Mobilier

Created by Iratzoki Studio in 2011, Kuskoa established itself as one of Alki’s best-sellers with its oak shell design set on a solid wood trestle. During Paris Design Week, the brand unveiled Kuskoa M. Comprising a chair, two stools of different heights, and a bench, the collection was designed for restaurants, bars, canteens, and kitchens alike. With its various heights and typologies, this set can offer multiple configurations within a single space.
Featuring a powder-coated tubular steel frame, the seat develops a new graphic expression. Available in several finishes, it offers everyone the opportunity to compose their own piece, celebrating monochrome or, conversely, contrasts between metal, wood, and textile. Note that the shell can be upholstered in its entirety or only on the front.

For this new edition, Salone del Mobile.Milano 2026 brought together more than 316,000 visitors to discover new products and reissues. Bringing together both major international firms and young brands, this Milanese event—slightly less dense than in previous years—remained rich in offerings. New materialities, an increased focus on real-world usage, the hybridization of functions... In a fragile but rapidly changing ecosystem—much like the fair itself, which inaugurated new spaces this year—the Intramuros team spotted some great leads. An intuitive and diverse panorama that we invite you to discover.

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Kettal 

Among all the new products presented by the Spanish brand, which continues to assert its position in the design sector, two stood out. First, Grosso by Patricia Urquiola: a sofa with sculptural forms that invites us to think of comfort as an art form. It reveals itself as a piece with bold yet spontaneous curves, appearing almost in motion. A model designed for both indoor and outdoor use, capable of seating up to three people. In a completely different register, the Atlantic collection by Jasper Morrison combines structure, rhythm, and continuity. This aluminum range with clean lines consists of a lounge chair, a chair with armrests, and a stackable chair. Designed for comfort and daily use, it adapts just as well to a private terrace as it does to a hotel or urban space.

Bitossi Ceramiche

The Italian ceramic brand Bitossi Ceramiche presented several pieces at its stand, including the Dittico vase collection by Martino Gamper. A project that pits the designer's formal research against the identity of a manufacturer with over 150 years of history. Created using white clay slip casting, the collection reveals pieces with organic, almost architectural curves to be appreciated from every angle. The Belgian duo Muller Van Severen—who celebrated their 15th anniversary during this Design Week—presented an extension of their 2024 Onda collection, titled Onda II. This new version revisits the shapes imagined in the first iteration by reworking them based on the principle of inversion. The pieces thus offer a renewed perception of the objects without altering their primary identity. The vases are all available in three colors: vermilion red, dark blue, and pastel gray.

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Campeggi

Known for the intelligent design of its transformable objects, Campeggi unveiled "Bienvenue" this year. Conceived by designer Thélonious Goupil, this inflatable mattress is housed in a compact, portable wooden chest. With a simple opening, it provides a portable bed and a foldable, self-supporting headboard that can also serve as a room divider. A compact and colorful set for sleeping wherever you please.

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Glas Italia

A sort of tribute to the great names of design, the 2026 collection brought together Piero Lissoni, Philippe Starck, and Patricia Urquiola, to whom we owe, among other things, Glacier. Entirely made of glass, this range of tables plays on the layering of different colored sheets. A reflection on strata reminiscent of glaciers, filtering light through layers of irregular materials. But the brand's presence at the Salone was also an opportunity to introduce Hlynur Atlason, who presented Akur. Behind the desire to challenge the rigidity and linearity of the medium, the designer focused on the meeting of curves and rectilinear grids. Slightly satin-finished, the textured surfaces of the tabletops offer an unusual reading of the material.

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Blå Station

The result of a Scandinavian spirit and the desire to create furniture that is pleasant to live with, Blå Station presented the Frankfurter chair by designer Johan Ansander. Simple and classic in appearance, the seat was rethought with new proportions to offer a unique feel. Closer to the body and deeper, the chair is inspired by the shape of a forearm—a form subsequently materialized in bent beech wood. In addition to this new release, the brand also diversified by expanding its Able range, designed by Bernstrand & Borselius, with high tables and a desk. Two new typologies are immediately identifiable thanks to the die-cast zinc nodes combined with steel tubes. A construction that also recalls the wire-frame aesthetic of the Villhem range—designed by Lindau and Bernstrand & Borselius—launched last year and expanded in 2026 with a lower-back chair, an ottoman, and a coffee table.

NII

The Japanese brand NII, a member of the Itoki group, unveiled itself outside of Japan for the first time, choosing the Salone del Mobile for its international debut. For this first appearance, NII presented its latest innovations, including the Allround stool by designer Hirotaka Tako and the Hakusan chair by the studio Industrial Facility. The Allround stool stands out for its rounded lines and simple structure, defined by a single central column, resulting in a minimalist product that fits perfectly into any space. As for the Hakusan chair, it asserts its character while remaining subtle and universal. Made of aluminum and steel, it contrasts the solidity of its structure with a certain visual lightness, creating a perfectly balanced result.

B&B Italia‍

After a twenty-five-year absence (save for a 2019 appearance), B&B Italia made a notable return with a stand designed by Formafantasma. Among the new releases, the Moore lounge chair by Vincent Van Duysen stands out with its woven rattan supported by a frame with continuous curves. Evoking a slightly deformed ring, this fluid design enhances the piece's legibility and highlights its structure. In the same pursuit of formal clarity, Michael Anastassiades presents Metric, a chair crafted from thin sections of solid oak. Its rectilinear construction, reinforced by a crossbar, contrasts with the softness of the slightly curved backrest. Available with or without armrests, it can also be offered in an upholstered version covered in saddle leather. Finally, Ronan Bouroullec completes this selection with the Abaco table, where the object's architecture relies on an entirely visible construction. The precision of the joints and the dialogue between materials—lacquer, cement, or leather—give each configuration a unique identity, leaving the user free to compose as they wish.

Kartell

This year, Kartell made a strong impression, both in terms of its offerings and its collaborations. For the first time in several years, the Italian manufacturer expanded its field of experimentation by inviting the British duo Barber & Osgerby to collaborate. They exclusively presented the Savoia chair: an elegant, customizable aluminum piece offered with a seat in recycled plastic, wood, or leather, and available in several colors. It comes with or without armrests and is suitable for both indoor and outdoor use. Eight years after Papyrus, designer Erwan Bouroullec exhibited the Snik chair—a compact, minimalist model in recycled technopolymer with a steel frame, available with or without armrests. A nice bonus: it can be personalized to your liking with interchangeable covers that protect and transform it, ensuring you never tire of it. Meanwhile, Piero Lissoni revealed Yve’s, a minimalist armchair whose tubular structure is defined by a single curved line. Suitable for both indoor and outdoor use thanks to independent covers and cushions, Yve’s is available in various colors and fabrics, resulting in a generous product with a refined aesthetic.

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Vergés

Spanish chair manufacturer Vergés was also present at this Milan edition to showcase its latest novelties. Among them is the Trek armchair, designed by the Norwegian duo Andersen & Voll. For this meticulous seat, the designers combined two noble materials—solid wood and leather—for a result that blends flexibility and robustness. Technically, the backrest and seat are covered in a single piece of leather, while the horseshoe-shaped rear crossbar gives Trek a unique character. The London-based studio Mentsen—founded by Japanese designers Risa Sano and Yasuyuki Sakurai—presented the Ensemble bench, inspired by church pews. It is a piece with a simple structure, faithful to Japanese craftsmanship, yet robust and versatile. It will be available with or without a backrest and, for added modularity, can be accompanied by a pivoting side table.

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For this season, Cassina transformed its flagship store on Via Durini under the creative direction of Mikal Harrsen. Enhanced by warm, vibrant colors—which also appeared on a large screen in the entrance area—the space was designed to be immersive. It was in this setting that the Italian brand showcased its latest creations. Whether it be new colorways for the Plana table by Charlotte Perriand and the 780/783 coffee tables by Gianfranco Frattini, or brand-new contemporary designs, the collection unfolded along a single, open-plan path. Driven by a bold color palette, the installations created a fluid narrative that extended to the terrace, which was transformed into an outdoor sanctuary for the occasion. It was the perfect backdrop to celebrate the collaboration between the brand and Persol, illustrating the dialogue between heritage and innovation at the heart of "The Cassina Perspective."

Seating for every space‍

From the moment visitors entered the showroom, Cassina aimed to immerse them in a radical world by showcasing the Ardys system designed by Patricia Urquiola. Upholstered in a technical fabric, this modular sofa with its generous proportions evokes a sense of softness in an ultra-contemporary style. This feeling is created by the highly visual technical fabric, which sits somewhere between velvet and the quilted look of a puffer jacket. In contrast, the Plintea armchair by Chiara Andreatti brings a more understated elegance with its protective shell and asymmetrical base, making it equally well-suited for residential and contract environments. In a more rigorous vein, Cassina is reissuing the CH66 chair by Nicos Zographos, developed with Karakter, reaffirming the timelessness of the Bauhaus movement through a continuous steel frame. This aesthetic engages in a dialogue with the more experimental Peacock Chair by Verner Panton, currently celebrating its centenary. A bold piece with free-flowing forms and a lightweight metal structure, it is brought to life by modular, colorful cushions that give the seat a playful look. Finally, the Hotte by Philippe Starck evokes the memory of rural gestures and craftsmanship through meticulous wicker weaving.

A collection of bright ideas‍

In terms of lighting, Cassina continues its exploration with designer Linde Freya Tangelder — who is also heading "The Cassina Perspective" this year — and her lamp Fluid Joinery Light. A true luminous sculpture, it utilizes multi-layered blown glass that acts as a lens, diffusing a soft glow. Building on the aesthetic research initiated with a series of coffee tables, this piece skillfully combines density and transparency. Taking a more naturalistic approach, the duo Neri & Hu presents Samambu , a luminous landscape inspired by bamboo groves, where slender metal stems support opal glass diffusers. Conversely, Dot Pattern Light, designed by Charles & Ray Eames, vertically transposes the graphic pattern of luminous spheres. Finally, the Accelsa pendant lamp by Angelo Mangiarotti revisits an icon from the 1980s by elevating blown Venetian glass. Simply by being inverted, the original piece offers a new interpretation. Whether through sculpted volumes, lines inspired by nature, or graphic compositions, these creations ensure that Via Durini, 16, remains a landmark for every design lover.

In the heart of Brera, a fashion show unlike any other is taking place. Initiated by French Living in Motion, the event brings together 53 French creations, including 38 pieces of furniture, through April 26. Among them, 28 brands have mobilized to champion a collection rooted in contemporary sustainability issues. "It is important to understand that the 'French Living' label is an alliance between the French furniture industry, which brings together several brands to support them in the transformation of society, and French design, which aims to drive innovation in the furniture sector through the lens of design. In other words, this union, initiated in 2024, aims to promote French furniture sustainably. That is the whole meaning of 'In Motion,' which embodies this spirit of dynamism.", explains Catherine Vereecke, Director of Communication and Markets for L’Ameublement français.

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The collective has drawn from a wide range of SMEs and mid-sized companies active in both the hospitality and residential sectors. The selection is displayed across two spaces. Conceived as an initial glimpse into design creation, the French Design section presents 15 indoor and outdoor furniture pieces, notably by Andrée Putman, Elliott Barnes, and OUD Architecture, and produced by French manufacturers such as Airborne, Atelier Sumbiosis, Maison Pouenat, and Siegeair. This selection is complemented by a second, highlighting 13 French houses—both heritage and contemporary—each presenting three pieces emblematic of their identity. It is a way for houses like Franck Genser, Mercœur Édition, and Sokoa to showcase the breadth of their expertise and the creativity that defines them. According to Catherine Vereecke, "beyond the heritage dimension, this selection was primarily designed to view furniture as a creation in motion, in connection with the body, movement, and time."

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A Fashionable Scenography

As the true common thread of the event, the sustainability of the pieces—as well as that of the companies and their processes—prompted the project's initiators to once again call upon the agency JAKOB+MACFARLANE. Having collaborated with French Design on numerous occasions, the agency is this time reinterpreting the codes of fashion. By adopting the concept of a birch-wood runway and playing with light, the duo focused primarily on the fundamental notion of the collective: movement. "The idea that guided us for this scenography was the desire to question design. How do people perceive it, what do they take away from it, and what do they expect from it in a complex world of polycrisis? But the challenge was also one of evolution." Considering that furniture is much more than functional and that it also influences its environment, the designers chose to stage the power of furniture over space and people. Visitors are invited to walk along the runway, which traverses the space from the outdoor courtyard to the interior. "Nothing is partitioned here. The idea is to experience the space as the elements dictate, giving free rein to the expression of craftsmanship." It is a way to create a dialogue between pieces and expertise—some of which has not changed since the 18th century—that finds itself in the spotlight more than ever today, at a time when local sourcing matters just as much, if not more, than traditional techniques.

It is often easier to start a conversation when everyone speaks the same language. When that is not the case, you have to find a common dialect. For its "Dialogues" exhibition, the Carpenters Workshop Gallery, located at 54 Rue de la Verrerie in Paris's fourth arrondissement, has brought together a diverse collection of works, all (or nearly all) of which are highly contemporary. This theme serves as a focal point for a dozen designers and artists, including the Campana brothers, Nacho Carbonell, Rick Owens Furniture, and Wendell Castle. Despite their distinct personalities, their creative worlds manage to communicate through a layout that highlights connections—particularly in color—across the gallery's three levels. It offers a glimpse into the omnipresence of unique craftsmanship, even in the absence of shared techniques.

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A timeless conversation

On the ground floor, the gallery has sought to establish a different kind of dialogue. More refined than the others, this one does not merely combine aesthetics but fuses them, transcending eras. Bronze specialist Ingrid Donat engages in a conversation with pieces by Pierre Jeanneret. For the occasion, the contemporary artist has reupholstered two Committee chairs and a Lounge Set. Beyond the new stylistic expression provided by the burlap, she offers a more contemporary interpretation of the objects while preserving the soul of this mid-century furniture through the choice of this industrial-coded textile. This is complemented by a desk covered in leather and decorated with the artist's signature motifs—a pictorial and ornamental language also found in the large compositions lining the gallery walls. It is a way of demonstrating that contemporary art can still evolve these well-established modernist icons.

Initiée pour la rénovation du Musée national de Stockholm en 2018, la collection Museum s’enrichit aujourd’hui du bout de canapé fixe Piédestal et du Trolley. Si le premier prolonge la logique d’exposition domestique chère à String Furniture, le second se distingue par une typologie plus inattendue. Faisant suite au bougeoir et à la table d’appoint conçus quelques années auparavant, ce petit chariot s’inscrit dans la continuité d’une collaboration entre deux visions contemporaines du design suédois. Avec ses lignes pures et sa construction orthogonale, la gamme convoque des références industrielles. « Nous nous sommes beaucoup inspirés d’objets utilitaires et plus globalement du monde de l’industrie. C’est ce qui explique notre palette de couleurs ou encore les formes des modules rappelant les poutres en I », explique Mattias Ståhlbom, cofondateur du studio. Un dépouillement autant qu’« une approche pragmatique », traduite notamment par le traitement monochrome de la matière. Le meuble s’efface ainsi au profit des objets qu’il accueille, devenant un support presque muséal pour le quotidien.

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Le mouvement comme geste de design

Forts de « cette bibliothèque de constructions et de formes mise en place progressivement avec la création des modules Museum », les designers ont imaginé « un petit meuble dynamique et étroit, dessiné pour s’adapter à de nouveaux emplacements où un chariot peut se glisser et être utile ». En dépit de ses étagères fixes, le Trolley fait du mouvement un principe central grâce à ses roulettes. Au-delà du contraste formel avec la construction rectiligne de l’objet, ce détail lui confère une véritable polyvalence d’usage. « Pour nous, la dimension utilitaire des objets et leur capacité à bien vieillir doivent susciter une forme d’attachement. » Une vision à long terme, fondée sur l’évolution et l’usage, qui rejoint pleinement l’ADN de String Furniture.

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Deux créations dans la continuité

Fondée en 1949 par les architectes Nisse Strinning et Kajsa Strinning, String Furniture s’impose comme une figure majeure du design scandinave grâce à une approche rationnelle et évolutive du mobilier. En développant dès l’origine le String System, une structure légère et modulable restée presque inchangée depuis plus de 75 ans, la marque a su s’adapter aux mutations des modes de vie. Cette pérennité repose notamment sur la sobriété visuelle du système initial. Depuis, la gamme s’est enrichie en passant du format compact String Pocket aux évolutions contemporaines comme Pira G2, réinterprétée par Anya Sebton et Alexander Lervik. Fidèle à cette continuité, la marque s’ouvre aussi à des collaborations ciblées, prolongeant son esthétique et son identité fonctionnelle. Outre TAF Studio, les Suédois de Form Us With Love ont développé plusieurs extensions, dont la solution de rangement modulaire Center Center destinée aux espaces de travail grâce à ses cubes métalliques. Véritablement structurantes, ces collaborations sont pour l’entreprise nordique autant d’occasions de conjuguer un héritage moderniste et un certain renouvellement stylistique. De quoi maintenir un dialogue entre rigueur industrielle et usages contemporains pour String Furniture.

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Ci-dessous : Museum Piédestal ©String Furniture

Qualifiant eux-mêmes leur esthétique de « restreinte », Andrea Trimarchi et Simone Farresin, fondateurs de Formafantasma, présentaient Formation à TEFAF Maastricht. Conçue pour la galerie Friedman Benda, la collection s’inscrit dans la continuité de leurs recherches sur les archétypes du mobilier et l’évolution de notre rapport aux objets domestiques. Cette fois-ci, le studio s’est attaché à la planche comme forme primaire, presque indissociable du mobilier lui-même. Plutôt que de la transformer, les designers ont choisi de l’utiliser telle quelle pour devenir table, assise ou rangement, sans jamais perdre son identité initiale. Ce parti pris donne lieu à un jeu géométrique rigoureux, enrichi par l’introduction d’aluminium brossé et de panneaux LED. Ces derniers, par leurs proportions, évoquent les écrans contemporains, inscrivant le projet dans son époque malgré une logique d’assemblage très classique. Tout l’enjeu réside alors dans cet équilibre temporel. Une démarche nourrie par des figures comme Frank Lloyd Wright, pour sa capacité à conjuguer artisanat et technologie, ou George Nakashima, pour sa vision du bois comme matière vivante.

Avec Formation, Formafantasma revendique ainsi une sobriété expressive. La collection, réduite à une sophistication assez minimale (bien que rehaussée de touches plus contemporaines), propose un salon hors du temps, mais à cheval sur les époques.

« L’office, c’est cette pièce située entre la cuisine et la salle à manger. C’est l'espace où l'on sublime le plat. Mais c’est aussi et surtout un lieu dans lequel on ne reçoit pas et où l'on peut de fait retrouver un peu de poussière, des affaires qui traînent ou des cales sous les meubles… » En fait, il s’agit surtout d’un lieu fonctionnel et vivant de l’habitation dans lequel rien n’est dissimulé. Et c’est notamment ce qui a intéressé Stéven Coëffic, nouveau bénéficiaire de la Tiny room d’India Mahdavi, avec qui le designer avait collaboré l’an passé pour la création d’une couleur.

Plus qu’une collection, L’Office est donc une forme d’incarnation visuellement ludique et contemporaine d’une pièce aujourd’hui disparue. « Ici, l’idée est de sublimer ce que l’on cache habituellement dans les pièces d’apparat, que ce soient les tuyaux, la robinetterie ou les assiettes qui sèchent. » Autant de typologies recréées en céramique et contextualisées dans cette petite architecture qu’est la galerie. Un dispositif scénographique habituel pour le designer sensible à l’idée d'aménagement d’espace.

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La contrainte technique comme identité

« Ma recherche s’articule autour de ce que je nomme la sculpture quotidienne. Ce sont ces objets omniprésents dans nos espaces de vie, mais oubliés, dont la fonction masque souvent la dimension décorative. C’est pour ça que je me suis intéressé à la plinthe il y a quelque temps. » Un élément architectural que Stéven Coëffic s’est amusé à agrandir puis colorer, et qu’il introduit aujourd’hui comme un module récurrent de sa nouvelle collection. Pour l’occasion, la plinthe devient structurelle et impose sa trame graphique aux meubles. Une connexion entre mobilier, matière et architecture héritée de sa formation à l’École des Arts Décoratifs, et de son apprentissage chez un sculpteur mouleur travaillant la céramique.

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« J’entretiens une certaine fascination pour les objets industrialisés, très orthonormés et modélisables en 3D. Mais ça me semble un peu à l’encontre du design collectible, plus désirable, plus malléable et surtout plus tendance aujourd’hui. J’essaye donc de me placer à la frontière en présentant un répertoire très géométrique mais fabriqué dans une matière sensible qui évolue lors de sa cuisson. » Un rapport entre la forme et le médium qui confère à L’Office, le charme d’une époque passée. « Il y a dans l’esthétique du studio quelque chose que l’on peut rapprocher de Perriand, d’une époque ou il existait des fonctions disparues aujourd’hui. » Un effet renforcé par des arêtes et des courbes comme érodées par le temps. « Pour moi, le rond parfait est patatoïde et c’est ce qui m’intéresse » résume le designer en désignant les trous de coulée volontairement agrandis pour servir de poignées aux différentes portes et tiroirs. Une contrainte technique déformée qui illustre à elle seule l’ambition de conférer aux objets la poésie d’un design terre-à-terre.

C’est à Roubaix, là où tout a commencé, que l’exposition « La Redoute, un temps d’avance. Mode, design, publicité » a choisi de revenir sur l’ascension de la maison fondée en 1837 par Joseph Pollet. Sous le commissariat de Karine Lacquemant, conservatrice des Collections d’art appliqués à La Piscine, Sylvette Lepers, Directrice des Partenariats Créatifs de La Redoute et Sandrine Teinturier, responsable des Archives à la Fondation Azzedine Alaïa, cette retrospective inédite retrace l’histoire de la marque, allant de la première filature de laine peignée dans les années 1830 jusqu’aux dernières créations de mode et mobilier. Pensée comme un récit chronologique, l’exposition rassemble à la fois objets de design, pièces de mode, catalogues, photographies et archives publicitaires, qui témoignent de l’évolution de l’enseigne au fil des décennies.

Roubaix, symbole de l’industrie textile

La première partie de l’exposition est consacrée à l’histoire de la création de l’entreprise et ses débuts. Installée à Roubaix, rue de la Redoute - qui donnera finalement son nom à l’entreprise -, la famille Pollet, alors propriétaire d’une filature de laine peignée, en fait rapidement sa spécialité. Très vite, la qualité de la laine roubaisienne se démarque et est vite mise en avant et reconnue au niveau européen, avant d’être finalement baptisée « capitale de la laine peignée » au début des années 1910. Quelques années plus tard, Penelope, le premier catalogue par correspondance dédié à la laine et au tricot à destination de la clientèle féminine, sera vendu. Le magazine, ancêtre du célèbre catalogue La Redoute, avait été pensé à l’époque afin de démocratiser l’accès à la mode par l’intermédiaire de la laine. Au sein de l’exposition, on trouve ainsi plusieurs archives de ces catalogues connus pour leurs motifs colorés, accompagnées de tricots, mailles et tricotions de l’époque, à l’effigie de la marque.

Une culture du quotidien

Dans la seconde partie de l’exposition, on aborde d’abord les années 1960-1970, à l’ère des Trente Glorieuses où la consommation est mise en avant. On y retrouve différentes pièces de mobilier notamment, de la table et chaise en Formica en passant par le tabouret d’Henri Massonet. Cet espace s’étend également jusque dans les années 1980, période de l’âge de la publicité, pour y présenter de nombreuses campagnes publicitaires iconiques.

Des collaborations d’exception

Au delà de sa connaissance en matière de textile, mobilier et campagnes de pubc, La Redoute s’est également distinguée par sa capacité à anticiper les évolutions de la création en faisant appel à des designers et à des créateurs de renom à de nombreuses reprises. Parmi eux, Karl Lagerfeld, Yves Saint Laurent, Jean-Paul Gaultier, Philippe Starck, Jean-Michel Wilmotte ou plus récemment Jacquemus ou Margaux Keller, qui ont tous pris part à l’histoire de la marque en imaginant des collections exclusives, qui sont toutes à (re)découvrir au sein de la dernière partie de l’exposition.

L’exposition met ainsi en lumière une marque qui n’a cessé de réinventer les codes du commerce et de la création pour une plongée dans la mémoire collective, où design, mode et culture populaire s’entrelacent. Plus largement, cette rétrospective dessine une histoire sociale : celle de l’émancipation des femmes, de la transformation des intérieurs et de l’accès démocratisé à la consommation, qui ne demande qu’à écrire son prochain chapitre.

Five designers, one singular perspective: the radicality of the object. For the opening of its new showroom, Pulp Galerie, founded by Paul Ménacer-Poussin and Paul-Louis Betto, is showcasing the German collective Pentagon Gruppe until March 21. Comprising Gerd Arens, Wolfgang Laubersheimer, Reinhard Müller, Ralph Sommer, and Meyer Voggenreiter, the group champions the aesthetic of the unfinished. Founded in 1985 in Cologne at the height of the Cold War, Pentagon Gruppe was built on the belief that design could spark a revolution. At a time when the artist was largely overlooked and the synergy between industry and design was far from the Italian model, these creators went against the grain of their era. Disregarding the functionalism and formal sobriety inherited from the Bauhaus, the studio prioritized ideas over comfort. The object had to be a manifesto, and radicality was that manifesto. With massive, heavy pieces, visible scratches, and intentionally raw welds, the concepts conveyed were meant to be visible and inherent to the objects themselves. The structure commands attention, much like Wolfgang Laubersheimer’s Seerose sideboard, crafted from steel and raw lava stone.

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A desire to push boundaries

While the collective remains unclassifiable—though objectively driven by a radicality where style dominates all else—the exhibited pieces hint at the concept of movement. This omnipresence is particularly evident in the Folding bed, which adopts Jean Prouvé’s compass structure, the Shelf Unit for Cheap Glasses on casters, and the Mai 68 magazine racks, which serve as clear material transpositions of the instability reigning in France at the time. These are all references to the industrial sector. Yet, this notion also takes on a more poetic form. From the miniature stream watering the plants on the imposing Amazonia table made of Ruhr stone, to the Voyage à Milan mobile pendant light featuring a circling train, movement reflects the studio’s total creative freedom, expressed through cold materials and rigid volumes. This approach came to an end after only a decade of activity, when an ambitious project for an itinerant, robotic artist’s café led Pentagon Gruppe to bankruptcy. It was a total and radical adventure in every sense, which Pulp Galerie invites you to discover through a selection of around twenty objects.

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The exhibition Pentagon Gruppe: Silent Brutality is on view until March 21, 2026, at Pulp Galerie, 30 Rue de Seine, in the 6th arrondissement of Paris.

Avec l’ouverture de son showroom de 400 m² rue du Mail, en plein cœur de Paris, Accent Rouge franchit une nouvelle étape de son développement. Pensé comme un lieu de démonstration et d’échanges, cet espace met en scène l’ensemble de ses expertises - lumière, chauffage, portes & poignées et mobilier - au service des architectes, prescripteurs et professionnels de l’immobilier. Fort de 40 ans d’expérience, de 120 collaborateurs et de trois espaces d’exposition entre Paris et Lyon, le groupe affirme à travers cette adresse la volonté de proposer des solutions concrètes, techniques et adaptées, portées par un interlocuteur unique. Daniel Setton, PDG du groupe, revient pour nous sur la genèse de ce projet et sur la vision qui accompagne cette dynamique.

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Le groupe Accent Rouge est l'héritier de quatre marques. Pouvez-vous nous en parler et nous expliquer cette volonté d'évoluer sous une seule et même bannière ?

Accent Rouge est né de la réunion de quatre marques historiques : Le Cèdre Rouge Business, Inédit Lighting, Passage Portes et Poignées sans oublier Worldstyle. Depuis plus de 40 ans, chacune d’elles a développé une expertise forte et une légitimité reconnue dans son domaine respectif. Cependant, au fil des projets, nous avons remarqué que nos clients ne cherchaient plus une réponse segmentée, mais une vision globale. Il nous manquait un lien visible, une bannière commune capable d’exprimer notre capacité à accompagner un projet dans son ensemble.

La création d’Accent Rouge marque cette évolution. Elle incarne le rassemblement de nos savoir-faire sur fond d’expertise, d’exigence et d’un sens du service. C’était aussi une manière d’affirmer notre positionnement en proposant des solutions décoratives et architecturales globales, cohérentes et sur mesure. Aujourd’hui, le groupe offre un accompagnement transversal, de la conception à la mise en oeuvre.

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Votre expertise se scinde en 4 volets, à savoir le mobilier, la lumière, les portes et poignées sans oublier le chauffage. Qu’est-ce que cela change d’avoir une expertise globale ?

Cette approche transforme profondément la manière de concevoir un projet. Elle permet d’offrir une vision d’ensemble, portée par un interlocuteur unique capable de coordonner toutes les expertises. Pour nos clients, quels qu’ils soient, cela représente un véritable gain de temps. Mais c’est également la garantie d'une cohérence esthétique et technique.

Il faut bien comprendre qu’un projet ne se résume pas à juxtaposer des éléments. La finition d’un interrupteur peut dialoguer avec celle d’une poignée de porte, d’un montant, ou même d’un sèche-serviettes. Les matières, les teintes, les textures se répondent. L’ensemble doit s’accorder pour créer une harmonie globale. C’est cette capacité à penser le détail dans une vision d’ensemble avec nos clients qui fait la différence.

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Vos projets s’étendent dans les secteurs de l'hôtellerie, des appartements privés, mais également des institutions culturelles, de l’urbain etc…. Comment le travail de votre bureau d’études s’articule avec celui des prescripteurs ?

Notre bureau d’études joue un rôle central. Il fédère les expertises techniques de chaque pôle et travaille en étroite collaboration avec les architectes, designers et maîtres d’ouvrage. Chaque domaine possède ses exigences spécifiques. En éclairage, par exemple, nous intégrons les contraintes normatives, les niveaux d’éclairement, l’efficacité énergétique ou encore la scénographie lumineuse. En chauffage, nous travaillons sur les puissances nécessaires selon les volumes, les usages, les systèmes de pilotage — notamment dans l’hôtellerie où le confort et la gestion énergétique sont essentiels. Sur les portes et le mobilier, la maîtrise des normes (coupe-feu, acoustique, tissus non-feu, accessibilité…) est déterminante. Notre rôle est d’anticiper ces contraintes techniques pour permettre aux prescripteurs de conserver une liberté créative totale. En fait, nous nous positionnons comme un partenaire technique et esthétique.

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Vous travaillez avec des marques très connues comme Vitra pour le mobilier, et d’autres plus confidentielles comme l’éclairagiste espagnol Parachilna. Comment ce corpus est-il choisi ?

Le choix d’une marque résulte généralement d'une vision partagée. Nous privilégions des partenaires - majoritairement européens - qui défendent un véritable savoir-faire technique, une identité forte et une qualité de fabrication irréprochable. A partir de là, chaque marque doit apporter un univers distinct, tout en offrant une complémentarité avec les autres. Nous aimons révéler des signatures plus confidentielles, mais nous assumons aussi la présence d’icônes du design. Notre rôle est d’orchestrer cet équilibre tout en étant attentifs aux engagements environnementaux, aux matériaux recyclables, aux démarches RSE et aux innovations durables, qui deviennent aujourd’hui incontournables.

Pour cette nouvelle édition de Paris Deco Off et Paris Deco Home, plus de 160 participants ont répondus présents à l’invitation - 94 pour PDO et 70 pour PDH -. Deux événements qui se complètent afin de proposer une sélection la plus large possible en matière de décoration et d’aménagement. Zoom sur dix marques à venir découvrir sans modération dans les rues de la capitale.

Tréca x Pierre Frey

À l’occasion de Paris Déco Off, Tréca Paris ouvre sa boutique place des Victoires à travers une mise en scène spécialement imaginée pour l’événement. Une installation conçue en collaboration avec Pierre Frey, qui présentera trois lits habillés de tissus sélectionnés pour l’occasion, déployés dans une scénographie fluide et continue. Pierre Frey mettra également en lumière un tissu issu de sa nouvelle collection, pensé comme point focal du décor.

4 rue Vide-Gousset – 14 place des Victoires, 75002 Paris

Le Jacquard Français

Pour cette rentrée 2026, Le Jacquard Français met les petits plats dans les grands et propose non pas un, mais trois temps forts. Au cœur de son showroom Bonaparte, pensé comme un véritable écrin créatif, le flagship mettra en lumière les nouvelles collections Printemps-Été 2026 dans le cadre de Paris Déco Home, à travers une mise en scène valorisant matières, textures et savoir-faire artisanal. En parallèle, la marque dévoilera un partenariat spécial avec Yellow Korner autour d’une exposition consacrée à la main dans l’artisanat et la décoration, à découvrir place Saint-Germain. Enfin, Le Jacquard Français participera au Festival des Étoffes, un parcours textile thématique au sein de Paris Déco Off, en y présentant un fauteuil entièrement tapissé du tissu de la collection Promenade Impériale.

Flagship Bonaparte, 28 rue Bonaparte, 75006 Paris

NOËL & MARQUET

Pour sa participation à Paris Déco Off / Home 2026, le fabricant belge NOËL & MARQUET dévoilera sa nouvelle collection de panneaux muraux intitulée « The Harmony of Lines ». Un lancement qui s’impose comme une nouvelle étape en termes de développement technique et de personnalisation des espaces pour la marque.

19 rue Mazarine 75006 Paris

Ferreira de Sá

Reconnu comme l’un des plus importants ateliers de tapis d’Europe, le fabricant portugais Ferreira de Sá participe à Paris Déco Home pour y présenter ALÉM TEJO, une collection de treize tapis inspirés des paysages et des rythmes du sud du Portugal.

6 rue de Furstemberg 75006 Paris

Tribù x Domani x Prado

Pourquoi se présenter seul quand on peut le faire à trois ? C’est le choix opéré par les marques belges Tribù, Domani et Prado, qui dévoileront leurs nouveautés à travers une installation commune. Pensée comme un sanctuaire hivernal, la scénographie prend place dans la cour intime de l’Abbatial, au cœur de Saint-Germain-des-Prés. Intitulée « Un sanctuaire de l’Artisanat », cette mise en scène signée par l’architecte et directeur artistique Marc Merckx se déploie dans un dialogue harmonieux entre mobilier outdoor, poterie sculpturale et éclairage architectural, dans une atmosphère sobre et puissante.

Abbatial – 5 rue de l’Abbaye, 75006 Paris

Kvadrat

‍A l’occasion de Paris Deco Off, l’éditeur de tissus danois Kvadrat présentera en exclusivité, au sein de son showroom parisien de la rue du Mail, sa nouvelle collection Sahco ainsi qu’une collection de tapis intitulée Loux.

17 rue du Mail 75002 Paris

Maison Lelièvre

Dans une scénographie imaginée par Edgar Jayet, Maison Lelièvre dévoilera quatre nouvelles collections et rééditions à La Pagoda. Lelièvre Paris présentera Escales Lointaines, une invitation au voyage mêlant influences asiatiques, florales et végétales, ainsi que Îles du Vent, sa première collection In/Outdoor. La maison Quenin rendra hommage à l’art de recevoir et à l’hédonisme à la française avec la collection Festivités. Enfin, Les Roses et Dahlia perlé, deux rééditions d’archives Tassinari & Chatel, seront également exposées.

48 rue de Courcelles, 75008 Paris

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Samuel & Sons

Lors de Paris Deco Off, le spécialiste de la passementerie Samuel & Sons présentera deux nouvelles collections : Romaunt, dessinée par Martin Brudnizki ainsi qu’Ashton.

23 Rue du Mail, 75002 Paris

Toyine

L’artiste textile Toyine Sellers, fondatrice de l’atelier français Toyine, présentera ses dernières créations lors de Paris Déco Off à travers l’exposition « At Home, Summer in Sweden ». Elle y dévoilera notamment sa première collection d’extérieur, MANUS OS Trois Cent (MO.300), ainsi que OM ALMA Deux Cent Un (OA.201), dernier design de la famille OM Alma. Une collection qui explore les variations de teinture artisanale à travers différentes fibres, chacune absorbant la couleur de manière unique. L’exposition se tiendra dans le showroom parisien du fabricant de lits suédois Hästens, où seront également présentées des têtes et jupes de lit sur mesure signées Toyine.

Hästens - 52 Rue de l’Université 75007 Paris

Toulemonde Bochart

Le fabricant de tapis Toulemonde Bochart présentera lors de Paris Déco Off sa nouvelle collection Geste & Ornements. Conçue sous la direction artistique de Florence Bourel, elle célèbre l’ornement dans ce qu’il a de plus contemporain et explore la richesse du tuft main à travers une série de modèles où formes, textures et découpes révèlent la main de l’artisan et la beauté des matières naturelles. L’architecte d’intérieur Anne-Sophie Pailleret a également collaboré à cette collection, en y apportant son regard sensible sur la matière et l’univers du tapis.

10 rue du Mail, 75002 Paris

Pour la troisième fois, Monoprix célèbre le design des années 70 avec une nouvelle collection capsule. Majoritairement issues des catalogues Prisunic, les assises en tubulaire, les tables laquées et les luminaires aux courbes généreuses composent cette édition fidèle et contemporaine, teintée de couleurs pop. L’occasion pour Odil Mir, Jean-Pierre et Maryvonne Garrault ou Henri Delord de signer quelques variations de leurs créations, faisant dialoguer héritage et modernité. En charge de cet événement, Cécile Coquelet, directrice de la création chez Monoprix et responsable du bureau de style, de l’image, du merchandising et des collaborations, a répondu à cinq questions pour mieux cerner les enjeux de cette joyeuse collection, visible jusqu’au dimanche 7 décembre au 5 rue Saint-Merri, dans le 4ᵉ arrondissement de Paris.

Cette présentation était le troisième acte des rééditions Prisunic. Pourquoi avoir voulu de nouveau faire la part belle aux années 70 ?

Effectivement, nous avions déjà consacré la première édition à cette décennie en 2021, parallèlement à une grande exposition qui avait eu lieu au Musée des Arts Décoratifs de Paris pour les 90 ans de Monoprix, puis en 2023 pour la seconde édition. À chaque fois, nous nous sommes intéressés aux années 70 car elles résonnent beaucoup avec les tendances actuelles. C’est une période où le design était très gai, que ce soit par les tubulaires en acier ou les couleurs pop. C’est ce que nous recherchons dans nos rééditions. Les pièces seventies n'ont pas pris une ride. A l’époque elles étaient modernes et design, aujourd'hui elles sont rétro et design, et c'est ce qui plaît !

Pour cette nouvelle édition, vous avez choisi de mettre à l’honneur les créations d’Odil Mir, de Jean-Pierre et Maryvonne Garrault, d’Henri Delord, ainsi que celles du studio Prisunic. Pourquoi cette sélection d’artistes ?

Odil Mir était à l’époque l’une des rares femmes designers présentes dans le catalogue Prisunic. Mais c’est aussi sa vision qui nous a intéressés, puisqu’elle est sculpteuse de formation, et cela se retrouve beaucoup dans ses objets. Ils sont à la fois sculpturaux et organiques, ce qui apporte une vraie légèreté. Ce mélange en a fait une figure importante des années 70.
Concernant Jean-Pierre Garrault, c’est un créateur qui était d’abord peintre, mais qui a vraiment touché à tout. Avec sa femme, Maryvonne, ils ont été designers textile et ont assuré, entre autres, la direction artistique de Formica. Et puis, au-delà du fait que nous rééditions ses pièces pour la troisième fois, il a aussi mené des collaborations très intéressantes avec Henri Delord, que nous souhaitions également remettre à l’honneur.

Dans quelle mesure avez-vous retravaillé les pièces avec les designers ?

Il y a toujours un travail de recherche que nous menons en interne. Cela passe par les catalogues que nous rachetons ou par des propositions issues des archives personnelles des designers. Il faut comprendre que certaines pièces n’ont jamais été éditées, ou alors en très peu d’exemplaires. C’est le cas des pièces d’Odil Mir. Quoi qu’il en soit, cela nous oblige généralement à refaire les fiches techniques. C'est un travail assez laborieux, mais qui nous permet aussi de rencontrer les designers, mais aussi de collaborer avec Yves Cambier, Francis Bruguière et Michel Cultru, les fondateurs de Prisunic. Ce sont souvent de longs échanges pour déterminer les bonnes couleurs, proches des originales, et comprendre comment l'objet était réalisé à l’’époque. Mais il arrive que nous soyons amenés à modifier des pièces qui se sont arrêtées au stade de prototypes. Je pense notamment à la lampe Lune de Jean-Pierre Garrault, qui était à l'origine en plastique. Outre le fait que ce soit très polluant, le plastique est inenvisageable pour de petites séries de 50 à 400 pièces puisque concevoir un moule pour si peu ne serait pas rentable. Nous avons donc opté pour de l'opaline. Finalement, on réfléchit beaucoup, avec la volonté d’être toujours au plus proche du dessin des années 70.

Dans l’exposition visible jusqu’à dimanche, on retrouve d’autres typologies d’objets. Pourquoi avoir cette diversité ?

Pour la simple raison que Prisunic proposait un éventail d’objets très varié. Par exemple, au milieu des années 50, Andrée Putman avait réalisé des lithographies d’œuvres d’art en séries très limitées et vendues à 100 francs l’unité. En 2025, nous avons réédité des affiches dessinées par Friedemann Hauss en 1969. À l’époque, on retrouvait des motifs Prisunic sur toute une série de petits objets, notamment de la papeterie. C’est ce que nous avons refait pour ce troisième acte, avec des typologies allant du tablier au sac cabas, en passant par la vaisselle.
D’ailleurs, lorsque l’on parle d’archives, c’est vraiment cela. Le motif que l’on retrouve par exemple sur les assiettes provient d’un motif que notre graphiste Lucie Lepretre a retrouvé au cours d’une brocante sur de vieux objets Monoprix, et qu’elle a redessiné.

On parle de Prisunic et de rééditions, mais Monoprix c’est également des collaborations avec des designers contemporains. Comment cela s’articule ?

Pour bien comprendre, il faut remonter un peu en arrière. Monoprix a été créé en 1931 par les Galeries Lafayette et Prisunic en 1932 par le Printemps. Longtemps, il y a eu une course à l’inventivité, mais Prisunic s’est rapidement distingué avec une première collaboration avec Terence Conran en 1969. Ce fut le début de 18 éditions de catalogues où se sont succédé les designers. Le grand tournant a lieu en 1997 lorsque les deux marques fusionnent. Prisunic garde son bureau de style et Monoprix sa centrale d’achat. De cette fusion naît une première collaboration en 2000, en faisant de nouveau appel à Terence Conran. Puis il y a eu un vide pendant plusieurs années, avant que nous ne décidions de relancer ces collaborations avec India Mahdavi, Axel Chay et Jean-Baptiste Fastrez, mais aussi un partenariat avec l’École Camondo, le magazine Milk ou encore la chanteuse Jain.
L’idée, c’est d’étonner les clients avec de nouvelles choses. Nous sommes très libres, mais avec une stratégie commune : rendre le beau accessible à tous. Et c’est ce que nous avons souhaité avec la collection visible jusqu’à dimanche, rue Saint-Merri à Paris.

« Quand j’ai imaginé cette collection, j’avais envie de rendre le teck plus aérien et dansant, car je trouve qu’il est souvent associé à quelque chose d’assez lourd », explique Julie Richoz en évoquant la genèse de Cicala, lancée par Tectona en 2017. Mise au défi de revisiter cette collection pour en proposer une déclinaison, elle signe cinq nouvelles pièces : un fauteuil, deux canapés 2 et 3 places, ainsi qu’une table basse et une table d’appoint en granit. Comme pour les premières pièces, l’ensemble est empilable pour toujours plus de praticité. Le tissu des canapés sera proposé dans une version sable, avec la possibilité de le personnaliser selon les besoins ou les projets. Julie Richoz dévoile ici des pièces aux lignes rondes et aux volumes généreux, qui n’attendent plus que le retour des beaux jours pour briller !

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À gauche : première partie de la collection Cicala, composée de la chaise et de la table à manger © Tectona / À droite : le nouveau fauteuil de la collection Cicala © Tectona

Cette nouvelle édition s'ouvre avec quatre figures majeures de la scène contemporaine : Erwan Bouroullec, Sabine Marcelis, Patrick Jouin et Odile Decq. Chacun y partage, avec sincérité et singularité, sa vision de l'idée - ce moment d'émergence où intuition, matière et sens ne forment qu'un.

Retrouvez l'intégralité de la saison 1 dans notre article dédié.

Episode 1 : Erwan Bouroullec

Installé entre Paris et la Bourgogne, Erwan Bouroullec propose un design inspiré d'une certaine simplicité, et empreint d'une forme de poésie humaine. Dans un discours sensible, il évoque la place discrète mais non moins essentielle du geste créatif, comme une solution aux problématiques du quotidien. « Pour moi, il n'y a pas d'idée géniale » affirme le créateur qui partage ici son approche délicate de l'objet.

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Episode 2 : Sabine Marcelis

Motivée par le besoin de compréhension des éléments qui l'entourent, Sabine Marcelis, s'amuse à repousser les limites de l'existant. Inspirée en grande partie par la nature, « la plus grande des designers », dont elle fait le point de départ de ses réflexions, l'artiste et designer basée à Rotterdam revendique une approche instinctive. Un besoin qui répond à celui essentiel de préférer la persévérance de l'approche plutôt que le suivi des tendances.

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Épisode 3 : Patrick Jouin

Designer par vocation, Patrick Jouin évoque la place de l'intuition dans la création. Affirmant que le design est une discipline pensée pour les autres, il place l'idée au cœur du processus. Convaincu que les "bonnes et grandes idées" sont rares et précieuses, souvent révélées par le regard d’autrui plus que par sa propre certitude, Patric Jouin accorde au hasard toute sa place. Une vision grâce à laquelle le designer appréhende l'inspiration comme une variable fluctuante.

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Épisode 5 : Philippe Starck

Créateur-explorateur, connu et reconnu dans le monde entier, Philippe Starck confie être devenu designer par hasard. Libre, Précurseur, affranchi des modes et des codes, il revendique une vision de la création à la fois humaine, poétique et politique, invitant chacun interroger ses besoins et la véritable utilité des objets.

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Épisode 6 : Vincent Van Duysen

Architecte et designer anversois, Vincent Van Duysen évoque une créativité intuitive, guidée par l’émotion plus que par le hasard. Son travail, profondément humaniste à ses yeux, cherche à offrir des espaces de calme et d’introspection dans un monde effréné. Une vision et une démarche cultivées depuis plus de quarante ans, au-delà desquelles le designer invite les jeunes créateurs à croire en leur talent et leur sensibilité.

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Épisode 7 : Luca Nichetto

Selon le designer italien, un projet n’existe vraiment qu’en étant adoré ou détesté. Une approche assez radicale du design qu’il considère comme un privilège à l’origine d’une peur motrice. Un mélange entre respect de la créativité et saut dans le vide. Désireux de sortir de sa zone de confort, Luca Nichetto invite aussi les jeunes designers à ancrer leur pratique dans l’histoire du design et de la société, afin de construire des fondations solides essentielles à la compréhension des besoins de demain.

‍« C’est un appartement qui m’a toujours fait rêver. Pouvoir y exposer aujourd’hui est une chance », annonce Hugo Besnier depuis la vaste véranda de cet appartement ouvert sur la Seine. C’est dans cette ancienne propriété du couturier Pierre Cardin, prêtée par l’agence Barnes jusqu’au 30 novembre, que le fondateur d’Hartis présente Tour de Mains, sa nouvelle collection. Composée d’une trentaine de pièces, pour la majorité nouvelles à l’exception de quelques éléments imaginés pour des projets précédents mais redessinées, la collection se découvre de salle en salle. Transcription de l’univers d’Hugo Besnier, celle-ci a été imaginée pour fonctionner comme un tout. « Mon but était de créer un ensemble harmonieux, mais en évitant à tout prix l’effet catalogue, avec le même détail et la même finition partout. C’est quelque chose à la mode, mais je voulais absolument éviter cette facilité », revendique le designer, qui est à l’origine d’un ensemble avant tout usuel, dans lequel « on n’a pas peur de poser un verre ou de s’asseoir ».

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Le geste créateur

La chaise Biseau, la table d’appoint Cintrage ou encore la suspension Ciselure. En lisant le catalogue de l’exposition, la philosophie d’Hugo Besnier s’impose rapidement. « Chaque pièce porte le nom d’une technique artisanale ou d’un outil, car Tour de Mains est un hommage à l’écosystème de l’artisanat. » Conçue avec l’appui des Meilleurs Ouvriers de France et des Compagnons, la collection a été imaginée comme un vecteur de mise en valeur du geste : de celui du dessinateur, auquel le designer se prêtait déjà enfant lorsqu’il s’ennuyait à l’école, jusqu’à celui du fabricant. Un principe guidé par la rencontre de deux mondes : celui d’une construction rationnelle, fruit de l’intelligence humaine d’une part, et la notion d’évolution plus aléatoire et organique de la nature d’autre part. Une dualité héritée de son enfance passée entre Fontainebleau et Paris ; « les arbres et les immeubles haussmanniens » mais aussi caractéristique de ses inspirations. « Le mobilier Louis XIV et le repoussement des limites artisanales dans une sorte de perfection, parfois au détriment du fonctionnalisme, me parlent tout autant que son opposé, le style scandinave. Quant au Wabi-Sabi et à l’idée de beauté dans l’imperfection, j’y vois une certaine résonance avec mon approche », assure le designer, dont la collection a été l’occasion de développer de nouvelles techniques, parmi lesquelles le ponçage et le polissage de la croûte de cuir.

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Un parcours façonné par la création

Inspiré par les dessins de sa mère et la délicatesse de sa grand-mère, « qui dissimulait les portes et recherchait l’harmonie en accommodant les meubles avec des fleurs de saison », le designer se souvient avoir « toujours voulu être architecte d’intérieur ». Mais c’est lors de ses études en école de commerce que l’idée se concrétise, avec son premier appartement étudiant « entièrement dessiné pour qu’il ne ressemble à aucun autre ». Un projet personnel qui l’amène rapidement à repenser l’intérieur de l’hôtel particulier de son parrain de promotion. Dès lors, la machine est lancée et Hartis naît en 2020. Puis les choses s’enchaînent : d’abord sur le continent américain, avec un premier article dans le AD américain, puis une place dans la Objective Gallery de Soho, d’où naîtront plusieurs projets. Ce n’est qu’avec Tour de Mains que le designer revient sur la scène française. Un projet mené dans la continuité de son parcours, dans lequel la qualité du geste est aujourd’hui le qualificatif premier de son approche.