Salone Raritas dedicated to collectible design, and the immersive Aurea experience, the Salone is broadening its scope and strengthening its transdisciplinary approach. At the intersection of economic, cultural, and experiential challenges, the Salone has established itself as a convergence point for industry, design, and emerging markets—a strategic vision championed by its president, Maria Porro.

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To start, could you explain the Salone’s new positioning?

The Salone was founded over sixty years ago. Compared to the market of that era, we are living in a completely different context today, marked by the shock of COVID and the acceleration of transformations that were already underway. One of the major shifts is in furniture retail. In the past, few companies had single-brand showrooms, whereas today, it is an increasingly common trend. More generally, the brand and its communication have become central. At the same time, the contract sector is playing an increasingly important role in business development. Geographic regions that were not accustomed to residential contract projects are now getting involved. It is a massive sector in terms of revenue and is highly international. The Salone is transforming to remain a stable and reliable platform. It is becoming more of an economic and cultural infrastructure, and these two dimensions are closely linked.

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And regarding design, how is it evolving? We are seeing a significant shift between industrial design and collectible design, particularly with Salone Raritas.

Yes, we are seeing a growing demand for bespoke interiors. At the extreme end of this demand is the collectible market, with increased attention on artisanal techniques and the rediscovery of ancient craftsmanship. This is accompanied by an interest in production in locations far from industrial hubs. I would also add that there is a global craze for iconic or vintage pieces. That is why we are launching Salone Raritas. This sector is not on the fringes of the Salone; it truly complements industrial production. If you take the example of a large hotel, industrial production meets all the practical needs, such as the rooms and common areas, but there is always a set of specific pieces designed especially for that space. In the contract world, the strong collaboration between industrial production and unique, one-off pieces is nothing new. This dialogue has always existed, as seen with figures like Andrea Branzi or William Morris, who felt the need to combine industry with craftsmanship.

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At the same time, you are offering Aurea, an immersive experience centered on luxury, created by Oscar Lucien Ono. Can we say that with contract, B2C, and hospitality, the Salone is becoming a global platform?

We have nearly two thousand exhibitors, all very diverse in terms of aesthetics, price, techniques, and materials. But our audience is also interested in broader experiences. Companies are effectively building architectures and environments. This is not a fair centered on the product, but on the project. With Aurea, just as with Pierre-Yves Rochon last year, we are creating immersive experiences where the architect utilizes the full range of what the Salone has to offer. There is a coherence to our approach, but it also involves speaking out and fostering dialogue between different players. Visitors can discover companies, live immersive experiences, participate in moments of exchange, or listen to a master of architecture like Rem Koolhaas. It is a complete experience for professionals. We haven't forgotten students either, with the Satellite, which is essential because they represent the players of tomorrow.

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Speaking of which, you are hosting about 700 young designers under 35. Do you think you can still discover the next Patrick Jouin or the Bouroullec brothers, as Marva Griffin’s Satellite did years ago?

Yes, that is very important. There is also the fact that these young designers are in direct contact with the industry, which is fundamental. That is why, this year, we are organizing a day where several entrepreneurs will visit the Satellite, meet with students and young creatives, and share their experience. We want to encourage these face-to-face exchanges. I was a young designer myself, and sending projects by email often leads to no response. On the other hand, presenting a prototype in person creates a different dialogue and captures the attention of entrepreneurs. That is essential for us.

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Today, is the diversification of the Salone also a way to reinvent itself in the face of other fairs like Collectible in Brussels or 3daysofdesign in Copenhagen?

This is not a competitive strategy. Companies are already combining industrial production, retail, contract work, and sometimes experimental pieces. This diversity reflects a natural evolution of the market. Collectible design fairs primarily target collectors, whereas the Salone offers galleries a different audience, such as developers, hotel chains, and distributors. We act as an accelerator. Similarly, events dedicated to the contract sector are often highly technical. Our goal is to offer an event centered on projects and relationships, with a focus on how we live. In today’s world, there is no room for two identical events. We are therefore seeking to offer a different approach, without overlapping with what already exists.

Avec l’ouverture de son showroom de 400 m² rue du Mail, en plein cœur de Paris, Accent Rouge franchit une nouvelle étape de son développement. Pensé comme un lieu de démonstration et d’échanges, cet espace met en scène l’ensemble de ses expertises - lumière, chauffage, portes & poignées et mobilier - au service des architectes, prescripteurs et professionnels de l’immobilier. Fort de 40 ans d’expérience, de 120 collaborateurs et de trois espaces d’exposition entre Paris et Lyon, le groupe affirme à travers cette adresse la volonté de proposer des solutions concrètes, techniques et adaptées, portées par un interlocuteur unique. Daniel Setton, PDG du groupe, revient pour nous sur la genèse de ce projet et sur la vision qui accompagne cette dynamique.

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Le groupe Accent Rouge est l'héritier de quatre marques. Pouvez-vous nous en parler et nous expliquer cette volonté d'évoluer sous une seule et même bannière ?

Accent Rouge est né de la réunion de quatre marques historiques : Le Cèdre Rouge Business, Inédit Lighting, Passage Portes et Poignées sans oublier Worldstyle. Depuis plus de 40 ans, chacune d’elles a développé une expertise forte et une légitimité reconnue dans son domaine respectif. Cependant, au fil des projets, nous avons remarqué que nos clients ne cherchaient plus une réponse segmentée, mais une vision globale. Il nous manquait un lien visible, une bannière commune capable d’exprimer notre capacité à accompagner un projet dans son ensemble.

La création d’Accent Rouge marque cette évolution. Elle incarne le rassemblement de nos savoir-faire sur fond d’expertise, d’exigence et d’un sens du service. C’était aussi une manière d’affirmer notre positionnement en proposant des solutions décoratives et architecturales globales, cohérentes et sur mesure. Aujourd’hui, le groupe offre un accompagnement transversal, de la conception à la mise en oeuvre.

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Votre expertise se scinde en 4 volets, à savoir le mobilier, la lumière, les portes et poignées sans oublier le chauffage. Qu’est-ce que cela change d’avoir une expertise globale ?

Cette approche transforme profondément la manière de concevoir un projet. Elle permet d’offrir une vision d’ensemble, portée par un interlocuteur unique capable de coordonner toutes les expertises. Pour nos clients, quels qu’ils soient, cela représente un véritable gain de temps. Mais c’est également la garantie d'une cohérence esthétique et technique.

Il faut bien comprendre qu’un projet ne se résume pas à juxtaposer des éléments. La finition d’un interrupteur peut dialoguer avec celle d’une poignée de porte, d’un montant, ou même d’un sèche-serviettes. Les matières, les teintes, les textures se répondent. L’ensemble doit s’accorder pour créer une harmonie globale. C’est cette capacité à penser le détail dans une vision d’ensemble avec nos clients qui fait la différence.

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Vos projets s’étendent dans les secteurs de l'hôtellerie, des appartements privés, mais également des institutions culturelles, de l’urbain etc…. Comment le travail de votre bureau d’études s’articule avec celui des prescripteurs ?

Notre bureau d’études joue un rôle central. Il fédère les expertises techniques de chaque pôle et travaille en étroite collaboration avec les architectes, designers et maîtres d’ouvrage. Chaque domaine possède ses exigences spécifiques. En éclairage, par exemple, nous intégrons les contraintes normatives, les niveaux d’éclairement, l’efficacité énergétique ou encore la scénographie lumineuse. En chauffage, nous travaillons sur les puissances nécessaires selon les volumes, les usages, les systèmes de pilotage — notamment dans l’hôtellerie où le confort et la gestion énergétique sont essentiels. Sur les portes et le mobilier, la maîtrise des normes (coupe-feu, acoustique, tissus non-feu, accessibilité…) est déterminante. Notre rôle est d’anticiper ces contraintes techniques pour permettre aux prescripteurs de conserver une liberté créative totale. En fait, nous nous positionnons comme un partenaire technique et esthétique.

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Vous travaillez avec des marques très connues comme Vitra pour le mobilier, et d’autres plus confidentielles comme l’éclairagiste espagnol Parachilna. Comment ce corpus est-il choisi ?

Le choix d’une marque résulte généralement d'une vision partagée. Nous privilégions des partenaires - majoritairement européens - qui défendent un véritable savoir-faire technique, une identité forte et une qualité de fabrication irréprochable. A partir de là, chaque marque doit apporter un univers distinct, tout en offrant une complémentarité avec les autres. Nous aimons révéler des signatures plus confidentielles, mais nous assumons aussi la présence d’icônes du design. Notre rôle est d’orchestrer cet équilibre tout en étant attentifs aux engagements environnementaux, aux matériaux recyclables, aux démarches RSE et aux innovations durables, qui deviennent aujourd’hui incontournables.

Seconde collaboration avec Monoprix, cette collection dessinée par Axel Chay arrive chez le distributeur ce mardi 22 octobre. D'abord éditée dans une version colorée et pop en février, cette réédition automnale entièrement chromée livre un nouvel aperçu du designer marseillais. Rencontré en juillet dans son appartement atelier où se répondent prototypes en courbe et mobilier Memphis, il nous avait parlé de ses inspirations et de son rapport au « beau ». Entretien avec ce créateur jovial tombé dans le design, quand il n'était pas si jeune.

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Après Folies, vous présentez une nouvelle collection qui est la deuxième réalisée avec l'enseigne Monoprix. Pourquoi avoir accepté de renouveler l'opération ?

La première fois, j'avais accepté car c'est Monoprix et donc il y a toute une histoire avec Prisunic et une légitimé à faire du meuble et de la décoration. Ce n'était pas n'importe quelle marque de grande distribution. Il se trouve que la collection avait très bien fonctionné et renouveler l'opération était donc une belle opportunité et un super défi. C'était l'occasion de pousser de nouvelles portes que ce soit avec de nouveaux matériaux ou de nouvelles formes que l'on ne travaille pas en temps normal, car le coût de développement est énorme pour nous.

Mais justement, comment conjugue-t-on son design personnel qui a un coût relativement élevé et une fabrication artisanale, avec l'esprit de Monoprix, c'est-à- dire l'idée du design pour tous ?

Pour Monoprix, il a fallu penser l'objet en contrainte de coût, c'est-à-dire faire une pièce qui ne coûte pas cher à produire. Il y a donc de nouveaux paramètres qui se sont imposés comme le pays de fabrication, le nombre de pièces, ou encore la complexité. Mais le design pour tous, ça se traduit aussi visuellement. Donc l'esprit Monoprix, qu'il soit financier ou esthétique, m'a amené vers quelque chose de simple et d'intemporel.

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Cette collection conjugue des courbes très contemporaines à la mode et une allure rétro presque 60-70's. C'est ça l'intemporalité, la navigation entre les époques ?

La collection d'octobre n'est pas inspirée d'une époque particulière, mais elle provient de ma culture design assez tardive. Mes parents n'avaient que du contemporain en décoration et je n'ai pas fait d'école d'art mais une école de commerce. C'est en sortant de mon master que je me suis intéressé au design moderne grâce à ma femme Mélissa qui chinait et mon frère qui est un artiste touche-à-tout avec qui je travaille aujourd'hui. Et j'ai découvert des choses géniales dans chaque décennie. Que ce soient les années 60 avec le développement de la courbe dans le design, l'esthétique 70's avec ce côté vieux James Bond ou encore les années 80 pour les créations notamment vestimentaires très affirmées. Ajoutez à cela l'Art cinétique ou Tom Wesselmann que j'adore... Bref, tout n'a pas été beau, mais tout est inspirant ! Donc mes créations sont surtout une digestion de ce qui a été fait avant. J'aime bien qu'une collection n'ait pas une allure trop ancrée dans son temps, mais qu'il y ait de petites ambiguïtés.

Et quoi de mieux que de changer le revêtement pour changer d'époque et de style. C'est finalement ce qui a été fait entre la collection de février et celle d'octobre ?

Oui effectivement. La première collection était très colorée ce qui a permis d'attirer l'œil et de la populariser en mettant les formes en valeur. Mais pour pouvoir rééditer les pièces, il fallait trouver quelque chose de différent. On est donc parti sur le chrome, car c'est à mes yeux quelque chose de « sexy » et c'est une valeur sûre.

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Travailler le chrome, c'était aussi changer d'ambiance, passer d'une collection estivale à un ensemble plus hivernal, non ?

Je n'ai pas du tout pensé cette modification en termes de saisonnalité. Je n'intellectualise pas du tout la couleur, car ce n'est pas mon métier. Que ce soit pour Folies ou pour les nouveaux modèles, il s'agit surtout d'une question de goût et d'émotion. Pour la couleur, les formes sont très primaires, car la forme l'est. Il y a quelque chose qui tient presque du Memphis. Pour le chromé, il y a une forme de facilité encore plus grande, car le rendu est tout de suite très visuel et ça fonctionne avec tout, quel que soit l'objet. Quand j'étais jeune et que je n'avais pas encore de passion réelle pour le design, j'allais chez Emmaüs et je récupérais un buste sans valeur ou un vase inesthétique et avec une bombe de couleur ou chromé, je lui redonnais vie. J'avais ce besoin d'avoir un intérieur beau et scénographié qui sortait du lot. Aujourd'hui, ce n'est plus pareil car l'époque et mon travail ont changé, mais j'ai toujours ces besoins dans un coin de la tête.

Vous parlez de scénographie. Dans le cadre de vos collaborations avec Monoprix, le but était donc de concevoir un objet utile dans une scénographie faite pour recevoir ou bien penser l'objet pour qu'il soit scénique ?

Les deux. C'était important que l'objet soit assez fort pour créer son petit univers, qu'il existe par lui-même, mais il devait aussi créer une ambiance. C'est ce qui me plaît. J'aime aller au-delà de l’aspect décoratif pour essayer de faire quelque chose de beau qui fait plaisir. C'est ça le but de mon design et de cette collection finalement : faire plaisir.

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Alors que l’on annonce régulièrement la fin des lieux de travail, que les salons dédiés à l’aménagement tertiaire ne paraissent guère plus vaillant que le secteur qu’ils représentent, est-il raisonnable de consacrer un salon à cet objet paradoxal: le bureau, dont le nom désigne à la fois meuble et lieu de travail ?

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Laurent Botton : Le salon avait déjà une longue histoire lorsque nous l’avons racheté en 2006. Nous avons repositionné une manifestation dédiée aux services généraux en deux manifestations distinctes, la première, Bureaux Expo, consacrée à l’aménagement de bureaux, et la deuxième aux services d’entreprises. Bureaux Expo a été rebaptisée Workspace Expo afin d’être mieux identifiée par nos partenaires internationaux, en particulier européens. Il faut savoir qu’après l’Allemagne, la France est le deuxième marché d’Europe en termes d’aménagement des espaces de travail. Notre force, et ce qui explique que nous continuons d’exister et même de croître, c’est que nous recevons les donneurs d’ordre, qui, faute de temps, ne peuvent se rendre sur des évènements du secteur comme Orgatech ou le salon du meuble de Milan. De ce fait, nous attirons les fabricants étrangers, côté exposant, tandis que notre visitorat augmente en France et dans les pays francophones limitrophes — Belgique, Luxembourg, Suisse romande…

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Êtes-vous satisfait de la fréquentation de l’édition 2021 ?

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L. B. : Nous avons reçu un peu moins de visiteurs qu’en 2019, qui était notre année de référence, ce qui est plus qu’encourageant.

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Avez-vous observé chez vos exposants l’apparition d’une offre différente, post-pandémie ?

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L. B. : Nous connaissons tous les répercussions de cette crise inédite sur le monde du travail, avec la montée en puissance du télétravail, souhaité ou subi, et les problèmes qu’il a posé aux employés comme aux entreprises, qui ont fait un travail extraordinaire en termes de connexion informatique, et la sécurisation des liaisons qui l’accompagne — les ransomware auraient crû de 68 % ! Pour nos exposants, qui traitent de l’aménagement de tout l’univers du bureau plutôt que des questions purement informatiques, 2021 reste un salon de questionnement : quelles sont les dynamiques qui vont s’affirmer, comment va-t-on s’y adapter ? Nous connaîtrons les premières réponses et les premières esquisses de futures tendances dans les mois à venir.

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Avez-vous été tenté par une conversion du salon au format numérique ?

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L. B. : Nous nous sommes bien sûr intéressés aux salons digitaux, mais ce format ne nous a pas convaincus. Notre manifestation met en avant des produits liés à l’univers du bureau — mobilier, cloisons, tables, etc. Le numérique ne peut pas restituer le toucher d’un matériau, sa couleur, ni le confort d’une chaise ou d’un fauteuil. Et sur le plan de la sociabilité, j’ai été vraiment frappé par le plaisir qu’avaient les gens à se rencontrer après deux années de régime distanciel. Ces retrouvailles dégageaient une énergie très positive, entre les discussions, les échanges de points de vue, les sourires. L’édition 2021 de Workspace nous a convaincus de la pertinence du présentiel !

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L’édition 2021 de Workspace Expo a fermé ses portes en octobre, l’exposition 2022 reviendra à son calendrier d’origine et ouvrira fin mai — début juin. Ne craignez-vous pas que cette proximité de dates empêche les fabricants de préparer des nouveautés ?

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L. B. :  Nous avons presque 10 mois d’écart, quasiment une année sépare un salon de l’autre. Il faut également regarder cette temporalité dans son contexte. 2021 était un salon de questionnement, de confrontation d’idées, un salon dressant le bilan d’une période inédite. Les entreprises vont maintenant travailler d’arrache-pied pour intégrer ces retours et adapter leur offre à cette nouvelle donne, et je suis persuadé que l’édition 2021 apportera beaucoup de nouveautés dans les allées.

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Au-delà des évolutions produits suscitées par la pandémie, avez-vous observé des tendances, des dispositifs ou des systèmes ?

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L. B. : J’ai pu observer des équipements très colorés, aussi très adaptables, basés sur des systèmes démontables autorisant réassemblages et modifications au gré des besoins de l’entreprise. De mon point de vue, ces dispositifs sont intéressants, car ils correspondent à un monde où l’entreprise est de moins en moins figée. Une grande entreprise doit pouvoir se reconfigurer pour absorber la croissance ou la contraction des effectifs, survenant lorsqu’une société recrute, fusionne, change de périmètre d’intervention ou réorganise ses départements.

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J’aimerais aussi mentionner les questions de made in France ou made in Europe, traduisant un souci d’écoresponsabilité. Ces questions vont au-delà de l’aménagement des espaces de travail, elles ont des répercussions sur les collaborateurs, les dirigeants d’entreprises. Il est probable qu’à l’avenir on croise dans nos allées de plus en plus de produits faisant appel au recyclage, soit le recyclage des composants d’un produit ou du produit tout entier.

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Vous organisez un Prix de design, pensez-vous développer un prix mettant en lumière des produits ayant le moins d’impact sur l’environnement ?

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L. B. : Nous sommes en train de réfléchir à la façon dont nous pourrions mettre en place non pas un label, ce qui dépasserait de beaucoup le domaine de compétences d’un salon, mais une manière de faire ressortir cette dimension coresponsable chez nos exposants. Imaginer un prix reste plus compliqué, car nos exposants interviennent dans tous les secteurs de l’aménagement bureau. Comment comparer les mérites environnementaux d’un revêtement de sol avec un logiciel ou des tables de travail ? Je pense là encore que nos partenaires mettront en lumière ces sujets durant les cycles de conférences organisées sur le prochain salon. Cette année, les débats avaient pour sujet principal le Post-Covid, je pense qu’ils aborderont à l’avenir les différents aspects de la question environnementale.

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